Omar (Hany Abu-Assad, 2013)

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Omar

Desde una cómoda y confortable existencia cuesta bastante ponerse en la piel de Omar, el protagonista de esta dura, emotiva y muy recomendable película Palestina.

Ahora que vemos en las noticias que los Palestinos han matado recientemente a cinco israelitas, ya nos tememos lo peor. De nuevo habrá más muertes, más ataques, más crímenes, más destrucción de casas palestinas y más ahogo sobre la franja y más pánico y mayores de dosis miedo para los Israelitas, que han comprobado que tienen al enemigo, ávido de sangre, en casa.

El protagonista es Omar, un joven que trabaja en una panadería y está enamorado de Nadia, la hermana de su amigo de la infancia Tarek. Sueña con vivir con ella, donde sea, pero juntos. El problema es que Omar debe contribuir a la causa palestina, luchar contra el invasor Israelí, aunque sea derramando su sangre, en cuyo caso será un mártir más. Omar junto a Tarek y Amjed, una noche en una excursión nocturna matan en un cuartel a un soldado israelí, valiéndose de un fusil con mira telescópica.

Acción-Reacción. Los Palestinos en esta ocasión golpean y los Israelitas responden con contundencia. Omar es detenido y pecando de pardillo, se ve más pronto que tarde ante la tesitura de tener que colaborar con el enemigo, o de pasar lo que le queda de vida en la cárcel.

Es evidente que para Omar tiene sus riesgos porque si vuelves una de dos: o has soportado lo indecible sin cantar, en cuyo caso es raro que te dejen en libertad, o te has ido de la lengua, eres entonces un traidor y trabajas para el enemigo.

Omar afirma (no puede decir otra cosa), que ha soportado ahí dentro sin cantar. Como sus amigos no ven nada raro entre las filas Israelitas tras la liberación de Omar, se creen la versión a medias, pero Nadia comienza a recelar, al dar por bueno lo que dicen esas voces maledicentes que tildan a su amado de traidor o colaborador. Omar, como los buenos políticos, ni afirma ni desmiente la mayor. Y se marca un plan, un punto de fuga, que me deja para el recuerdo un final impactante.

Buenísimas interpretaciones de la pareja protagonista (Adam Braki/Omar y Leem Lubany/Nadia), en la piel de estos sufridores Romeos Palestinos.

El director, Hany Abu-Assad (Paradise Now) aborda el tema con franqueza, con credibilidad, cargando las tintas en ambos bandos, sin cortarse a la hora de describir la violencia explícita y a menudo gratuita que se gastan los soldados israelitas, como se ve en la escena en la que tres de ellos vejan a Omar, por placer de humillar a alguien desarmado.
No hay buenos ni malos o unos no son más buenos que los otros, sino una situación trágica y dramática que no tiene visos de solucionarse, cuando el caldo de cultivo vemos que borbotea con cada acción violenta perpetrada en cada bando.

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Los jóvenes palestinos con ese muro de la vergüenza frente a sí, parecen animales acorralados, para quienes irse al extranjero o volar por los aires cometiendo un atentado, parece convertirse en sus dos únicas opciones vitales.

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The extraordinary tale of the times table (Laura Alvea, José F. Ortuño 2013)

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Este cuento extraordinario dirigido por Laura Alvea y José F. Ortuño se ha llevado un buen número de premios en los festivales por los que ha pasado.

La película es rara, singular y claustrofóbica, ya que intervienen seis personajes (la pareja que se enamora, sus respectivas madres, la prota cuando era niño y el hijo de ambos), y transcurre dentro de una cosa, muy bien iluminada.

