Dirección y guión: Rodrigo García.
Reparto: Glenn Close (Dra. Elaine Keener), Cameron Diaz (Carol), Calista Flockhart (Christine Taylor), Kathy Baker (Rose), Amy Brenneman (Kathy), Valeria Golino (Lilly), Irma St. Paule (madre de Elaine), Holly Hunter (Rebecca), Gregory Hines (Robert), Penny Allen (Nancy), Matt Craven (Walter), Miguel Sandoval (Sam), Noah Fleiss (Jay), Danny Woodburn (Albert), Penny Allen (Nancy).
Producción: Jon Avnet, Lisa Lindstrom y Marsha Oglesby.
Música: Edward Shearmur.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.
Montaje: Amy E. Duddleston.
Diseño de producción: Jerry Fleming.
Vestuario: George L. Little.
Decorados: Betty Berberian.
USA 2000

Uno de los títulos más erráticamente traducidos de la historia del cine reciente. Una cosa es que se pasen por el arco del triunfo las traducciones literales, que no las adapten o que cambien los títulos por lo que les venga en gana, pero poner a traducir una frase a uno que no tiene ni pajolera idea del idioma, es algo que clama al cielo, más cuando se supone que esto lo deberían hacer profesionales. Creo que ya había comentado algo al respecto al hablar la siguiente película del director, Nueve Vidas (fatal traducción, igualemente, cuando además tiene trascendencia en la película). Por desgracia la versión que he visto yo es la doblada al castellano, pero intuyo que ahí también han cometido unas cuantas meteduras de pata. Como traductor he visto que figura un tal Joseph Llurba.

Ambas películas tiene muchas cosas en común, entre ellas gran parte del (excelente) reparto, en su mayoría femenino, que se repitió en aquella. Las 2 películas y episodios sueltos en varias series de televisión completan la filmografía del director y escritor de ambas, Rodrigo García, hijo de Gabriel García Márquez.

También la estructura de Nueve Vidas coincidía con esta, varias historias que discurren paralelas, sin entrometerse entre ellas, pero cruzándose en algún punto las vidas de los personajes, aunque sea de forma efímera.

De todas las actrices que intervienen sería difícil quedarse con una, porque todas ellas están estupendas, me gustan todas y el director les ha sabido sacar lo mejor. Quizás pueda destacarse a Cameron Díaz interpretando el papel de una mujer ciega con una actitud muy positiva y desenfadada frente a la vida, con un personaje, a pesar de su ceguera, no muy diferente a los que nos tiene acostumbrado, aunque con un punto de profundidad muy bien conseguido.

Valeria Golino, con su personaje de enferma terminal con el aspecto muy desmejorado, consigue que nos quitemos de la cabeza el típico aspecto que suele lucir en la mayoría de las películas, pero su personaje, fuera de lo físico y emocional de su enfermedad, no aporta mucho más.

La película está dividida en 5 fragmentos, en los que hay diversas protagonistas y vemos, aunque sea de refilón a alguno de los personajes del resto de historias, además de una enigmática presencia, una mujer de rojo (Elpidia Carrillo), cuyo destino se desvelará en el último de los segmentos.

En el primero una adivina, Calista Flockhart, con su atractivo de siempre, mínimo, debido a su extrema delgadez, le echa las cartas y nos hace una excelente radiografía de la personalidad de una Glenn Close que interpreta a una doctora que ha de cuidar de su anciana y enferma madre al mismo tiempo que, viéndose ya en una edad más que madura, se plantea su futuro a nivel sentimental.

En la segunda la protagonista es Holly Hunter, una mujer que a nivel laboral ha llegado a la cima, pero a nivel personal es una ruina, es fría, parece tener las cosas muy claras de cara al exterior, pero al mismo tiempo en muchas ocasiones le entran dudas. Una bag-woman se lo hará ver con sentencias como “el amor no se pide, se da”. Pero ella seguirá fiel a sus principios, manteniendo una relación con un hombre casado en la que es segundo plato e incluso llegando a abortar para mantener su status.

La tercera historia es la de Kathy Baker, una mujer que se enfrenta casi por sorpresa a la adolescencia de un hijo al que está criando sola, ya que está divorciada. Incapaz de pensar para ella misma, se da cuenta de que su hijo ya puede valerse al mismo tiempo que un extraño hombre llega al vecindario. Es un enano que despierta la curiosidad de su hijo primero y de ella misma poco después, hasta límites que se salen de lo que ella esperaba.

La siguiente historia es la de una pareja de lesbianas, Valeria Molino y Calista Flockhart, que siguen compartiendo su vida y recordando los primeros pasos de su historia de amor (“Acabamos de conocernos, pero ya le he echado el ojo”) ahora que la primera de ellas se encuentra postrada en la cama, gravemente enferma y la segunda con la mirada perdida piensa en lo que le deparará el futuro.

La última historia es la de dos hermanas que comparten piso, Cameron Díaz, ciega, pero llena de vida, con ganas de juerga y de pasarlo bien, y Amy Brenneman, más retraída, seria y con una vida social más relajada, combinando su trabajo de policía con la investigación sobre una de las últimas víctimas que se ha encontrado, vieja compañera de estudios.

