Película: El legado de Bourne.
Título original: The Bourne legacy.
Dirección: Tony Gilroy.
País: USA.
Año: 2012.
Duración: 135 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Jeremy Renner (Aaron Cross), Rachel Weisz (Dra. Marta Shearing), Edward Norton (coronel Eric Byer), Joan Allen (Pamela Landy), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch), Oscar Isaac (Nº 3), Stacy Keach (almirante Turso), Scott Glenn (Ezra Kramer), David Strathairn (Noah Vosen), Donna Murphy (Dita). Guion: Tony Gilroy y Dan Gilroy; basado en la novela de Eric van Lustbader, inspirada a su vez en los personajes creados por Robert Ludlum.
Producción: Patrick Crowley, Frank Marshall, Ben Smith y Jeffrey M. Weiner. Música: James Newton Howard.
Fotografía: Robert Elswit.
Montaje: John Gilroy.
Diseño de producción: Kevin Thompson.
Vestuario: Shay Cunliffe

Me gustaban mucho más las películas que interpretaba Matt Damon. La saga Bourne sigue, pero pierde fuelle. El actor Jeremy Rener reemplaza a Damon. Ahora tenemos al agente Aaron Cross en lugar de a Bourne. Ambos comparten cualidades. Los dos está sobradamente preparados para sobrevivir desahogadamente en entornos volatiles y hostiles. A Aaron lo vemos en una región fría en la cresta de una montaña nevada. Enseguida nos enteramos de que lo están buscando, una agencia del Gobierno de los EEUU para darle pasaporte al más allá.

El Coronel Eric Byer es ese delfín blanco dispuesto a hacer cualquier cosa para preservar la seguridad nacional, eliminando a quien haga falta, enemigos y amigos, si estos saben cosas que no deben saber y menos aún propalar. Así que el programa en el que estuvo operativo Bourne va a ser desmantelado, y esto implica asesinar a todos los agentes. Aaron logra salvar el pellejo y para su supervivencia jugará un papel determinante unirse a la Dra. Marta Shearing, quien contralaba a los agentes como Aaron sin saber qué es lo que estos hacían ahí fuera. Cuando un compañero de la Doctora se líe a tiros en el laboratorio llevándose a cinco compañeros por delante, saltarán todas las alarmas y la Doctora se situará en el punto de mira. Debe ser eliminada. Lo cual no supondría ningún problema para los sicarios gubernamentales si no estuviera por allí rondando Aaron, que la salva, la rescata, la protege, la pasea y hasta le ofrece una vida en común. Ahí es nada.

La película resulta larga, convencional, previsible y en demasiados momentos tediosa. Sus más de dos horas dilatan en el tiempo sin necesidad una historia que no da demasiado de sí. Las películas de acción, como la que nos ocupa, deben ofrecer eso, acción, y se consigue en momentos muy determinados. Cuando tienen lugar las persecuciones en moto o coche, o las huidas corriendo por las calles de Manila, la película gana enteros. Cuando tratan de darle ciertas cargas de profundidad, la película pierde fuelle, y algunas secuencias como la de las pastillas de colores, parecen más propias de dos ancianos en una Residencia que de un Super Agente.

El Legado Bourne incorpora actores y actrices de peso como Edward Norton, Scott Glenn, David Strathairn y Rachel Weisz. Me resulta una maniobra para seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro. El resultado aporta momentos trepidantes, pero en conjunto resulta descafeinada, larga y tediosa.

Cuatro de las adolescentes más admiradas por los más jóvenes, procedentes de la factoría Disney, han rodado Spring Breakers. Lejos de ambientar la historia en un complejo universitario, o en un colegio con alumnas internas, donde irían uniformadas, aquí de lo que se trata es de mostrarlas en su estado más salvaje, carnal, sexy, dando cuerpo y sentido al término voluptuosidad.
A la sazón Vanessa Hudgens (24), Selena Gomez (20), Ashley Benson (23), Rachel Korine (27) salen en bikini y se corren buenas juergas. De esta manera todos aquellos jóvenes y no tan jovenes que desean y pretenden a estas chicas y sus fotos cuelgan de las paredes de sus cuartos o forran sus carpetas escolares, tendrán en Spring Breakers un objeto fílmico que estoy seguro les deparará un sinfín de alegrías, de todo tipo.
Cuando vea la película ya la criticaré.
De momento os dejo unas fotos de estas atractivas actrices que trabajan en la peli.