El rollito de la película es tipo Amelie (con la que tampoco comparte mucho más allá de las neuras de una solterona), donde la protagonista es una mujer de cuarenta años que escribe cartas a todo Cristo hasta que un día pulsa la tecla adecuada y al otro lado de la innominada relación epistolar emerge un hombre, igual de raruno que ella. Se escriben mucho, deciden verse, lo pasan bien juntos, viven juntos, se acuestan (para lo que deben ver cómo se hace el amor en un libro), y tienen un hijo y él consigue un trabajo y pasará mucho tiempo fuera de casa, y apenas se ven, y su amor languidece o se deshace y ella no puede críar a su hijo sola porque no está capacitada y cuando los Servicios Sociales se llevan al niño, ella descansa y su marido también, porque todo vuelve a la situación previa al embarazo, y esto de no tener ninguna responsabilidad les pone y les excita y les dará ganas de vivir a los dos, y de comer, y de follar, de nuevo, y colorín colorete este “extraordinario cuento” se ha acabado.

Un cuento que me ha gustado entre poco y nada.

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Another me (Isabel Coixet 2014)

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Isabel Coixet pergeña su primera incursión en el género del suspense terrorífico y trata de darle su impronta artesanal. ¿Lo logra?. A ratos.

Cuenta como protagonista con la popular actriz Sophie Turner, que conoceréis de verla en Juego de Tronos dando vida a Sansa Stark. Es una buena elección, porque Sophie es una buena actriz, la cual plasma acertadamente con su físico esa tierra de nadie entre la niñez y la edad adulta, a la sazón llamada adolescencia, embutida en un cuerpo espigado y desgarbado, en continuo tránsito, lo cual queda bien reflejado en los primeros planos que Coixet toma de su rostro.

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La adolescente tiene a su padre cuarentón postrado en una silla de ruedas aquejado de arterioesclerosis múltiple (el esforzado actor Rhys Ifans), y a su madre (Claire Forlani, que de lo operada que está no puede ni reírse ni llorar con credibilidad), convertida a su pesar en viuda sexual en vida, acostándose con el profesor de teatro de su hija (interpretado por el voluptuoso Jonathan Rhys Meyers).

Ante semejante papelón: un padre enfermo y postrero y una madre infiel y adultera, la joven la cual ya está algo paranoica, ve superada su capacidad de resistencia emocional y afectiva, y cree enloquecer al estar convencida y obsesionada con el hecho de que haya otra chica que se hace pasar por ella con idea de volverla loca.
Así verá sombras reflejadas en los túneles por los que transita, una cámara registrará la presencia de su otro yo, etcétera.

Pero no, la joven podría estar loca de atar, pero no lo está, al conocer que su madre estuvo embarazada de dos gemelas. Una de la dos tuvo que morir para que la otra salvara la vida y ahora desde el más allá (sí, amiguetes, el paso siempre vuelve) la muerta quiere cobrarse la vida de alguien vivo, y pasar a formar parte de ella. Y de eso va la película. Lo más misterioso además de ese otro yo es el tratamiento de la adolescencia: la ebullición de las hormonas, la adopción de las primeras decisiones, las primeras relaciones sexuales, la necesidad se ser aceptado por el rebaño o no ser al menos rechazado, el ir dando forma a una personalidad, a un carácter, a una forma de ser, nada fácil para la joven, habida cuenta de su situación familiar y emocional.

Coixet logra en algún momento salirse de lo previsible, pero al final ni ofrece nada nuevo ni la película tiene nada que la haga memorable, ya que las escenas se organizan sin consistencia, sin lograr una historia bien cimentada, devenida en un pasatiempo que se ven sin esfuerzo ni recompensa.

Sin contar con los títulos de créditos la película dura 72 minutos. Suficientes.

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El viejo fusil (Robert Enrico 1975)

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El viejo fusil, rodada por Robert Enrico en 1975, se inspira en la luctuosa y deleznable Matanza de Oradour-sur-Glane, acaecida en 1944. ¿Qué tiene que ver ganar un guerra con matar civiles, violar mujeres y niñas y robar la dignidad de cuantas personas, que no porten el atuendo nazi, te cruces en tu camino?.

