Con este nuevo proyecto, el Gobierno de La Rioja quiere rendir un homenaje a uno de los más grandes guionistas del cine español. En 2007 fue reconocido con el Galardón de las Artes Riojanas.

La Filmoteca contribuirá a revitalizar la oferta cultural riojana a través del cine y de las artes audiovisuales.

Presentación del Consejero de Educación, Cultura y Turismo, Gonzalo Capellán

Rafael Azcona se lamentaba con negro desparpajo en su Piropito a Logroño de la morriña que le producía llevar ya cuatro años largos fuera de la capital riojana, distancia temporal que le había llevado a aprender a apreciar mejor sus calles, sus paseos, sus bares y cafeterías. Decía Rafael: “¡Qué gran verdad es que sólo al perder las cosas alcanzamos a comprender todo lo estupendo que era poseerlas, demonio!”

Efectivamente, ¡qué gran verdad! Ahora que nuestro recordado paisano lleva cuatro años lejos no ya de Logroño, sino de todo lugar posible, es cuando más se acrecienta la percepción de lo estupendo que era tenerle por estos lares terrenales.

Menos mal que aparte de su recuerdo nos queda su obra, que merece ser revisada desde todos losacercamientos y enfoques que permita. Junto a ella, la afición que el público riojano ha demostrado siempre por disfrutar del séptimo arte, tal como atestiguan los altos niveles de asistencia a los diversos ciclos que se programan en nuestra geografía.

Para atender a estas dos querencias, el Gobierno de La Rioja ha decidido poner en marcha este proyecto cultural, esta filmoteca, en la que pueda establecerse una programación continuada de exhibición fílmica y en la que puedan encardinarse acciones diversas dirigidas a la difusión, preservación y mejor conocimiento del legado cinematográfico no sólo del genial Rafael, sino de otrostantos grandes autores con los que él puede codearse sin sonrojo alguno.

Por añadidura, una sala también muy querida por el público, como es la sala Gonzalo de Berceo, se convierte en punto de referencia principal para este proyecto.

Nos esperan estupendas sesiones de cine. Tan sólo queda que todo el que lo desee vaya ocupando su butaca.

Conoce a Rafael Azcona

Vía | Gobierno de La Rioja

Programación Filmoteca Rafael Azcona Mayo 2012

Programación de mayo

La Filmoteca presenta en el mes de mayo estos dos ciclos de películas:

EUROPA
MIRADAS PERIFÉRICAS. El cine italiano del S. XXI

EUROPA

Martes 8 de mayo 2012, 20:15 h

“Redención. (Tyrannosaur)” Reino Unido. 2011. 91 min. V.O.S.E. Dirección: Paddy Considine

SESION ESPECIAL CON MOTIVO DEL “DIA DE EUROPA”

Miércoles 9 de mayo 2012, 17:15 h

“Arrugas“. España. 2011. 80 min. Dirección: Ignacio Ferreras

Martes 15 de mayo 2012, 20:15 h

“The Turin Horse“. Hungría / Francia / Suiza / Estados Unidos / Alemania. 2011. 146 min. V.O.S.E. Húngaro. Dirección: Béla Tarr

Martes 22 de mayo 2012, 20:15 h

“Las malas hierbas. (Les herbes folles)”. Francia 2009. 104 min. V.O.S.E. Francés. Dirección: Alain Resnais

Martes 29 de mayo 2012, 20:15 h

“El mundo es grande y la felicidad está a la vuelta de la esquina. (Svetat e golyam i spasenie debne otvsyakade)”. Bulgaria 2008. 105 min. V.O.S.E. Búlgaro. Dirección: Stephan Komandarev

MIRADAS PERIFÉRICAS. El cine italiano del S. XXI

Miércoles 9 de mayo 2012, 20:15 h

“L’uomo che verrà”. Italia. 2009. 107 min. V.O.S.E. Dirección: Giorgio Diritti.

Miércoles 16 de mayo 2012, 20:15 h

“Il resto di niente”. Italia. 2003. 103 min. V.O.S.E. Dirección: Antonietta de Lillo.

Miércoles 23 de mayo 2012, 20:15 h

“Sangue vivo”. Italia. 2000. 95 min. V.O.S.E. Dirección: Edoardo Winspeare.