Al final de la película vemos como todas las historias que nos han contado, en las que las protagonistas se dejaban llevar, sobre todo en el aspecto sentimental, varían su rumbo cuando las protagonistas pasan a la acción y deciden ser las que cojan el timón de sus propias vidas. Cómo irán sus vidas a partir de entonces es algo que ya no vemos, pero nos podemos suponer: mejor.

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En la próxima edición del Festival de Cannes no habrá ninguna película española, algo que no debe extrañarnos pues sucede a menudo. Estaría bien saber la causas, por qué otros países (países que producen muchísimas menos películas que nosotros) presentan películas y nosotros no. ¿ acaso no entienden nuestro cine? ¿no ofrecemos nada interesante?.

Al hilo de esto, en la revista Cahiers du cinema de este mes, hablan sobre este asunto, y también del Festival de Málaga y la mediocridad de las películas presentadas a concurso, lo que hace que el año en curso no se presente muy bien, si hemos de entender que las películas premiadas es lo mejorcito del cine español que se avecina (he leído críticas sobre películas como Fuera de Cata en la revista Dirigido por o Cobardes en la revista Fotogramas, que las ponen a bajar de un burro).

Por último y tras la muerte de Rafael Azcona del cual se ha escrito mucho, el escritor riojano, profesor universitario y autor teatral Bernardo Sánchez Salas escribe un artículo en Cahiers du cinema de mayo, sobre la figura de ese riojano, ya inmortal, considerado por muchos como el mejor guionista español de todos los tiempos.

Vi el otro día la muy recomendable película danesa Hermanos de la que ya he puesto la crítica, y me quedé prendado de la actriz danesa Connie Nielsen. Tras dejar las pasarelas, su belleza trascendió en la película Gladiator. Luego la hemos visto en La cosecha de hielo, La presa, Sentencia de muerte, Basic, Retratos de una obsesión, entre otras. Además de ser guapísima es evidente que Connie Nielsen sabe actúar y tiene una mirada y una sonrisa como no hay otra.

Algo curioso es que en la red hay pocas fotos suyas. Buscando en google solo hay 33.300 páginas en español sobre esta actriz, cuando de algunas otras, hay cientos de miles.

Las fotos que he puesto de Connie Nielsen pertenecen a capturas de la película Hermanos.

En este segundo episodio de The Office el jefe demuestra una vez más que es irritante y tontorrón, se las quiere dar de guay y de molón y hace siempre hace algo más que meter la pata, pretendiendo estar más cercano a sus empleados siempre consigue cagarla.

Ese día en la oficina se celebra el día de la diversidad, un invento para hacer entrar en razón al jefe, por ciertos comentarios racistas que hizo en algún momento. Obviamente, una vez más, intentará llevar las riendas, poniendo las cosas peor.

También vamos conociendo un poco más al resto de personajes. Los principales son Dwight, un friki egoísta al que se le cala desde el primer momento. Tanto él como el jefe son unos personajes desagradables, lo cierto es que no me gustan, pero son personajes, y si consiguen transmitir esa sensación de mezquindad tan profunda es que los actores que los interpretan son buenos.

Como contrapunto están los buenazos de Jim y Pam. Ella es la secretaria, el jefe la trata de malas maneras, pero ella tiene un aguante digno de admiración. Jim sufre principalmente las malas formas de Dwight. En este episodio, por ejemplo, le fastidia con la venta más importante que pensaba hacer en todo el año, lo que le deja hundido, pero al final del episodio lo oímos comentar que no ha sido un mal día. La razón es que Pam se ha quedado dormida sobre su hombro al final de una de las reuniones.

Los 2, Jim y Pam, se andan siempre con ligeros coqueteos. Ella tiene novio, bastante zoquete y chulo, pero se siente muy atraída por Jim, al mismo tiempo que este está completamente loco por ella. Están hechos el uno para el otro, salta a la vista, aunque la timidez y las circunstancias de ambos les hace mantener una relación dentro de lo profesional sin acabar de estar juntos, que es lo que ambos desean. Está muy bien reflejado ese quiero y no puedo, esa tensión entre ambos que seguro se rompe en cualquier momento y es algo que le viene bien a la serie.

Aunque es mal día para proponerse nada, siendo Martes y 13, creo que le seguiré dando la segunda oportunidad a la serie, ya que el primer episodio no me gustó mucho, y la seguiré viendo por ahora.

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Dirección: Susanne Bier.
País: Dinamarca.Año: 2004. Duración: 110 min. Género: Drama.
Interpretación: Connie Nielsen (Sarah), Ulrich Thomsen (Michael), Nikolaj Lie Kaas (Jannik), Bent Mejding (Henning), Solbjørg Højfeldt (Else), Laura Bro (Ditte), Niels Olsen (Allentoft), Sarah Juel Werner (Natalie), Rebecca Løgstrup Soltau (Camilla), Lars Hjortshøj.
Guión: Anders Thomas Jensen; basado en un argumento de Susanne Bier y Anders Thomas Jensen.
Producción: Sisse Graum Jørgensen y Peter Aalbæk Jensen.
Música: Johan Söderqvist.
Fotografía: Morten Søborg.
Montaje: Pernille Bech Christensen.
Diseño de producción: Viggo Bentzon.
Vestuario: Signe Sejlund.