Título original Blade Runner
Año 1982
Duración 112 min.
País [Estados Unidos] Estados Unidos
Director Ridley Scott
Guión David Webb Peoples & Hampton Fancher (Novela: Philip K. Dick)
Música Vangelis
Fotografía Jordan Cronenweth
Reparto Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Brion James, Joe Turkel, M. Emmet Walsh, William Sanderson, James Hong, Morgan Paull, Hy Pyke
Productora Warner Bros. Pictures
Género Ciencia ficción. Acción | Neo-noir. Thriller futurista. Cyberpunk. Robots. Película de culto

Cuando afrontamos un clásico como Blade Runner, una pregunta que me viene en mente, sobre la cual reflexionar, es en qué medida esa película ha soportado el paso del tiempo con dignidad y va más allá de ser flor de un día, un producto cinematográfico contingente de escaso recorrido. Blade Runner ostenta, con razón, la categoría de clásico, moderno, pues data de 1982.

Hace unos días falleció Constantino Romero, quien puso voz en el doblaje al Nexus 6. El triste fallecimiento de uno de nuestros mejores dobladores, poseedor de una voz maravillosa, cargada de registros, me motivó a ver Blade Runner, la cual había visto hacía ya muchos años y de la cual recordaba mínimamente algunas secuencias.

Blade Runner posee un aliento poético e hipnótico a partes iguales. Mucho cine posterior ha copiado la atmósfera que se respira y rezuma por cada fotograma visto en Blade Runner, a saber, esas ciudades futuristas (resulta curioso ver la idea que algunos tenían acerca de como sería el futuro, cómo sería el mundo en el año 2019, año en el cual transcurre esta historia. A falta de 6 años, el mundo se ha tecnificado bastante, pero dista mucho de ser algo parecido a lo que vemos en Blade Runner, de momento el sol sale todos los días y a pesar de la crisis todavía no ha tenido lugar una revolución social que mande este mundo actual al fondo del mar), donde no se pone la luz del sol y todo transcurre en la oscuridad, bajo luces de neon, con edificios sin alma, en calles donde los humanos asemejan ratas de cloacas abocadas a vivir en el sumidero del presente. Sin luz no hay esperanza y la vida se consume en la oscuridad y en la penumbra.

Al contrario de lo que ocurre con otras producciones similares, Blade Runner no es nada ruidosa (a excepción de cuando acontences los asesinatos), ni caótica, más bien al contrario, pues posee una cierta cadencia que resulta balsámica. Hay muchos silencios y los personajes más que actúar miran a su alrededor extrañados, tratando de entender algo. Los diálogos son mínimos, pero con calado. La historia, a su vez no da demasiado de sí. No hay muchos personajes, ni muchas tramas o subtramas, sino que todo resulta claro y meridiano desde el comienzo, marcado por la sencillez.

Tyrell, un científico genial, ha creado unos androides, replicantes, con apariencia humana y duración limitada, de unos pocos años. Uno de ellos, Nexus 6, no se resigna a su suerte (La resignación es un suicidio cotidiano nos dijo Honoré de Balzac). Los replicantes comienzan a replicar sentimientos humanos y es el momento entonces de exterminarlos. Ahí entra en juego los Blade Runners, encargados de la bélica misión. Rick Deckard al mando. Pero Rick se enamorará de una replicante (el amor siempre tiene que estar en el aire, hablemos de ciencia ficción o no), aturdida, cuando toma conciencia de su naturaleza, al saber que sus recuerdos son implantes, algo falso, inoculado en su cerebro. Lo que sí es real es su capacidad para sentir y emocionarse.

Destaca la brillante fotografía azulada, que ilumina la penumbra interior de esos edificios en la oscuridad. Mención aparte, ya en las postrimerías, el mano a mano entre Rick y el Nexus 6, en la casa de Sebastian. La lluvia cayendo, el final próximo, la paloma buscando el cielo, las lágrimas, el último estertor. Un final memorable.