Miércoles 30 de mayo 2012, 20:15 h

“L´aria salata”. Italia. 2006. 87 min. V.O.S.E. Dirección: Alessandro Angelini.

Datos de interés

Las películas se proyectarán en la Sala Gonzalo de Berceo de Logroño, que cuenta con un aforo de 215 butacas.

El precio de las entradas es de 2,5 euros. Las entradas se venderán en taquilla una hora antes del comienzo de la sesión.

Una vez comenzada la sesión no se permitirá la entrada a la sala.

Todas las películas se proyectarán en versión original y subtituladas al castellano si éste no es el idioma de la película.

La programación anunciada podría sufrir variaciones que se anunciarían con anterioridad.

Película: Intruders.
Dirección: Juan Carlos Fresnadillo.
Países: España, USA y Reino Unido. Año: 2011. Duración: 100 min. Género: Terror, suspense, thriller sobrenatural.
Interpretación: Clive Owen (John Farrow), Carice Van Houten (Sue Farrow), Daniel Brühl (padre Antonio), Pilar López de Ayala (Luisa), Ella Purnell (Mia Farrow), Izán Corchero (Juan), Kerry Fox, Héctor Alterio. Guion: Nicolás Casariego y Jaime Marques.
Producción: Belén Atienza, Mercedes Gamero y Enrique López Lavigne. Música: Roque Baños. Fotografía: Enrique Chediak.
Montaje: Nacho Ruiz Capillas. Diseño de producción: Alain Bainée. Vestuario: Tatiana Hernández.

Después de ver Intacto y 28 días después me esperaba mucho más de Juan Carlos Fresnadillo, ya que Intruders, la he visto a duras penas y en nada me ha gustado.

Comienza con un niño que tiene pesadillas nocturnas, mientras su madre trata de ayudarle a superarlas. Sueña con un monstruo sin cabeza, que trata de llevárselo con él. En otra historia paralela, una joven descubre en el interior de un árbol una hoja de papel manuscrita. En ella se cuenta la historia de Cabezahueca, y emplea esa historia para un trabajo escolar. El caso es que el escrito no está acabado y la historia se reescribe sobre la marcha, dado que al mentar a Cabezahueca este sale de allá donde se halle para volver a la vida y atormentar a la joven, que recibirá la visita de Cabezahueca para malestar de su familia que no sabe cómo lidiar con la situación.

La película tal como se plantea de entrada tiene muy poquito mordiente y no no hay elemento alguno que permita conectarse a la historia, porque a la languidez de Pilar López de Ayala se añade la del pavisoso Daniel Brühl. En la otra historia Clive Owen cumple con su papel sin más.

Como sucede siempre en estas historias paranormales al final nos explican qué relación existe entre ambas historias, para que todo cuadre y nos vayamos a la cama un tanto angustiados (o así debería ser tratándose de uan película de estas características) y satisfechos de comprobar que todo cuadro, que todo tiene una explicación racional.

En mi opinión Fresnadillo nada aporta, con una dirección plana, sin la menor impronta, dejando una película que peca de aburrida y monótona, con una realización funcional, que no ofrece nada nuevo y que se ve únicamente por el afán de quien suscribe de terminar las cosas que uno comienza.

Director: Demian Sabini
Guión: Demian Sabini
Duración: 76 minutos
Género: Drama
Año: 2011
Distribuidora:Moviement Films
Intérpretes: Alain Hernández , Carla Pérez , Demian Sabini , Carolina Cabrerizo
País: España

Comienza la película con un programa de radio donde unos tertulianos hablan del número de parados. Las palabras de los políticos auguran que nunca se superarán los cuatro millones. De esto no hace mucho. Poco más de un año. Ahora ya superan los cinco millones y con la nueva reforma laboral ya nos avisan que supondrá que otros 600.000 trabajadores más pierdan su trabajo. Esto, a modo de introito, nos permite contextualizar el momento que viven los personajes de esta historia. Todos ellos, hombres y mujeres superan los treinta años. Ninguno tiene hijos. Algunos trabajan por cuenta propia, otros por cuenta ajena, y la mitad a pesar de sus estudios universitarios y posgrados están sin trabajo, cobrando el desempleo.