Dos hermanos es una película que nace del corazón y cuando lo que se muestra en pantallas son sentimientos algunos primarios otros más elaborados, presentes en las personas, que trascienden su rol de personajes, la historia resulta apasionante.

Michael vive con su mujer Sarah y sus dos hijas. Es militar vive en Dinamarca y lo envían al frente, pues es militar, a la zona de Afganistan. Michael tiene un hermano, Jannik, pendenciero y vagoneta, que acaba de salir de la cárcel por agredir a una empleada de un banco en un robo.

Michael va al frente, su helicóptero resulta abatido y se informa a su familia de su muerte. Jannik visto el panorama hace propósito de enmienda y pasa más tiempo con Sarah y sus sobrinas.
La sombra del hermano desaparecido está presente, pero entre ellos surge algo, curioso entre carácteres contrapuestos, pues como le dice Jannik Sarah siempre le había parecido una burguesita remilgada, y a ella su cuñado se le antojaba como un degenerado.

El caso es que de los abrazos consoladores se pasa a los besos placenteros, en un plano precioso en el garage, donde la naturaleza se desborda, siguiendo su curso natural, sin forzamientos, ni estridencias.

Lo que luego sabemos es que Michael no estaba muerto, tampoco de parranda, sino preso en manos de los talibanes en las montañas. Finalmente será rescatado con vida, pagando un precio muy alto, atesorando un secreto que no quiere confesar a nadie, un secreto que lo devorará, lo volverá violento, irascible, intratable, avivada la llama de la cólera al contemplar la relación que ha surgido entre su mujer y su hermano, algo que en principio Michale dice no puede reprocharles, toda vez, que pensaban que él estaba muerto.

Las estupendas interpretaciones del trío protagonista, Ulrich Thomsen (Michael), Nikolaj Lie Kass (Jannik) y Connie Nielsen (Sarah), como de las niñas y los padres de Michael y Jannik hacen creíble y apasionante esta historia de sentimientos encontrados. La directora, Susanne Bier, se recrea en los ojos de los protagonistas, ojos que al principio refulgen, iluminando las sombras, luego son acerados y mortecinos, sin vida, tras la trágica experiencia.

Al contrario de lo que vemos en las películas americanas donde los soldados vienen tocados, porque nadie les reconoce su labor (como si pareciera que su trabajo es fundamental y el de los demás no), aquí ese no es el caso, porque tanto el soldado como su familia saben lo que se traen entre manos, saben que morir puede suceder en cualquier momento, y están preparados para el lance letal, si es que es posible, y lo que se dilucida no es el regreso a casa como uno más y los quebraderos que eso puede suponer (a Michael ninguno), sino como entrar en un hogar donde ya eres otro distinto del que te fuiste, donde algo se ha roto o ha cambiado, donde la pregunta ¿qué harías por salvar tu vida y volver con la de tu familia?, no ofrece respuestas fáciles, ni liberadoras, salvo la que ofrecería la propia muerte protectora de la dignidad.

Con un guión bien trabajado que aborda muchos aspectos de la personalidad humana (los problemas entre hermanos, la distance relación con el padre, para el cual sólo existe un hijo, la mujer dispuesta a dar una oportunidad a su marido, las hijas que se inventan cosas con tal de hacer daño, la posiblidad de cambio cuando las circunstancias aprietan…) Bier nos deja una película estupenda, galardonada en el Festival de San Sebastián con dos Conchas de Plata en 2004 para los actores Ulrich Thomsen y Connie Nielsen (la cual he de decir que ha reemplazado desde ya a Monica Bellucci en el podio de la más bella. Tras verla aquí, al natural, con esos ojos y esa sonrisa me ha noqueado).

Recomiendo verla en Danés, en V.o esta y todas las películas, si es posible, dado que aunque nuestros dobladores son extraordinarios toda interpretación gana más con la voz de sus actores y actrices.

Dirección y guión: Cristian Mungiu.
Reparto: Anamaria Marinca (Otilia), Laura Vasiliu (Gabita), Vlad Ivanov (Sr. Bebe), Alex Potocean (Adi), Luminita Gheorghiu (Sra. Radu), Adi Carauleanu (Sr. Radu), Madalina Ghitescu (Dora), Catalina Harabagiu (Mihaela), Sanziana Tarta (Carmen), Mihaela Alexandru (Daniela).
Producción: Oleg Mutu y Cristian Mungiu.
Fotografía: Oleg Mutu.
Montaje: Dana Bunescu.
Diseño de producción: Mihaela Poenaru.
Vestuario: Dana Istrate.
Rumanía 2007

No es fácil que una película rumana llegue a nuestro país: somos dados a importar películas extranjeras de poco más que los países hispanohablantes, anglosajones o nuestros vecinos franceses y además la cinematografía rumana, con perdón, no es famosa ni por su volumen ni por su calidad en los últimos tiempos.

Por eso esta película es un caso especial, ya que ha conseguido ser estrenada en salas, algo que no consiguen otras pelis españolas (tenemos ejemplos y más ejemplos) y además su carrera festivalera ha sido muy provechosa, empezando por la Palma de Oro del festival de Cannes y culminando con los premios del cine europeo, donde fue mejor película y su director también mojó.