La película aborda el tema de la venganza. No es nada nuevo, porque hay unas cuantas películas a lo largo de la historia que han tratado esta pulsión humana con acierto, y en esta ocasión se aborda con visceralidad y nobleza, dando lugar a una película intensa, conmovedora y memorable, convertida en un clásico por méritos propios.
En un pueblo francés, ocupado por los nazis, en 1944, en las postrimerías de la II Guerra Mundial, trabaja como cirujano el protagonista, Julien, el cual está casado con Clara una bella mujer, más joven que él, la cual aporta una niña al nido conyugal. Interpretados ambos por Philippe Noiret y Romy Schneider.

Julien cree que es mejor que su mujer y su hija se vayan a un pueblecito rural del interior, donde éste posee un castillo. Cuando una semana después va a visitarlas, lo recibe un silencio sepulcral. Comprueba, horripilado, que toda la población ha sido masacrada en el interior de una iglesia. Su mujer ha sido carbonizada y su hija yace asesinada de varios disparos sobre un matorral.

Julien, hasta la fecha pacifista y humanista, antepondrá su deseo de venganza a cualquier otra circunstancia o principio moral. Como los nazis, una docena y media, están asentados en su castillo, que él conoce mejor que nadie, Julien decide cobrarse venganza matando a todos los que pueda. Y lo consigue, usando su inteligencia, porque de físico no va sobrado. Le sobran kilos y le falta la vista. No es un soldado, ni un partisano, curtido en la disciplina física, pero estos pormenores los supera con creces, merced a un cerebro prodigioso que le permite ir emboscando a sus enemigos, mandando al infierno a todos ellos, ayudado en su quehacer bélico por un deseo de venganza que le da las fuerzas y ánimos necesarios para llevar a cabo su plan criminal.

Extraordinario Philippe Noiret en su papel. La película resulta creíble en todo momento y sus ojos, transmiten sin palabras y de forma espléndida y palpable, el dolor que desgarra a Julien ante la vista de los cadáveres de su mujer e hija.

La película hace gala de un ritmo sostenido, mantiene el suspense en todo momento, convirtiendo lo dramático en algo vibrante e intenso, porque queremos que los nazis paguen por lo que han hecho, no ante un juez, sino ante una escopeta cargada, que los mande a la nada de la que vinieron.

El viejo fusil un peliculón de visionado insoslayable.

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Le guetteur (Michele Placido 2012)

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Desconozco si esta película francesa del año 2012, Le guetteur, traducida aquí como el Francotirador, se ha llegado a estrenar o no en los cines españoles. Si es así, no nos hemos perdido gran cosa, porque la película es regular tirando a mala o a rematadamente mala, por jugar con términos balísticos.

El título nos saca de dudas enseguida. El protagonista es Kaminski (Matthieu Kassovitz), un francotirador, ya saben, esos hombres (¿hay francotiradoras?) que se asientan en los azoteas y tejados de los inmuebles para disparar tranquilamente, parapetados en su lejanía e invisibilidad.

Kaminski trabaja con un grupo de ladrones, y mientras estos delinquen, él dispara, cubriendo su retirada. La secuencia inicial, rodada en las calles de París, es espectacular, el resto del metraje tedioso, caótico y sonrojante.

Tras la pista de los ladrones está Mattei (Daniel Auteuil) un inspector, cuyo hijo fue un soldado que murió en Afganistán, con apenas 30 años. Sabremos luego que era un tirador de élite, que formaba parte del equipo de Mattei (sí, este es un militar retirado o desertado), que algo sucedió y que el hijo del inspector acabó muerto.

Parece que los tiros van por dilucidar si Mattei dará con Kaminski, si conseguirá echarle el guante, pero no. Por medio se cruza un médico clandestino, un asesino en potencia y en acción que lleva años matando jóvenes mujeres, cuyas acciones salen a la luz cuando un miembro de la banda es herido y acaban en el quirófano clandestino del Doctor Muerte, el cual además de sádico es avaricioso y no puede menos que devanarse los sesos buscando la manera de quedarse con tamaño botín.