Título original: Fifty dead men walking. Dirección: Kari Skogland.
Países: Reino Unido y Canadá.
Año: 2008. Duración: 118 min.
Género: Thriller, drama.
Interpretación: Ben Kingsley (Fergus), Jim Sturgess (Martin), Kevin Zegers (Sean), Natalie Press (Lara), Rose McGowan (Grace), Tom Collins (Mickey), William Houston (Ray). Guión: Kari Skogland; inspirado en el libro de Martin McGartland y Nicholas Davies.
Producción: Peter La Terriere, Kari Skogland, Stephen Hegyes y Shawn Williamson.
Música: Ben Mink.
Fotografía: Jonathan Freeman.
Montaje: Jim Munro.
Diseño de producción: Eve Stewart.
Vestuario:
Stephanie Collie.

Martin es un joven irlandés que será reclutado por el Gobierno Británico para delatar a los miembros del IRA, grupo terrorista del cual logrará formar parte. Martin, no se ve seducido por las formas de actúar del IRA y trata de mantener la equidistancia tanto con los “torturadores” británicos, como con los “salvadores de la patria” irlandesese. Lo que detesta en todo caso es el uso de la violencia. Un sentimiento de rechazo y repulsa que se verá acrecentado cuando Martin sea padre, y comprenda que los adultos que el IRA asesina también son algunos padres, como lo es él.

En escena aparece Fergus, agente Británico, que tras analizar al detalle los movimientos de Martin llegará a la conclusión de que éste puede ser un buen topo, visto que no se deja seducir por el IRA (al menos en principio), como si sucede con su amigo de toda la vida.

Fergus, haciendo un buen uso de la psicología, logrará que Martin trabaje para él, una maniobra brillante, porque a medida que Martin intima con Fergus y su complicidad aumenta, Mickey, uno de los mandamases ve en Martin un joven inteligente, en quien confiarse. Esto ayudará mucho a Fergus, puers con los chivatazos de Martin, lograrán salvar vidas. Alrededor de 50 vidas. Las que dan título a la película.

La historia está narrada con solvencia, con algunas secuencias rodadas cámara en mano, que explicita bien la tensión que se vivió en aquellos años en el norte de Irlanda, dotándola de cierto nerviosismo y haciendo de lo visto algo vibrante y emocionante.

Martin a su edad, no tiene las cosas demasiado claras, no sabe tanto lo que le gusta, pero sí aquello que le disgusta. Así que no soporta los crímenes, asesinatos, bombas, torturas, ejecuciones. Pero comprobará que al tiempo que salva vidas, también lleva a la muerte a algún joven irlandés al que despacharán sin miramientos los hombres de Fergus. Daños colaterales, se llaman ahora.

Al elemento de suspense se suma el drama familiar, ya que Martin se ve obligado a dejar el hogar para realizar las acciones que le asignan Fergus o Mickey y entre uno y otro, su mujer verá como su hombre no está cuando lo necesita. Además lo ve con armas y piensa que forma parte del IRA. Sin comprender nunca lo que Martin es en esencia. Un traidor o un héroe, según se mire.

Los miembros del IRA se nos pintan como unos sanguinarios dispuestos a matar sin miramientos y los Británicos, la misma rala, pero engalanados con bonitos uniformes y trajes de tweed negro.

La película está basada en el libro que escribió Martin. Sí, amigos, Martin sobrevivió y tuvo que ponerse a cubierto porque como se ve en la películas, sobran los motivos para ir a por él y borrarlo del mapa.

Ben Kingsley es toda una garantía. Una película donde Kingsley sea el protagonista es casi imposible que sea una película mediocre. A su vera, Jim Sturgess, realiza un interpretación solvente. Lo veo y me parece estar viendo a Unax Ugalde.

50 hombres muertos es una película divertida, que juega con elementos del pasado, de la historia reciente de Irlanda, para desde una buscada equidistancia ideológica dejar que cada cual saque sus propias conclusiones acerca de lo visionado. Lo positivo, es que a día de hoy grupos terroritas como IRA o ETA pertenecen al pasado y las guerras se libran ahora en los Parlamentos, con papeletas en lugar de armas, por lo que irlandeses, británicos y españoles vivimos mucho más tranquilos.

Película: Operación E.
Dirección: Miguel Courtois Paternina.
Países: España y Francia.
Año: 2012.
Duración: 108 min.
Género: Drama, thriller, bélico.
Interpretación: Luis Tosar (José Crisanto), Martina García (Liliana).
Guion: Antonio Onetti; basado en un argumento de Ariel Zeïtoun.
Producción: Marisa Castelo, Ariel Zeitoun, Farruco Castromán, Cristina Zumárraga y Luis Tosar. Música: Thierry Westermeyer.
Fotografía: Josu Incháustegui.
Montaje: Jean-Paul Husson.
Dirección artística: Gonzalo Martínez.
Distribuidora: DeAPlaneta.