Hoy en día Rumanía pertenece a la unión europea, pero la película está ambientada en los últimos coletazos del régimen comunista en el país. El tema que se trata es el del aborto (el periodo del título es el tiempo de embarazo), al que 2 jóvenes se enfrentan, teniendo que buscarse la vida en la clandestinidad ya que es algo ilegal.

Como es previsible, el tema es crudo y la visión que se da de él también lo es, ya que se ponen en juego muchas cosas, principalmente la vida. Ética y médicamente las opiniones son encontradas y cada cual tendrá la suya, no vamos a ser nosotros los que prediquemos sobre el tema, la película tampoco lo hace, sólo muestra unos hechos, pero espero que ello dé al menos en qué pensar a más de uno.

La película solamente intenta contar una historia tal y como sucedería en la realidad, sin maquillarla ni edulcorarla. Quizás a muchos le parezca cruda y vean con malos ojos a la gente que está implicada en ella, como el frío médico que se encarga de la “operación”, pero así son las cosas prohibidas, no tienen garantía, con lo que a veces es peor el remedio que la enfermedad, ya que hablamos de médicos.

También es posible que más de uno entienda el porqué del reguero de rumanos que han salido de su país para recalar, entre otros, en nuestra antaño emigrante España, hoy refugio de inmigrantes en busca de una vida mejor que antes había que buscar fuera de nuestras fronteras.

En fin, temas políticos y sociales aparte, esta película, genialmente a mi entender dirigida, también hace hincapié en la amistad y el sacrificio. Si existiera un género que fuera el de película festivalera, esta iba a él de cabeza. Por supuesto, también se puede incluir en el cine de autor y como drama social puro y duro.

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Dirección y guión: Tom Fernández.
Reparto: Javier Cámara (Cundo), Gonzalo de Castro (Fernando), César Vea (Mote), José Luis Alcobendas (Pablo), Malena Alterio (Marta), Mariana Cordero (Mercedes), Fanny Gautier (Rosa), Emilio Gutiérrez Caba (Tino).
Producción: Jaume Roures.
Música: José Manuel y Javier Tejedor.
Fotografía: Carlos Suárez.
Montaje: Ángel Hernández-Zoido.
Dirección artística: Soledad Seseña.
Vestuario: María Reyes.
España 2007

Comedia ligera española en la que se reúnen varios actores más conocidos por sus interpretaciones en la televisión que en pantalla grande.

Entre ellos se incluye Javier Cámara, que a pesar de ser actualmente uno de los mejores actores españoles, para mi gusto, por las buenas críticas que siempre cosecha y por trabajar con algunos de los mejores directores españoles, hay que recordar que empezó con diferentes series de televisión, que le lanzaron a la fama, sobre todo 7 Vidas.

En esa serie coincidió con Gonzalo de Castro, que se estancó con el mismo personaje mientras el riojano seguía creciendo como actor al mismo tiempo que aumentaba el prestigio de sus proyectos.

Si seguimos enlazando, además de nuestro paisano Cámara, hay otro riojano en el reparto, César Vea. También la televisión ha sido su trampolín y la serie en la que más destacó en su momento fue Compañeros, aunque nunca le ha faltado trabajo, sin destacar demasiado, pero con constancia.

Seguimos con el reparto y encontramos a la hispano argentina Malena Alterio. En su caso Aquí no hay quien viva y su continuación, La que se avecina, han sido las series que la han hecho más conocida.

El resto del reparto incluye a Fanny Gautier, también vista en varias series y Emilio Gutiérrez Caba, veterano y prestigioso actor que se ha prodigado ampliamente.

Todos ellos forman parte de esta comedia dando vida a personajes que están sumamente estereotipados. No nos confundamos, si se lleva bien, ese no es un mal detalle, pero en estos casos personajes tan típicos sólo consiguen que una película sea entretenida, la disfrutemos y al momento nos olvidemos de ella.

La Torre de Suso no creo que sea una película para recordar, como mucho para volver a ver cuando dentro de unos meses la emitan en televisión, si no se tiene otra cosa mejor que hacer.

Cuanta la historia de una amistad y un reencuentro, el de 4 amigos que vuelven a su pueblo para el funeral del 5º de la cuadrilla, muerto de sobredosis. En realidad sólo uno de ellos vuelve, Cundo (Cámara), que se marchó a Argentina dando la espalda a todo y a todos. El resto han seguido en el pueblo, con unas vidas sumidas en la monotonía, con sus pequeños problemas que en su pequeño mundo se transforman en grandes, pero a los que sólo les hace falta una pequeña sacudida para quitarse el polvo de los problemas y que su vida se convierta en feliz.

Ese cambio lo provoca Cundo cuando vuelve al pueblo y se las arregla para unir a todos en el cumplimiento de la última voluntad de su amigo Suso, la construcción de una absurda torre para ver el mundo desde arriba.

Puede que haya mucho simbolismo en lo de la torre, pero a mi no me parece más que un vehículo para contar la historia, como el propio Suso, que siendo una entelequia, un McGuffin en la historia, se las arregla para estar siempre presente (de todo menos de cuerpo), incluso con su voz en off que realiza alguna que otra (innecesaria) reflexión.