A fin de ocupar el tiempo, todos ellos se reúnen en los terrados, terrazas que hay en los edificios, en los que se cuelan con el fin de pasar allí la tarde, ya sea bailando, fumando porros, tomando el sol, charlando, haciendo yoga, o simplemente nada.

De entrada nos puede recordar al corto de Achero Mañas, Paraísos artificiales, donde unos jóvenes desbarraban también en unos terrados. Ahora no hablamos de jóvenes sino de personas que van camino de los cuarenta años, muchos de los cuales habida cuenta de la precariedad laboral y de sus ajustados salarios viven con sus padres, o como mucho en alquiler. En su primer cuarto de hora, la película resulta un tanto trabada, porque parece que se alimenta asímisma de una historia que no crece. Luego todo esto cambia radicalmente y se abren nuevos frentes. Es necesario bajar de las nubes, dejar los terrados, y pisar tierra firme: madurar. Decidir qué es lo que se quiere hacer con la vida, fijar un objetivo e ir a por él. Es en esos momentos donde los personajes interactúan y discuten, donde se reprochan cosas los unos a los otros, donde toca mover ficha aunque sea a costa de tener que dejar el tablero de ajedrez.

Lo grande de Terrados es que sin el ánimo de hacer cine social, sin el menor dogmatismo, ni moralina, la situación tal como está planteada, va calando poco a poco, la historia va cogiendo fuerza, los personajes cogen peso, los diálogos se vuelven esclarecedores y al final las brumas en las que todos nos movemos se van disipando. Un primer paso es saber qué es lo que uno no quiere y luego tratar de llevar a cabo los sueños, los proyectos.

Demian Sabini, dirige y protagoniza (en la piel de Leo) una historia veraz, creíble, que emociona y atrapa. A mí me ha gustado mucho. Como dice en el final, la película está dedicada a todos aquellos que alguna vez estuvieron pérdidos. Sí, hoy la ciudad es un dédalo y la crisis no hace sino crear día a día callejones sin salida, pero no hay muro que no aguante el empuje de la esperanza, la decisión y el coraje.

Y Demian sabe de lo que habla, porque hizo esta película con 12.000 euros, pidiendo prestado, cuando se encontraba en el paro. Desde aquí, desearle suerte, y animar a todo el mundo a que la vea. Si es pagando mejor (en Filmin por ejemplo), así Demian recuperará algo de lo invertido.

Película: Intocable. Título original: Intouchables.
Dirección y guion: Eric Toledano y Olivier Nakache.
País: Francia.
Año: 2011.
Duración: 115 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: François Cluzet (Philippe), Omar Sy (Driss), Audrey Fleurot (Magalie), Anne Le Ny (Yvonne), Clotilde Mollet (Marcelle), Alba Gaïa Bellugi (Elisa), Cyril Mendy (Adama), Christian Ameri (Albert). Producción: Nicolas Duval-Adassovsky, Laurent Zeitoun y Yann Zenou. Música: Ludovico Einaudi.
Fotografía: Mathieu Vadepied.
Montaje: Dorian Rigal-Ansous. Vestuario: Isabelle Pannetier.

!Qué cosa más bonita!. En estos términos me resumía una amiga su visión de la película. Lo veo y doblo la puesta. Además de bonita, podemos añadir un sinfín de calificativos positivos: agradable, sensible, hermosa, emotiva, divertida, vibrante, emocionante, hilarante, sardónica, despiadada, reconfortante, recomendable, etc.

Hay películas que funcionan a la perfección y ante las cuales al espectador, en este caso también cinéfilo solo le queda aplaudir lo visto. La historia va de la relación que surge entre Philippe, un tetrapléjico adinerado que busca quien le atienda, y en cuya vida entra Driss, que proveniente de la periferia, de un extrarradio donde lo que abunda es la droga, la delincuencia y todo aquello que conduce más pronto que tarde a la trena, trata de ganarse la vida honradamente. Y lo consigue pasando a trabajar al cuidado de Philippe, convirtiéndose en sus brazos y en sus piernas, y no solo eso, sino consiguiendo que su corazón lata de nuevo con fuerza. Donde hay esperanza hay vida.