A medida que avanza la película el interés proporcionado por la misma se reduce a la mínima expresión, el guión brilla por su ausencia, las secuencias se suceden sin la menor chispa, por más violencia que halla en las mismas, se van mezclando distintos géneros (cine negro, bélico, gore, atracos, asesino en serie), escenas vistas o intuidas en otras películas similares y de ese batiburrillo de esa mezcla tan alocada, no sale nada bueno, salvo la palabra fin, que da conclusión a la película.

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Si el cine francés brilla a veces a gran nivel, ofreciendo películas de acción consistentes, profundas y equilibradas, en otras ocasiones, el resultado como acontece con Le Guetteur, es una película huera, simplona, epidérmica, previsible, pretenciosa e insignificante, donde no hay emoción, ni suspense alguno.

La dirige Michele Placido, responsable de la estupenda Romanzo Criminale, y su hija es Violante Placido, que da vida en el film a Anna, cuyo rostro os sonará de haberla visto en El americano, junto a George Clooney.

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Amber Valleta (Arizona, 1974)

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Filmografía:

Max Keeble’s Big Move (2001) – Ms. Dingman
Duplex (2003) – Celine
Raising Helen (2004) – Martina
Hitch (2005) – Allegra Cole
Transporter 2 (2005) – Audrey Billings
Man About Town (2006) – Brynn Lilly
Dead Silence (2007) – Ella
Premonition (2007) – Claire
My Sexiest Year (2007) – Marina
The Last Time (2007) – Belisa
Days of Wrath (2008) – Jane Summers
Gamer (2009) – Angie
The Spy Next Door (2010) – Gillian
El Gran Engaño

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Bullhead (Michael R. Roskam 2011)

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Sorpresa mayúscula, para bien, la que me ha deparado el visionado de Bullhead película belga/holandesa , que supuso el debut en la dirección de Michael R. Roskam (ahora tiene en cartelera La entrega, película que ha cosechado muy buenas críticas y que reseñaré en breve), la cual compitió en los Oscar 2012 (lo ganó Nader y Simin, una separación) en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

Bullhead, o cabeza de toro, es la testa del protagonista, Jacky, quien de niño sufre una experiencia atroz, a manos de otro niño. Una experiencia que tendrá efectos inmediatos para Jacky desde ese momento y que de manera insoslayable marcará su existencia posterior, dejándole toda clase de secuelas, no sólo físicas sino psíquicas.

Lo más grandioso de la película, con aires de thriller, además de la acertada creación de atmósferas tanto en las secuencias que tienen lugar en el interior de los inmuebles donde los mafiosos del tráfico de sustancias para el engorde del ganado, se reúnen, de cara a repartirse los canales de distribución, vulnerando cuantas leyes sean necesarias para conseguir sus fines, y de las escenas al aire libre, con inmensas praderas verdes y amarillas, donde pastan las vacas y donde el horizonte se licúa con el cielo, además de todo esto, digo, es la figura de Jacky la que resulta majestuosa en su complejidad.

Jacky hormonado desde niño ha desarrollado un volumen, una musculatura, que le da un aire bestial a su físico (Matthias Schoenaerts ganó 27 kilos y mucho músculo para darle empaque a su personaje), tanto como su mirada acerada, esquiva. La apuesta del director consiste en humanizar a Jacky, en que lleguemos como espectadores a empatizar con él, siendo testigos , no pasivos, de su desgarro existencial, comulgando a su vez con su dolor y su angustia.

La película avanza en el presente, pero vuelve al pasado para darnos algunas de las claves, para mostrarnos cómo era Jacky de niño, cómo era su familia, en qué andaban metidos todos ellos, rodeados siempre de veterinarios y farmacéuticos avispados, dispuestos a engordar las vacas con la sustancias oportunas.