Si alguno se quiere ahorrar ver la película, perfectamente puede verse el trailer, porque es de los que te cuenta lo mejor de la película: el engordaste Cundo que todos le dicen al llegar al pueblo, la novia que es puta, la mujer del amigo que era la novia de Cundo en su juventud, la madre amargada, el padre pasota… la trama está ahí más que comprimida, revelada, pero si queréis también el amigo Popeye os la relató más detalladamente hace unos días.

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Dirección: Colin Strause y Greg Strause.
País: USA. Año: 2007. Duración: 86 min.
Género: Acción, terror, ciencia-ficción.
Interpretación: Steven Pasquale (Dallas), Reiko Aylesworth (Kelly O’Brien), John Ortiz (Morales), Johnny Lewis (Ricky), Ariel Gade (Molly).
Guión: Shane Salerno; basado en los personajes de “Alien” creados por Dan O’Bannon y Ronald Shusett; y en los personajes de “Depredador” creados por Jim Thomas y John Thomas.
Producción: John Davis, David Giler y Walther Hill.
Música: Brian Tyler.
Fotografía: Daniel C. Pearl. Montaje: Dan Zimmerman.
Diseño de producción: Andrew Neskoromny.
Vestuario: Angus Strathie.

A menudo las segundas partes sirven para hacer caja pero no vienen a cuento, esto es, no tienen nada que contar. Tras ver Alien vs Predator 2 he tenido la sensación de que esta película es perfectamente prescindible. Ya sabemos que cuando hay bichos de por medio estos no suelen morir a la primera y resucitan de sus cenizas a las primeras de cambio para perpetuar la saga, y aquí queda abierta la puerta para una tercera.

Así pronto sabemos que tanto el Alien como el Predator siguen vivitos y coleando, vuelven a la tierra, a los Estados Unidos, al estado de Colorado, donde unos humanos que allí viven tendrán que pagar el pato, al recibir la visita extraterrestre.

Buena parte de la película que apenas dura hora y media se va en el enfrentamiento que mantiene el Alien y el Predator. Los humanos mientras en medio de esa refriega alienígena tratan de salvar el pellejo. Como sucede en estos casos, se juntan un buen puñado de ellos, una chica militar y su hija, dos hermanos intrépidos, el cachitas del instituto y un sheriff que en el último momento los deja pues confía en las palabras del coronel que ha dado orden de ir a rescatarlos. Juntos plantarán cara a los bichos y en última instancia buscarán un medio de transporte con el cual darse el piro.

La película mantiene un ritmo incesante, pero resulta todo muy deshilachado. Por una parte vemos como un adolescente pretende a una rubia de su clase muy guapa. Vemos también la llegada de un pendenciero a su pueblo buscando trabajo y encuentra a su amigo de farra convertido en agente de la ley. Otra mujer viene del frente y su hija prefiere que sea su padre con el que pasa más tiempo quien le lea los cuentos.

Lo demás es más de lo mismo, algo previsible, pero bien ejecutado. Priman las escenas nocturnas y por ello los enfrentamientos entra las dos criaturas resultan un tanto confusas.
Si bien no hay nada nuevo bajo el sol, cuando menos la película ofrece hora y media de diversión, que no es poco.

Sé que ando con bastante retraso, pero he empezado ahora a ver la serie The Office, que lleva ya unas temporadas en emisión.

La serie se desarrolla en una especie de formato documental, con los ocupantes de una oficina contando cosas sobre ellos, su trabajo y sus relaciones, intercalándose con escenas del propio funcionamiento de la oficina, pero con los actores hablando y mirando a cámara constantemente, como si fueran entrevistas en algunos momentos.

El principal protagonista es un tipo que se cree el mejor jefe del mundo, incluso se compra una jarra que lo demuestra. Lo cierto es que además de raro es un payasete que se pasa el día haciendo el tonto, escaqueándose del trabajo y tiene amargada a su secretaria.

El actor que lo interpreta es Steve Carrell, un cómico que ha protagonizado varias películas, pero al que veo como un Jim Carrey venido a menos, lo cual es decir mucho.

Quizás sea por la poca gracia que me nace Carrell en si por lo que este primer capítulo de The Office no me ha gustado demasiado. El humor que destilan se basa en tonterías sin sentido y los actores tampoco acompañan.

Es una pena, porque había oído muy buenas cosas de esta serie y lo cierto es que ha tenido buenas críticas y muchos seguidores. Va ya por su cuarta temporada, que se está emitiendo en estos momentos en USA, lo que significa que ha tenido buena aceptación, sino se la hubieran calzado sin muchos miramientos. Le intentaré dar el beneficio de la duda y ver algún episodio más.

Esta versión de The Office es un remake de la serie de mismo nombre que se estrenó en el Reino Unido, contó con 14 episodios repartidos en 3 temporadas y posiblemente esté mejor que esta americana. También ha tenido sus versiones alemana, francesa y canadiense, al menos.

Dirección: Mike Barker.
Título original: Butterfly on a wheel Países: Reino Unido y Canadá.
Año: 2007. Estreno 30/04/08
Duración: 95 min.Género: Thriller.
Interpretación: Pierce Brosnan (Tom Ryan), Gerard Butler (Neil Warner), Maria Bello (Abby Warner), Claudette Mink (July), Samantha Ferris (Diane)
Guión: William Morrissey Producción: Pierce Brosnan, William Morrissey y William Vince.
Música: Robert Duncan.Fotografía: Ashley Rowe.
Montaje: Guy Bensley y Bill Sheppard.
Diseño de producción: Rob Gray.
Vestuario: John Bloomfield.