El gran acierto de la película es la química que hay entre los dos personajes encarnados por Philippe y Driss. A ambos se les ve agusto en sus respectivos papeles. Cuando Philippe ríe, se emociona, se ansía, uno como espectador siente lo mismo. Tres cuartos de lo mismo pasa con Driss, su alegría es contagiosa, su risa impagable.

No es nada fácil abordar un tema como el de una tetraplejía y convertirlo en un taquillazo. Ahí el gran acierto reside en un guión que no busca la complacencia. Philippe sabe perfectamente cual es su situación, sabe que quiera o no, depende para casi todas sus actividades del concurso de una tercera persona y no quiere piedad, sino que le den algo de caña, que lo espoleen, que le azuzen para i al encuentro de la VIDA y la viva, como pueda, sea follándosela con el pito o con las orejas, pero que salga ahí fuera y respire, y viva la noche y el día, y sienta que su corazón está vivo. Ya lo dice en un momento determinado Philippe. Lo jodido no es estar en un silla, sino el no tener a la persona que amaba al lado.

Más allá del éxito obtenido en Francia, si no me equivoco es la tercera película más taquillera de la historia en el país Galo, creo que gustará a todo el mundo, porque la historia que se nos cuenta y el modo en que se explicita es universal. A Dios gracias, el mundo de los sentimientos no entiende ni de fronteras ni de idiomas y las sonrisas y lágrimas son iguales en cualquier parte del globo.

No hace falta que anime a nadie a ir a verla al cine. Hay millones de blogs que ya lo hacen. A mí me ha gustado y mucho. A poco me lleva la corriente. Ya saben, cosas del lagrimal.

Como curiosidad comentar que la música es obra de Ludovico Eunadi, el cual estuvo el 23 de marzo, por mi ciudad, Logroño, dando un concierto en el Teatro Bretón de los Herreros. No fui y me arrepiento, pues la música de la película me ha sonado preciosa.

Película: Arrugas.
Dirección: Ignacio Ferreras. País: España.
Año: 2011. Duración: 89 min.
Género: Animación, drama.
Guion: Ángel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras y Rosanna Cecchini; basado en el cómic “Arrugas”, de Paco Roca.
Producción: Manuel Cristóbal, Enrique Aguirrezabala y Oriol Ivern.
Música: Nani García.
Fotografía: David Cubero.

Como se ve en la viñeta de El Roto, es jodido cuando ya no se tienen horizontes, cuando uno solo acumula pasado. Al protagonista de esta película animada le sucede lo mismo. Emilio sufre de Alzheimer y su hijo lo deja en una residencia. Allí se le cae el mundo encima a las primeras de cambio. No hay mucho allí que hacer. Hay una piscina que nadie usa. Un gimnasio al que acuden porque la monitora tiene unas curvas derrapantes que les retrotrae a esos tiempos en los que anidaba el deseo en sus cuerpos. Allí Emilio compartirá cuarto con Miguel, un argentino, que hallándose bien de salud, decide vivir allí, manejando todos los hilos. Conociendo las historias de cada cual trata de sacar provecho, si bien al final prevalece su buen corazón. No obstante Emilio cree que Miguel le roba y esto generará una situación de tensión constante entre ambos.

La estancia de Emilio en la residencia y la situación que vive cada día no hace sino acongojar a quien suscribe. Claro que no todas las residencias son iguales, pero siempre hay puntos en común. Los que allí moran, abandonados a su suerte, sin el cariño de sus familias, reciben los cuidados necesarios para seguir viviendo, en el aspecto técnico, más primario del asunto, pero el hecho de sentirte sólo en el mundo, o con unos familiares, a los que justificar, que nunca acuden de visita, no ayudan en nada a los abuelos que allí están internados, que en sus momentos de lucidez comprenden que a nadie les interesa si viven o mueren.

La película es cruel, dura, desoladora como la vida misma. No hay concesiones. Todos los que están allí tienen los días contados y a lo más que pueden aspirar es a sufrir lo menos necesario, a alcanzar una sonrisa, un gesto de aliento, un abrazo, una charla no banal. Mientras, la parca ronda fuera. En resumen, que si estás un poco sensible, ves Arrugas y sientes un cosquilleo en la rabadilla, que te deja destemplado y el lagrimal empañado.