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La historia bebe de una historia real ocurrida en Bélgica en los 90 cuando murió tiroteado un inspector mientras indagaba acerca del tráfico de sustancias ilegales entre los ganaderos locales.

Jacky se las verá en el momento presente con su amigo de la niñez a quien no ha vuelto a ver desde su trágico suceso, el cual ahora adulto es gay, y que trata a su manera de expiar su culpa infantil, ayudando ahora a Jacky a escapar, al tiempo que trabaja como informante de la policía.

La historia negra criminal es un velo que está omnipresente, pero lo importante y fundamental para mí es la historia triste de Jacky, su particular tragedia griega. Verlo meterse para el cuerpo las mismas sustancias que da al ganado, aplicando jeringuillas por todo su cuerpo, me horripila, tanto como la escena con Bruno, su verdugo infantil. Encontramos a su vez algún guiño cómico que tiene que ver con la pluralidad lingüística de Bélgica. La historia se sitúa en Limburg en Flandes Occidental, donde no faltan los puyazos verbales entre los flamencos y los valones (que hablan francés), además algunos personajes hablan en limburgués, dialecto del flamenco, de uso común en esa zona fronteriza sita entre Bélgica, Holanda y Alemania.

Respira la película un halo de angustia, un vapor turbio, cuajado de sordidez, y no puede uno menos que compadecerse de Jacky, de su tragedia, de su impotencia al no poder cuidar de nadie, como ve hacer a diario a las reses con sus crías, la imposibilidad (no buscada) de llevar, a la postre, una vida anodina y normal como el resto, con una mujer, con unos hijos, una impotencia que a menudo solo tiene un salida, casi siempre luctuosa.

Película potente, vibrante e impactante que merece la pena ver, tanto por los espinosos temas que se abordan, como por la sutileza en los matices, en la composición del personaje, Jacky, que pasará (al menos) a la (mi) historia (personal).

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Dos días una noche (Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne 2014)

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Los hermanos Dardenne siguen metiendo una y otra vez el dedo en la llaga con cada una de las películas que realizan. Cine social, respaldado unánimemente tanto por la crítica como por el público.

En esta ocasión la pregunta que nos plantean es. ¿Estarías dispuesto a renunciar en tu trabajo a un bono de 1.000 euros a cambio de que una compañera de trabajo, que está a punto de ser despedida, mantuviera su puesto de trabajo?.
La empresa es una PYME, no una multinacional deshumanizada e impersonal, sino una empresa familiar donde para bien o para mal se conocen todos.

La empresa la integran 16 empleados, 17 contando a la protagonista, Sandra. La cual recibe el viernes la noticia de que va a ser despedida, tras una votación realizada, en la que la mayoría de sus compañeros han optado por el bono.
Tras insistir a su jefe, éste accede a realizar una nueva votación, secreta, el lunes, de tal modo que si una mayoría quiere que Sandra permanezca,renunciando al bono, él acatará la decisión.

Sandra dispone entonces de todo el fin de semana para visitar a todos sus compañeros y compañeras de trabajo, de muchos de los cuales no sabe donde viven y cuya dirección debe buscar en la guía telefónica o bien lograr las direcciones a través de otros compañeros, en un carrera frenética contra el reloj.

El problema es que Sandra acaba de salir de una baja de varios meses por depresión y sus jefes han llegado a la conclusión de que se puede hacer el mismo trabajo con 16 personas (aunque sea preciso recurrir a alguna hora extra) que con 17 y que por tanto no les es necesaria (no olvidemos que para cualquier empresa, grande o pequeña, la contratación de personal y el gasto que acarrea es un mal mayor, de ahí que se traten de ajustar las plantillas al máximo)

Gracias a la ayuda del marido de Sandra (ayuda ofrecida en parte de forma interesada, en cuanto que vivir únicamente con el sueldo de él les obligaría a dejar la casa y volver a una vivienda social y en parte desinteresada, fruto del amor que siente por su mujer y la necesidad de verla restablecida, útil, valiente, animosa), ésta encuentra en su interior la determinación y el empuje necesario para dar la cara, aunque se la partan, yendo al encuentro de sus compañeros de trabajo, fuera del recinto físico donde conviven varias horas al día.