Hay ciertas películas que causan hastío y esta es un claro exponente de ello. Se nutre de mil películas vistas y en su reformulación nada hay que la haga interesante, no ya en su planteamiento sino en su puesta en escena, plana y funcional.
Al mal resultado ayuda unas interpretaciones penosas, tanto de Brosnan, Butler y Bello, la terna protagonista que creen que con hacer muecas y poner cara de loco o de chulo su personaje se conforma como por acto de magia. No falta la puesta en ropa interior de Bello, luciendo una lencería negra muy sensual.

La historia además se nutre de todos los tópicos. Tenemos una familia integrada por un publicista de éxito y su mujer que ha dejado su carrera de fotógrafa para dedicarse al cuidado de su hija.
Si viven bien y no les falta de nada, es porque él ha triunfado y ambos se relamen al comprobar “lo lejos que han llegado“. Ligando la distancia recorrida con el dinero en el banco.

Una mañana la pareja deja la casa para pasar el día fuera hasta la noche y desde la agencia le envían a una señora que cuidará de su hija. Cuando van en el coche surge en el asiento trasero una figura que les apunta con un arma. Podemos pensar que se trata de un psicópata, de alguien que quiere dinero, pero luego la historia a fin de darle algo más de exotismo irá por otros derroteros.

El caso es que el maleante está compinchando con la niñera y si la parejita feliz no hace lo que él les ordena dará la señal de matarla.

¿qué estarías dispuesto a hacer por salvar a tu hija?. Esa es la pregunta del millón de dólares.
Luego esta premisa se pone enseguida en solfa, porque no se sabe bien a qué carta juega el maleante, mientras que la parejita debe ir sorteando pruebas, como conseguir dinero para pagar una comida cara o enviar un sobre, sino quieren perder a su retoño.

El principal fallo que le veo es que no resulta creíble desde ningún momento. El malo debía ser muchísimo más malo y misterioso y ese pánico que siente la pareja ante su situación, se despacha con el marido haciendo muecas, moviendo los brazos, poniendo los ojos en blanco con una actuación de Butler horrenda.

El caso es que como luego se verá todo tiene su porqué e importará poco si quien se la está jugando al marido es su jefe, algún compañero o una tercera persona con ganas de hacerlo sufrir, al tiempo que van aflorando sus trapos sucios y se va ajando el manto dorado que cubre su vida maravillosa.

La realización de Mike Barker tampoco ayuda mucho. Se echa mano de primeros planos, como si mostrando sus jetas aparentemente descompuestas el impacto emocional en el espectador hubiera de ser mayor. A su vez se emplean planos aéreos, donde vemos circulando al coche desde el aire, pero nada que consigua retener nuestra atención en un diálogo vibrante o en alguna otra circunstancia a tener en cuenta.

En algún momento parece apuntar que se librará una batalla psicológica, donde dos inteligencias se podrán en liza prestas para el combate (como la escena en la que Maria Bello se desnuda para embutirse en un vestido rojo), pero sabemos de antemano que es lo que va a suceder en casi todo momento (como el paso de la pareja por el hotel).

No obstante el as en la manga se reserva para el final, donde como sucede en las películas mediocres, se vuelve a explicar todo de nuevo o sus aspectos más relevantes, para que lo entendamos y nos vayamos a casita con todo bien mascadito y “la lección aprendida”.

Hay un refrán que dice que “donde tengas la olla no metas la polla”, porque digo yo que correrás el riesgo de que se te escalfe y no puedas seguir empleándola para cepillarte a tus compañeras de curro.

Resumiendo, Chantaje es un hora y media tirada por la borda.

¿Who breaks a butterfly upon a wheel?. ¿Quién torturaría a una mariposa con una rueda?
Este compendio de desesperación, pérdida, abandono, traición es infumable.

El título original: Butterfly on a wheel se ha trocado por el de Chantaje, si bien más que Chantaje sería mejor haberla titulado Venganza o Revancha o Donde las dan las toman, (aunque supongo que ya estarán pillados).

Dirección y Guión: Hyung-rae Shim
Reparto: Jason Behr (Ethan Kendrick), Amanda Brooks (Sarah Daniels), Robert Forster (Jack), Craig Robinson (Bruce), Aimee Garcia (Brandy)
Música: Steve Jablonsky
Fotografía: Hubert Taczanowski
Montaje: Timothy Alverson
Corea del Sur, 2007

Insulsa película surcoreana sobre dragones, leyendas y demás parafernalia propia de estos temas.

Digo insulsa, a pesar de que los dragones están bien hechos, porque es de lo poco que se salva. Del resto todavía estoy intentado recordar algo destacable o simplemente aprovechable, pero no lo encuentro.

Hay efectos de explosiones, coches o personas que saltan por los aires que son de chichinabo. La multitud de personajes que aparecen en las batallas y los reventones que se dan en estas la hacen a ratos entretenida, pero la historia no tiene fondo.

Y casi prefería no hablar de los actores, pero es que hay que hacerlo. La pareja no es que no tengan química, es que da la impresión de que no les corra la sangre por las venas. Son sosos a más no poder y cuando están juntos aumentan la sensación de estulticia que transmiten. No veo que ninguno de ellos llegue a destacar en sus carreras al menos a corto plazo, así que no me apetece ni nombrarlos.