Después de ver el trepidante trailer de Operación E y sabedor de que en la película trabaja el que posiblemente junto a Javier Bardem sea el mejor actor español de todos los tiempos, hablo de Luis Tosar, tenía muchas ganas de ver esta película.

El trailer está muy bien. La película no tanto. En el trailer tenemos la ilusión de que vamos a ver una película trepidante, de hecho casi todas las imágenes que vemos son acciones en movimiento, donde vemos una avión, un helicóptero, coches, una bici, embarcaciones surcando un río, gente corriendo por la selva, etc. Esto nos hace pensar que la película será un no parar, un producto fílmico vibrante y apasionado. No es así. La película a la que le sobra un cuarto de hora, como poco, es espectacular sobre el papel. Pero la gracia, el busilis del asunto fílmico, está en conseguir que esa historia que tiene tan buena pinta, una historia que además está basada en hechos reales, llegue a golpear al espectador, a cogerlo por las solapas y no soltarlo hasta el final.

El problema del film es que o te implicas emocionalmente desde el comienzo con las penurias que sufre José Crisanto y los suyos, o sino, todo cuanto se ve te resbala.
José Crisanto, vive en Colombia, en la selva, junto a su mujer y sus muchos hijos. Los paramilitares les hicieron la vida imposible y ahora la tierra en la que moran está en manos de las FARC. A este grupo terrorista José debe venderles la coca que siembra a precio de saldo y debe luchar, jugándose el tipo, para que sus dos hijos mayores, ni siquiera adolescentes, no sean reclutados, a la fuerza, por la Guerrilla.

Un buen día, una de las mujeres que tienen secuestradas las FARC, da a luz, y a José y a su familia, le encomiendan la misión de salvar la vida del recién nacido. En medio de la selva, sin medicamentos y casi a la intemperie, los problemas crecen y se magnifican. Al final deben dejar la selva y buscar resguardo en la ciudad, donde encontraran algo de paz, una vez que el pequeño sea entregado a los servicios sociales y dado en adopción. El problema vendrá cuando las FARC quieren recuperar al crío, para usarlo como elemento de canje en las negociaciones que el entonces presidente Colombiano, Álvaro Uribe, está llevando a cabo con las FARC.

Echo en falta más ritmo y mayor hondura en la historia, la cual da muy poco de sí. Lo mejor, sin duda, es la interpretación de Luis Tosar. Más allá de medir en qué grado Tosar es capaz de parlar en Colombiano, su cara lo dice todo, y una de sus miradas es capaz de expresar toda la rabia, frustración y desesperanza que atraviesa en esa peripecia vital, que encima acaba mal.

Al parecer, a la hora de rodar esta película era condición imprescindible por parte de los productores, que el actor fuera español. Y ahí surgió Tosar, todo un acierto.

Película: De dioses y hombres. Título original: Des hommes et des dieux.
Dirección: Xavier Beauvois.
País: Francia. Año: 2010.
Duración: 120 min. Género: Drama.
Interpretación: Lambert Wilson (Christian), Michael Lonsdale (Luc), Jacques Herlin (Amédée), Philippe Laudenbach (Célestin), Xavier Maly (Michel), Loïc Pichon (Jean-Pierre), Olivier Rabourdin (Christophe), Jean-Marie Frin (Paul), Olivier Perrier (Bruno).
Guion: Xavier Beauvois y Etienne Comar.
Producción: Martine Cassinelli y Frantz Richard.
Fotografía: Caroline Champetier.
Montaje: Marie-Julie Maille.
Diseño de producción: Michel Barthelemy. Vestuario: Marielle Robaut.

De Dioses y hombres entra dentro de ese grupo de películas imprescindibles que es necesario ver se quiera o no. A priori el argumento no parece muy atrayente. Un grupo de monjes cistercienses viven en 1996 en Tibhirine (Argelia), integrados en la zona, conviviendo pacificamente con los musulmanes que los rodean, cuando debido a tensiones políticas, unos integristas, metralletas en ristre, merodearán por el lugar y siendo unos terroristas yihadistas y los otros religiosos católicos no hay que ser un lumbreras para imaginar cómo va a acabar todo aquello: como el Rosario de la Aurora.