Película: 5 metros cuadrados.
AKA: Cinco metros cuadrados. Dirección: Max Lemcke. País: España Año: 2011. Duración: 91 min.
Género: Drama, comedia. Interpretación: Fernando Tejero (Álex), Malena Alterio (Virginia), Manuel Morón (Arganda), Secun de la Rosa (Nacho), Emilio Gutiérrez Caba (Montañés), Jorge Bosch (Toño). Guion: Pablo Remón y Daniel Remón.
Producción: Isabel García Peralta.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: José David Montero.
Montaje: Laurent Dufreche y Ascen Marchena. Dirección artística: Javier Fernández.
Vestuario: Helena Sanchís.

A pesar de llevar ya casi cinco años de crisis, el cine español no ha reflejado esta realidad, como debiera. Tal vez suceda que el espectador está a deseo de otras cosas; ya sean película de acción, suspense, miedo, intriga o simplemente humor y echarse unas risas. De ahí que ver en la pantalla grande la desgracia de los demás, una desgracia que es compartida por millones de españoles que en pos de un sueño; ser propietarios, vieron como poco después acabarían sin piso, sin autoestima, con deudas y muchos llevando a sus familias a la ruina, si decidieron avalar la compra del inmueble, no sea plato de buen gusto. A nadie le gusta que le restreguen su fracaso por el viso.

Se agradece no obstante la valentía de Max Lemcke de sacar adelante un proyecto como este. Viendo a Arganda y a Montañés, con sus tejemanajes; uno es un constructor y el otro un concejal de urbanismo, me viene en mente la brillante serie Crematorio, que contaba con todo lujo de detalles como la corrupción generalizada es capaz de extenderse como una marea negra difícil de contener, contaminando a su paso todo cuanto toca.

Los protagonistas son la pareja de treintañeros formada por Álex y Virginia. Ambos han comprado un apartamento, en una urbanización, cerca del mar, contando con la ayuda de los padres de Virginia que les han dado a la pareja un dinero para pagar la entrada del piso. Además colaboran también sufragando los gastos del banquete de boda, que tendrá lugar en un año. Esta situación idílica se torna en trágica, cuando se pone de manifiesto que el inmueble no se va a acabar de construir, que el constructor se llamada Andana, y que encima medioambiente tiene previsto derrumbarlo al haber incumplido la normativa vigente.

Ante esa situación Álex y Virginia se ven abocados a residir transitoriamente en casa de los padres de Virgnia. No obstante el ambiente se enrarece, surgen los malos rollos y finalmente los reproches. Esa situación hace que Álex se lo tome como una cruzada personal, haciendo dejación de funciones en su curro, montando junto a otro damnificado una plataforma en la que reivindicar que les devuelvan el dinero que aportaron, pues la constructora les quiere dar una décima parte de lo que entregaron en su día. Esa situación desesperada le llevará a realizar una acción también desesperada, con el único objeto de recuperar su autoestima, su dignidad, pisoteada por Aranda y sus intermediarios.

Fernando Tejero en la piel de Álex cumple con creces, está soberbio, y es gracias a él que esta historia, esta huida hacia delante, a la desesperada, sea emotiva, conmovedora. Su tragedia es la de muchos. La codicia de muchos y la inocencia y prepotencia de otros tantos (no olvidar que aquí los dos tienen unos sueldos normalitos y la casa que quieren es todo menos barata, eso sí, tendría piscina, pista de padel, asadores y chorradas varias), alimentó la burbuja, hasta que esta estalló y sucedió lo que todo sabemos, y millones de personas sufren hoy en día en España.