A la película le falla algo, es poco creíble y no tiene carisma. La batalla en medio de la ciudad, por ejemplo, da la impresión de estar fuera de lugar y de haberse hecho con los recortes de lo que sobró de El Señor de los Anillos, pegado en un fondo urbano. Igual esto anima a más de uno a verla.

En cierta medida puede recordar a The Host, también coreana, también con monstruo y también con ambientación urbana, pero nada más lejos de la realidad. Por no coincidir no tiene ni ese humor tontorrón tan propio del cine coreano (el reparto es americano). El leve humor que tiene es chusco y sin gracia, acorde con las pésimas actuaciones.

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Dirección: Craig Gillespie.
Título original: Lars and the real girl
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 106 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Ryan Gosling (Lars Lindstrom), Emily Mortimer (Karin), Paul Schneider (Gus), Patricia Clarkson (doctora Dagmar), R.D. Reid (reverendo Bock), Kelli Garner (Margo), Nancy Beatty (Sra. Gruner), Doug Lennox (Sr. Hofstedtler), Joe Bostick (Sr. Shaw), Liz Gordon (Sra. Schindler), Nicky Guadagni (Sra. Petersen).
Guión: Nancy Oliver.
Producción: Sidney Kimmel, John Cameron y Sarah Aubrey.
Música: David Torn.
Fotografía: Adam Kimmel.
Montaje: Tatiana S. Riegel.
Diseño de producción: Arv Grewal.
Vestuario: Kirston Mann.

Si nos dicen que el protagonista es un tipo retraído que compra una muñeca hinchable por internet, podemos suponer que nos encontramos ante una comedia desenfadada al uso, pero nada más lejos de la realidad. Lars es timido, va a su ritmo, aparentemente no es del todo normal y vive en una caseta junto a su hermano y su mujer que esperan un bebé.

Lars un día dice que tiene visita, y resulta ser una muñeca hinchable, que atiende al nombre de Bianca. Ante esa situación su hermano Gus y su mujer Karin se ponen en manos de la doctora Dagmar la cual atribuye la conducta de Lars a un delirio. Su consejo es que lo mejor es seguirle la corriente.

Lars vive en una fría localidad, brumosa y nevada, donde está muy presente el espíritu de la comunidad, de ahí que de común acuerdo todos sus vecinos decidan ayudar a Lars, lo que le evita verse inmerso en situaciones desagradables (que por otra parte sería lo lógico si hoy en día vemos a alguien compartir su vida junto a una muñeca hinchable). Todos, incluido el párroco, acogen a Bianca con los brazos abiertos, partiendo de la base de que cada cual tiene sus propias neuras y que nada hay raro en que Lars encuentre el amor en un plástico recauchutado con formas de mujer (no es el único), que le permitirá ir abriéndose a los demás, vencer sus miedos y reticencias, fijar su atención en otras cosas que antes le resbalaban.

La película bascula entre la comedia y el drama, lo cual es bueno porque esto depara sorpresas. La historia puede derrumbarse en cualquier momento, caer en lo inverosímil, pero el trabajado guión y una labor interpretativa excelente de Ryan Gosling, hacen que no pierda fuelle en ningún momento. Nada sobre ni falta en ella y su aparente sencillez, su aspecto anodino, va calando poco a poco.

Son muchas preguntas las que podemos hacernos al verla, si es que estamos, primero dispuestos a verla, y segundo a pensar algo en ella tras su visionado. A menudo negamos y evitamos lo que tenemos delante, y hemos de recurrir a sustancias o bienes que hacen de filtro, los cuales nos separan de la realidad, de nuestros sueños y frustraciones. Muchas cosas nos sirven de escudo y nos ayudan a evadirnos de nosotros mismos, recluidos en nuestras cárceles de hormigon conectados por internet a otra gente, rehuyendo el contacto físico, un simple abrazo, que a Lars le abrasa. Al menos al principio, luego todo puede cambiar.

Ryan Gosling | Fracture | El diario de Noah |Tránsito

Dirección y guión: James Gray.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 117 min.
Género: Thriller policiaco, drama.
Interpretación: Joaquin Phoenix (Bobby Green), Mark Wahlberg (Joseph Grusinsky), Eva Mendes (Amada Juárez), Robert Duvall (Burt Grusinsky), Tony Musante (Jack Shapiro), Antoni Corone (Michael Solo), Alex Veadov (Vadim Nezhinski), Moni Moshonov (Marat Buzhayev), Danny Hoch (Falsetti), Maggie Kiley (Sandra Grusinsky).
Producción: Marc Butan, Joaquin Phoenix, Nick Wechsler y Mark Wahlberg.
Música: Wojciech Kilar.
Fotografía: Joaquin Baca-Asay.
Montaje: John Axelrad.
Diseño de producción: Ford Wheeler.
Vestuario: Michael Clancy.

Si bien la historia no es nada nuevo el resultado lo puedo calificar de óptimo. La acción transcurre en 1988 en la ciudad de Nueva York. Bobby controla un garito donde se vende droga. Su padre, Burt y su hermano Joseph son policías y le alertan de que debe andarse con ojo pues van a ir a por ellos.