Sandra baja la calle, coge el autobús y va al encuentro de ellos en sus domicilios, en la calle, en los lugares donde trabajan de forma clandestina, en canchas de fútbol donde ejercen como entrenadores, en lavanderías del barrio, en zonas periféricas, y una vez allí, cara a cara, les pedirá mirándoles a los ojos, con un nudo en la garganta, que renuncien al bono a cambio de que ella no pierda su puesto de trabajo.
Situación que para los interpelados va mucho más allá de dar un sí o un no, o un ya me lo pensaré como respuesta, porque esa decisión adoptada, tendrá una trascendencia, porque esa respuesta es algo que los definirá como seres humanos, que los hará sentirse orgullosos o viles, donde habrán de poner en claro qué es lo importante en este asunto, si lo humano, si lo crematístico o incluso lo divino, porque hay quien tomará su decisión en base a sus creencias religiosas, encaminadas al buen proceder, a seguir el camino de la justicia, de lo que considera cada cual como correcto.
Una pregunta cuya respuesta no es fácil, ya que el sí o el no, no es algo objetivo, dado que la respuesta de cada uno está en función, depende, de quién es la persona que se va a la calle, de quien es la persona que te pide que hagas ese esfuerzo económicos. Para unos Sandra, es un compañera de trabajo y nada más. No sienten pues ninguna relación especial con ella e incluso hay quien la ve como una jeta, la cual tras estar de baja por depresión (enfermedad que suscita muchas suspicacias en terceras personas), ahora les pide que renuncien a un dinero a cambio de su permanencia, cuando ésta ni les va ni les viene. En otros casos, votar por ella le supondría al votante (con pocos meses en la empresa) que la renovación de su contrato estuviera en el aire en el futuro, y también hay historias de fondo, de solidaridad laboral pretérita, donde Sandra arriesgó entonces su puesto por defender a a un compañero, que ahora tiene la oportunidad de devolverle el favor, para no caer muerto de la vergüenza. Como se verá, la decisión de cada uno, ya no es una cuestión de dinero o no, pues todos mantienen un estatus laboral y económico precario (clase media-baja), y excusas para negarse siempre encontrarán, tantas como para ayudar a Sandra.

Sandra lucha con coraje por su puesto de trabajo, por su dignidad, pero a su vez tiene la sensación de que esto que hace no es otra cosa que mendigar, que si la gente la apoya, es por compasión, por pena, solidarizándose con su desgracia y desamparo.

La película rehuye lo maniqueo y es todo lo compleja que se quiera, tratando de abarcar en su galería de personajes, tantas situaciones como pueden darse en la realidad, rehuyendo también de lo sentimental, lo que no impide que Sandra no pueda menos que llorar a cada rato, dudando de sí misma, encontrando no obstante la fuerza para pelear, para luchar, para dar la cara y no esconderse, ni huir y anularse bajo la ingesta de pastillas, para hacer valer su dignidad (eso que nos caracteriza y ennoblece), y ahí la película es inapelable, potente, bella y necesaria.

Si Sandra consigue mantener después de su periplo de fin de semana, de su vía crucis particular, su puesto de trabajo o no, llegado el caso, no importará, no será determinante.

Sandra supera (o va camino de superarla) la depresión gracias a la confianza que encuentra en su interior para plantar cara (o mirar a los ojos) a sus compañeros, a su jefe, para defender sus convicciones y su puesto de trabajo, para en definitiva (!menudo final!) ser consecuente de sus actos u omisiones.

Marion Cotillard

Marion Cotillard

Marion Cotillard deja el star-system americano, vuelve a la patria gala, se pone el mono de faena, se mete en el papel de lleno y borda su interpretación. La película es sobresaliente entre otras cosas gracias a su natural, espontánea y sentida interpretación, la cual no puede ser más veraz, intensa y creíble. Sandra, es ya, por derecho propio, una heroína moderna.