Película: Infierno blanco.
Título original: The grey. Dirección: Joe Carnahan.
País: USA. Año: 2012. Duración: 115 min.
Género: Acción, drama, thriller. Interpretación: Liam Neeson (Ottway), Dermot Mulroney (Talget), Frank Grillo (Diaz), Joe Anderson (Flannery), James Badge Dale (Lewenden), Dallas Roberts (Henrick), Nonso Anozie (Burke), Ben Bray (Hernandez). Guion: Joe Carnahan y Ian Mackenzie Jeffers; basado en el relato corto “Ghost walker”, de Ian Mackenzie Jeffers.
Producción: Joe Carnahan, Jules Daly, Ridley Scott y Mickey Lidell.
Música: Marc Streitenfeld.
Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Roger Barton y Joseph Jett Sally. Diseño de producción: John Willett. Vestuario: Courtney Daniel

Siendo culé el único Infierno Blanco que conozco es el Real Madrid. Bien, sigamos. Un grupo de hombres embrutecidos por el alcohol y la soledad, pasan sus días de trabajo en un compañía petrolífera en una paraje nevado, frío y desolador, en Alaska. El protagonista es Ottaway quien según vemos ha perdido a su mujer y para el cual, su vida vale menos que nada.

Ottaway y otro puñado de hombres cogen un avión, y de repente este se estrella. Sobreviven unos pocos y enseguida se dan cuenta de que quizá haber sobrevivido solo les permita prolongar un poco más su agonía. En medio de un paraje nevado, sin nada de vida alrededor, sin sustento ni cobijo y con una manada de lobos hambrientos acechando la situación es dramática.

Ottaway que se gana la vida disparando a los lobos que quieren atacar a los humanos y se erige de inmediato como el lider del grupo con el beneplácito de casi todos, si bien, como es de esperar siempre tiene que haber algun gallito que cuestione en un principio al jefe para finalmente dar su brazo a torcer y ceder la vara de mando.

La película no da demasiado de sí. La idea es no estarse quieto. Nadie los busca y hay que intentar sobrevivir como sea. Los lobos, el frío, el hambre y demás circunstancias hacen que el grupo se vaya viendo mermado día a día, hasta que finalmente solo queden cinco miembros.

Los lobos ávidos de comida y sangre no ven el momento de echarse al gaznate carne humana, y hay unas cuantas escenas bastante desagradables, cuando estos se dan el festín.

Por lo demás, la película tiene los elementos necesarios para no aburrir al personal. Los diálogos no son abundantes, y los paisajes son bastante espectaculares. Liam Neeson, da el tipo en la piel de ese fornido y entristecido hombre que se viene arriba cuando las circunstancias lo exigen. La pelicula resulta gélida, fría, cortante, estremecedora, realista, nada proclive al espectáculo.

El final queda abierto a múltiples posibilidades.

Todo resulta muy simple en esta vida, vivimos y morimos. Unos lo hacen antes otros después. Unos atacados por lobos, otros despeñados, quien lo hace ahogado, otro extenuado….

14,4 Km. es la distancia mínima entre las dos orillas del Estrecho de Gibraltar. El punto en el casi convergen las dos riberas.

El Mediterráneo siempre ha sido un mar de idas y venidas, de migraciones y mestizajes. Un marco geográfico en el que a lo largo de los siglos han interactuado gentes procedentes de las distintas tierras bañadas por sus aguas, mezclándose e influenciándose recíprocamente de forma natural. Todos estos movimientos han generado numerosos elementos culturales compartidos aunque resulte complicado hablar de una cultura mediterránea propiamente dicha. Más bien estamos ante un marco común en el que conviven distintas culturas estrechamente vinculadas entre sí.

El proyecto 14,4 km apuesta por reforzar el diálogo cultural entre los pueblos de la ribera mediterránea por encima de posibles obstáculos o diferencias de índole geopolítica, religiosa, etc. Por este motivo, las actividades de la iniciativa en esta primera edición se desarrollan en localidades situadas a ambos lados del Estrecho: Córdoba, Granada, Vejer de la Frontera, Tánger, Tetuán, Los Barrios y Ciutadella de Menorca.

Consideramos la cultura como una herramienta fundamental para tender puentes entre las dos orillas del Mediterráneo, para consolidar e incentivar la tolerancia entre distintas ideas y creencias.