La historia está basada en hechos reales.

Lo que más me ha fascinado es que siendo uno no creyente, una historia que tiene por protagonistas a unos religiosos me haya atraído tanto. El caso es que esos religiosos son personas volcadas y entregadas a los demás, ese tipo de personas que hacen el mundo mejor, empezando por los que viven en él. En momentos duros que quien te ayude o haga tu vida más fácil o menos dolorosa, lleve o no hábito es irrelevante. Así, este puñado de seres humanos de distintas etnias, creencias y religiones se mueven por códigos de respeto, tolerancia y solidaridad recíproca.

Los religiosos se interesarán por la cultura presente en el país que pisan, por conocer el Corán, por tender puentes entre las distintas culturas y religiones que tienen demasiadas cosas en común como para obviarlas.

Ese mensaje de paz, convivencia y fraternidad que flota en el aire, es el que impregna toda la película. El martirio al que los religiosos se ven abocados, voluntariamente, pues deciden todos ellos permanecer en el convento y que ocurra lo que Dios quiera, resulta desgarrador, pero sin sentimentalismos.

Cada uno trata de convercerse a sí mismo de que lo que hacen es lo correcto, que huir no es la solución, que morir es la última renuncia, pero todo lo anterior no quita para estos hombres que no son Dioses duden, recelen, lloren, se entristezcan y se aflijan y que sus caras sean un poema trágico cuando suene El Lago de los cisnes de Tchaikovsky..

Surgen un montón de preguntas por parte de los monjes acerca del valor o del sentido que tiene el martirio, y el sacrificio, para qué sirve entregar una vida sin luchar, sin oponer, y ese alma incendiada de dudas y temores tratará de ser sofocada a través de la razón teológica, tratando de dejar de lado esos afanes corpóreos para ser sólo espíritu, concepto, idea.

Muertes que serían tan límpidas y níveas como las vidas que les han precedido.

Los actores brillan todos a tal nivel que uno no tiene la sensación de ver a alguien actúar, sino visionar fragmentos del alma humana, puestos ante nuestros ojos para nuestro gozo y disfrute. La labor de los actores Lambert Wilson (Christian), Michael Lonsdale (Luc) entra dentro de lo sublime.

Una película desgarradora, humanista y maravillosa.

Director: Jonás Trueba
Género: Drama
Año: 2012
Distribuidora: sin especificar
Duración: 94 minutos
Nacionalidad: España
Calificación:España NR < 7 años
Elenco: Francesco Carril , Aura Garrido , Vito Sanz , Mikele Urroz

He visto la última pelicula de Jonás Trueba en la plataforma Filmin. Leí también algo sobre ella antes de su estreno en la revista Cuadernos de Cine. Hablamos de cine minoritario que no invisible. Jonás y su equipo han hecho esta película a tirones, sumando momentos en los que se podía juntar el equipo técnico y los actores para rodar unos minutos.
Finalmente, la película que no ha contado con apoyo institucional o subvención alguna, ha visto la luz.

Está rodada en blanco y negro y está ambientada en Madrid, en concreto en el barrio de Antón Martín.

Como sucede con la pintura o la escultura el artista tiene algo en su mente, que una vez plasmado, a menudo no conecta con su público, que no entiende aquello que el artista tenía en su mente. En el cine está todo más standarizado y trillado y hay unos códigos que hacen asumible el cine que ruedan la mayoría de los directores que asoman sus producciones a las carteleras.

Jonás después de rodar Todas las canciones hablan de mí, que ya apuntaba cierta tendencia a salirse del redil, apuesta en Los Ilusos por algo mucho más radical. De hecho la película no parece que vaya a estrenarse en cines, sino en pequeñas salas (Matadero en Madrid por ejemplo). Luego supongo que irá por las Filmotecas, Circulos de Bellas Artes y otros ambientes de esta guisa.

Es difícil responder a la pregunta acerca de cúal es la trama o el argumento de la película.