Cuando Joseph recibe un tiro a bocajarro, el mundo de Bobby se desmorona. Decide entonces cruzar la línea, dejar los negocios turbios y colaborar con la familia, a la sazón la policía. Burt actuará de bisagra entre los dos hijos, uno pendenciero y el otro fiel acatador de la tradición familiar.

El accidente de Bobby hace que la familia se convierta en una piña, pero en ese momento Bobby pasa a estar en el punto de mira de los gangster rusos que desconocen la vinculación de Bobby con sus familiares policías. A su vez Bobby constata como su vida y la de su amante Amanda (una sensual y procaz Eva Mendes) se complica cada vez más, ve como se los quieren cepillar y cree que tarde o temprano lo conseguirán.

La recreación de esos años es acertada, para lo que se localizaron los lugares menos luminosos de la ciudad neoyorquina; el Bronx, Manhattan, Brooklyn y Queens…

La buena labor interpretativa de Duvall, Phoenix y Wahlberg hace creíble y apasionante la historia familiar, porque más allá de las circunstancias policiales, del negocio de la droga, es la familia lo que está en juego, la posibilidad de enmienda, la renuncia a la tradición, la vuelta al redil, las envidias y celos entre hermanos, arropados por un amor infinito, no siempre confesado, cebado de mutismo.

Cuenta a su vez con una portentosa persecución automovilística y una atmósfera envolvente, a lo que contribuye la brillante fotografía de Joaquin Baca-Asay.

La noche es nuestra es un film que acumula en su interior muy bien cine, personajes bien definidos, una historia bien construida y narrada, interpretaciones de altura y una reconstrucción fiel de la época además de un sentido homenaje a la labor policial, de hecho su director James Gray (Little Odesa, La otra cara del crimen) se inspiró para rodar la película en una fotografía en la que se veía a un policía llorando la muerte de un compañero.

SINOPSIS ::
Un héroe se alza, proclamando su fama y su nombre. ¡Beowulf! Cazador de demonios y defensor del reino. Acabará con la feroz bestia que acecha tierras vikingas. Oro y reino serán su recompensa. ¿Pero le llevará su ambición a vivir el lado más oscuro de su propia leyenda?

Ray Winstone es el poderoso guerrero Beowulf junto a la seductora y despiadada Angelina Jolie, madre de Grendel, en un tiempo de demonios y dragones, guerreros y tentaciones. La fiel camaradería, la batalla contra el grotesco Grendel, el fiero duelo a vida o muerte contra el dragón. Todo esto unido en esta superproducción creada a partir de la revolucionaria técnica de “captación del movimiento” del director Robert Zemeckis. ¡Aclamado, Beowulf, valiente entre los valientes!

CARACTERISTICAS DVD::

Sonido: Dolby Digital 5.1, Dolby Digital 2.0
Imagen: 16:9, 2.40:1
Idioma: Castellano, Inglés, Alemán, Italiano
Subtítulos: Castellano, Inglés, Alemán, Griego, Hebreo, Árabe, Islandés, Italiano, Portugués, Inglés para sordos, Alemán para sordos, Italiano para sordos

CONTENIDO EXTRA ::
Menús Interactivos, Selección de Escenas

· El Viaje de un Héroe: Cómo se hizo Beowulf

· Beowulf : Trazando el mapa del viaje

· Galería de Producción

· Los Origenes de Beowulf

· Diseñando las criaturas de Beowulf

· Creando al Último Beowulf

· El Arte de Beowulf : El diseño de producción

· Escenas suprimidas

· Incluye Disco con Copia Digital

© 2008 Warner Bros. Entertainment Inc. All rights reserved

Enlace | crítica de Beowulf en cuak

Si quieres participar en el concurso de 5 DVD, debes responder correctamente a la siguiente pregunta:

¿Qué actor antes que Ray Winstone ha sido el anterior en interpretar a Beowulf?

V: La colección completa
Titulo original: V, V: The Final Battle
Director : Richard Heffron

Interpretes :: Jane Badler, Michael Durrell, Robert Englund, Faye Grant, Richard Herd, Thomas Hill, Michael Ironside, Peter Nelson, David Packer, Neva Patterson, Andrew Prine, Sandy Simpson, Marc Singer, Blair Tefkin, Michael Wright

Características Especiales :: Menús Interactivos, Selección de Escenas, Comentario de Kenneth Johnson, V: Detrás de las cámaras
Sonido: Dolby Digital 2.0 Imagen: 16:9, 1.77: 1, 4:3, 1.33:1
Idioma: Castellano, Inglés, Italiano Subtítulos: Castellano, Inglés, Italiano, Danés, Italiano para sordos, Portugués

Género
Series de TV, Ciencia Ficción
Zona Zona 2

Tipo 10 DVDs
Distribuidora Warner Home Video
Clasificación Todos los públicos

Pais y año EE.UU / 1983,1985
Lanzamiento 22-04-2008

© 2008 Warner Bros. Entertainment Inc. All rights reserved

Si quieres participar en el sorteo de una colección completa de la serie V, debes responder a la siguiente pregunta y dirigir la respuesta a la dirección de correo, que se indica en la web como contacto antes del 20 de mayo.

¿Cómo se llama la morena malísima que se come los ratones?