En esta primera edición, hemos escogido el cine como instrumento principal a través del cual ahondar en los valores compartidos entre ambas culturas y, al mismo tiempo, asomarnos a otras realidades aprendiendo a respetar las diferencias. Lamentablemente las obras cinematográficas que inciden en estos valores tienen en demasiadas ocasiones una escasa difusión, ya que padecen graves dificultades en la producción y distribución. La mayor parte de los países del sur del Mediterráneo, con la excepción de Egipto, tienen una capacidad de producción cinematográfica muy reducida. Con el agravante de que, de las películas realizadas, solo llega a nuestras pantallas un porcentaje ínfimo. Así mismo, las producciones españolas rara vez llegan a estrenarse comercialmente en los países árabes. La muestra 14,4 pretende paliar en parte esta situación, contando para ello con la implicación de instituciones, empresas y asociaciones tanto españolas como internacionales. La cooperación audiovisual entre profesionales e instituciones de las dos riberas es fundamental para reinstaurar un imaginario mediterráneo compartido. La coproducción de “imágenes comunes” es una herramienta clave para construir una conciencia mediterránea. Por su modernidad y su realismo (entendido como reproducción fotográfica) el cine es la forma de expresión que mejor puede fomentar la comprensión mutua.

Mujeres Directoras de las dos orillas

La muestra cinematográfica que proponemos tiene un propósito adicional: difundir y reivindicar el trabajo de las directoras que desarrollan su actividad profesional en los márgenes del Mediterráneo. Bajo el lema “Mujeres Directoras de las dos orillas”, realizadoras árabes y españolas nos ofrecen, a través del cine, una interesante visión de su día a día, sus problemas, sus deseos y su forma de enfrentarse al mundo.

Premio 14,4 km

Como reconocimiento a la labor de todas las personas que dedican su tiempo, su talento y su esfuerzo personal a fomentar el diálogo intercultural, se ha creado el Premio 14,4 km. Este galardón se entregará en cada edición a una personalidad que haya destacado a lo largo de su trayectoria profesional por su labor a favor del conocimiento y respeto mutuos entre las dos orillas del Mediterráneo.

Las películas participantes son estas:

Caramel
-Chaque jour estune fête
-Combien tu m’aimes?
-Conversaciones de salón
-Dowaha
-El esfuerzo y el ánimo
-Harraga
-La sal de esta mar
-L’enfant endormi
-Metrópolis Ferry
-Mushpush
-Planes para mañana
-Retorno a Hansala
-Tambien la lluvia

Descárgate en pdf toda la información del ciclo 14,4 km

Desde nuestra blog, solo nos queda alabar la iniciativa, que nos parece de gran importancia, apostando este ciclo de cine claramente por la multiculturalidad, por el diálogo, por la integración, por todo eso que comparten los artistas y las personas que viven en países distintos, separados por una distancia ridícula, más que por empecinarse en marcar las diferencias.

Dirección: Óskar Jónasson.
País: Islandia. Año: 2008.
Duración: 90 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Baltasar Kormákur (Kristofer), Ingvar Eggert Sigurdsson (Steingrimur), Lilja Nott Thoransinsdóttir (Iris), Thröstur Leó Gunnarsson (Jensen), Victor Löw (Hoogland), Ólafur Darri Ólafsson (Elvar), Jörundur Ragnarsson (Arnor), Theódór Juliusson (Runolfur), Jóhannes Haukur Jóhannesson.
Guión: Arnaldur Indridason y Óskar Jónasson. Producción: Baltasar Kromákur y Agnes Johansen. Música: Bardi Jóhannsson. 4
Fotografía: Bergsteinn Björgúlfsson. Montaje: Elisabet Ronaldsdóttir.
Diseño de producción: Haukur Karlsson. Vestuario: Helga Rós Hannam

Con esta película damos de alta otra nueva categoría en nuestra blog, el cine islandés. Se trata de un thriller contundente. El protagonista es Kristofer, el cual vive con su mujer que es peluquera y sus dos hijos pequeños. Su situación económica no es muy boyante y recibe de vez en cuando regalos de su amigo Steingrimur. Con la idea de saldar sus deudas y mejorar su economía decide arriesgarse una vez más, embarcarse junto a otros excompañeros en un barco que va para Rotterdam, él vive en Islandia, para comprar allí alcohol y venderlo luego en Reykjavik ganándose un buen dinero, habida cuenta de que en Islandia el precio del alcohol parece estar por las nubes.