No tenéis excusas para no verla. O sí, pero de todas modos, verla.

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Annabelle (John R. Leonetti 2014)

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La capacidad de sorpresa del espectador ante el visionado de esta película es mínima y viene además condicionada porque no hace falta ser un lince para imaginar lo que le va a pasar a la pareja protagonista, una vez que una muñeca diabólica entre en su hogar, para hacerles pasar un infierno en la tierra.

La mujer, Mia, hace colección de muñecas y hay una que se le resiste, hasta que al final su esforzado marido, John, consigue (!en qué hora!) hacerse con la misma y comprársela a su esposa, que no cabe de gozo ante semejante presente.

La noche del regalo, una pareja de vecinos, sufren una crisis nerviosa y a punto están de acabar con nuestra pareja protagonista. La vecina antes de morir deja algo de sangre en la muñeca. Sí, amigos, de esta manera, el diablo pasa a formar parte de la muñeca, porque la pareja vecinal, para más señas, estaba practicando un rito satánico.

A partir de ese momento Mia las pasará putas, para entendernos. Su marido es médico y por tanto no le ve el pelo, al pasar éste todo el santo día en el hospital. Además Mía está embarazada y con el ataque de los vecinos satánicos, cuchillada incluida, a un tris está de abortar. Tras ese espantoso acontecimiento deciden mudarse de casa. ¿Se solucionarán así todos sus males?. No.

La muñeca, la cual había ido a parar a un contenedor, aparece milagrosamente, en el fondo de una caja, cuando hacen la mudanza. La pesadilla, pues, sigue. Y cuando tengan al niño, Mía sufrirá por ella y por su retoño, en un inmueble que resulta muy bonito, rococó, con un vestíbulo muy elegante, pero que a su vez está dotado de todos esos elementos que acojonarían al más templado: ascensores añosos cuyos botones no atienden a nuestra petición, luces tremolantes que fallan cuando más las necesitamos prendidas, calderas y calefactores que emiten ruidos quejumbrosos y fantasmales, y sótanos tenebrosos y espectrales a los que no bajaría uno ni por todo el oro del mundo.

Pasan a formar parte y enriquecer la historia un cura, que ve todo aquello como algo tan sencillo de explicar cómo que la muñeca es diabólica, y decide llevársela del hogar para exorcizarla y una mujer negra, que tiene una librería y está llamada a cumplir un gran sacrificio catártico, como se verá (si lográis acabarla y no os vais por la pata abajo antes de su conclusión).

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La cara de la muñeca acojona, sí, cuando Mía baja al sotano y no puede subir, la escena chorrea adrenalina, pero salvo ese par de detalles, el resto es tan manido y convencional que se da la paradoja que al tiempo que ves la película, te aterrorizas y te duermes al mismo tiempo, y mientras siesteas y cabeceas, ves muñecas diabólicas que se parecen mucho a las de la pantalla.

Si vais al cine a verla, no hagáis como en Francia y la liéis parda. Ser buenos y ejemplares, por amor de Dios, que para conductas diabólicas ya está la muñeca de marras.

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Blake Lively (LA 1987)

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La actriz Blake Lively de 27 años se hizo popular gracias a la serie Gossip Girl en pantalla desde el 2007 hasta el 2012.

La pudimos ver luego en la película de ciencia ficción La linterna verde y En ciudad de ladrones, pero la pelicula que la hizo todavía más popular fue la frenética y muy recomendable Salvajes de Oliver Stone, donde rezumaba sensualidad.

Ha trajado como modelo para firmas de élite como Chanel o Gucci.

Salió un tiempo con el actor Leonardo di Caprio, pero encontró el amor junto al actor Ryan Reynolds (Buried), a quien conoció rodando La linterna verde y de quien está esperando un hijo, a sus 27 años.

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