Detrás de la operación está su amigo Steingrimur quien arregla la cosa para que Kristofer puede enrolarse, a pesar de estar con la condicional. En el pasado Kristofer estuvo en la cárcel, a cuenta de un trabajillo que realizó, sin delatar en ningún momento a sus secuaces, Streingimur entre ellos. Este último una vez que Kristofer esté embarcado, trata de beneficiarse de las circunstancias y de paso querer socavar a la mujer de Kristofer, la cual estando sola, y viéndose asaltada y amenazada por unos energúmenos, se siente débil y Streingimur le parece un buen hombro en el que llorar.

La película que en su primera mitad transcurre sin pena ni gloria, una vez la acción se sitúa en Rotterdam coge fuelle, se acelera, se vuelve más emocionante, para sin demora llevarnos a un adrenalínico final, donde Kristofer demuestra ser un tipo con recursos, con pegada y mucha inteligencia, como luego se verá, pues lo tiene todo muy bien pensado.

Desconozco el cine islandés, pero este thriller es una buena ventana a la que asomarse para conocer algo más de ese país, aunque sea en clave de trhiller.
El guión es obra de Arnaldur Indridason, ya conocido por estos lares, tras la publicación en España de sus libros, La mujer de verde y Las marismas.

El protagonista, Kristofer, es el actor Baltasar Kormákur, de origen hispano-islandés.

Ahora en los cines tenemos Contraband, que es el remake de Reykjavik-Rotterdam, dirigido por Baltasar Kormákur, protagonista y productor de la original.

Dirección: David Pinillos.
Países: España, Alemania y Suiza. Año: 2010.
Duración: 90 min.
Género: Drama, romance. Interpretación: Unax Ugalde (Daniel), Nora Tschirner (Hanna), Guilio Berruti (Hugo), Herbert Knaup (Thomas).
Guión: David Pinillos, Juan Carlos Rubio y Paco Cabezas.
Producción: Pedro Uriol. Música: Marcel Vaid.
Fotografía: Aitor Mantxola.
Montaje: Fernando Franco.
Diseño de producción: Mario Suances.
Vestuario: María Manchado

El joven Daniel se traslada a Zurich desde Bilbao, su ciudad natal, a trabajar en el restaurante de un prestigiso chef. Quiere progresar en lo suyo y de paso saldar cuentas con el pasado; sus padres están separados, y alcanzar notoriedad en la restauración es una manera tan buena como cualquier otra de demostrar a su padre que él es alguien.
Intimará prontamente Dnaiel con una de las empleadas en el restaurante, Hanna, la sumiller, una joven alemana que está manteniendo una relación con el chef, que dicho sea de paso está casado.

El trío lo completa el italiano Hugo, un apuesto mozo que ayudará a Daniel a encontrar su camino. Es Bon apetit, una tragicomedia sensible y emotiva, trazada con buen gusto y acierto. Los personajes se mueven perdidos en un laberinto amoroso, en un continuo te quiero, no te quiero, me gustas pero no lo suficiente como para compromoterme contigo. Uno se enamora de quien no conviene, de seres dispuestos a hacerte daño. Es ahí donde la película crece, lejos de los fogones, si bien estos representan su parcela de realidad; las ansias de medrar por parte de un joven con ambición, que busca estrellas, no en el firmamento, sino sobre el papel, en cualquiera de estas guías gastronómicas, que son biblias y haces de luz para mucha gente.

Acertada la pareja protagonista; tanto Unax Ugalde como Nora Tschirner están muy bien en sus papeles. Unax borda el papel de perdedor, desbordado ante las situaciones que vive, sin llegar a controlar apenas nada. Nora transmite fortaleza y debilidad, dan ganas de abrazarla y consolorla, pero también de bailar al son de su alegría, de su afable carácter.

Ahora que muchos jóvenes están saliendo de España forzados por las circunsntancias, a labrarse un porvenir, Bon Apetit, expone lo contrario; personas que se fueron buscando no saben muy bien qué allende sus fronteras, pero que más experimentados y curtidos, buscan en sus lugares de origen, la forma de buscarse la vida, de alcanzar esa armonía y equilibrio que es el trasunto realista de la felicidad.

Bon Apetit como una bomba lapa te hace polvo dentro al tiempo que la ves. Pero no hay sensiblería alguno. Prima el realismo y ahí es donde la película gana muchos más enteros.