Después de verla tengo la sensación que uno a veces experimenta después de pegarte un viaje maravilloso y luego al contárselo a alguien, darte cuenta de que tu viaje, contado, es aburrido a más no poder, y dista mucho de la experiencia vivida, que ha sido enriquecedora a más no poder.
Así tras ver Los Ilusos, como espectador me siento defraudado. Percibo que Jonás y sus amigos de profesión se lo han pasado genial, han cumplido un sueño, han sido capaces de rodar una película sin ningún apoyo económico, moviéndose en otros términos que van más allá de lo crematístico y ahora cualquier parabien que pueda recibir su película (o esas charlas que acompañarán a las proyección de la misma) será recibido con suma satisfación, porque han empeñado en todo caso su tiempo y su ilusión, y uno percibe además que una experiencia como esta, en la que han visto embarcados durante estos dos años les ha sido provechosa a todos ellos. Al espectador, no tanto.

La película se plantea como un homenaje al cine, y a aquellos que lo hacen, desde sus respectivas profesiones, y vemos cómo ocupan el tiempo en esos lapsos en los que no se rueda, mientras la vida fluye a su alrededor. Hay planos cenitales, primeros planos, fundidos en negro, niños frente a la cámara o agarrando un micro, un grupo (El hijo) tocando un canción enterita en el salón de una cosa, un homenaje al cine mudo, un repaso a esos cines Madrileños que van camino de desaparecer. Sale por allí Rebollo, claquetas dando paso a la grabación, cintas de VHS que acaban en los contenedores y unos jóvenes que me temo sólo se representan a ellos mismos, que viven en piso céntricos, ellos solos, que cortejan a sus amantes en Librerías-Cafés (esas que en Logroño brillan por su ausencia. ¿Por qué en lugar de tantas tiendas de chucherías, de Compro Oro o fruterías, alguien se anima y monta en la capital Riojana algo parecido a Tipos Infames, donde podemos leer un buen libro al tiempo que nos ventilamos un copazo de buen vino?) y luego las rematan con una película en una filmoteca, donde uno sale sin haber entendido nada de cuanto ha visto, mientras comen sólos leyendo libros de Vila-Matas, o novelas que versan sobre temas tan alegres como El Suicidio y que antes de echar un polvo, practican su particular eucaristía recitando en voz alta poesías de poetas nihilistas que le quitan a uno las ganas de echar un polvo, para acabar pidiendo perdón por estar vivo, y lo que es peor, coleando.

El arte o remueve y sugiere o no es arte, es entretenimiento.
En este caso ni una cosa, ni la otra.

Película: El muerto y ser feliz. Dirección: Javier Rebollo.
Países: España, Argentina y Francia.
Año: 2012. Duración: 94 min.
Género: Comedia negra.
Interpretación: José Sacristán (Santos), Roxana Blanco (Érika), Valeria Alonso, Jorge Jellinek, Lisa Caligaris (Alejandra), Fermí Reixach (Santiago), Vicky Peña, Carlos Lecuona.
Guion: Lola Mayo, Javier Rebollo y Salvador Roselli.
Producción: José Nolla, Lola Mayo, Damián París y Luis Miñarro. Fotografía: Santiago Racaj. Montaje: Ángel Hernández Zoido.
Dirección artística: Miguel Ángel Rebollo.
Vestuario: Marisa Urruti.

Quien busque una película alegre, divertida, personajes simpáticos y ufanos, parajes paradisiacos, diálogos trillados, encuadres perfectos, una fotografía deliciosa, le recomiendo que no vea El muerto y ser féliz.

El muerto al hoyo y el vivo a ver las películas de Rebollo.

Rebollo es director de cine. Lo descubrí con La mujer sin piano. Si la has visto sabrás que Rebollo es especial, que para él, el cine es otra cosa, a lo que significa para el público y para otros muchos directores. Así que o te gusta y te magnetiza o te echa de su lado sin remisión. A mí me ha enganchado. Y me apetece hablar de El muerto y ser feliz porque me ha gustado mucho.

La película es más rara que un perro verde, eso de entrada. Comienza con un señor en un parque, enfocado desde arriba, reducido casi al tamaño de un playmobil, mientras una vez en off nos va narrando lo que sucede. Que una mujer se acerca al caballero para darle morfina.

El caballero de la triste figura no es otro que Santos, quien va camino de palmarla porque en su cuerpo moran tres tumores diferentes. Santos ha sido asesino profesional. Recibe un encargo que no lleva a buen puerto. Y decide poner tierra por miedo.

Estamos en Argentina. Un país que habida cuenta de su extensión es ideal para pergeñar algo parecido a una road-movie.
En una gasolinera, una mujer, Érika, se introduce en el auto, en su asiento trasero. Se baja, se va caminando, es renga, es coja. Luego Santos la acoge en su auto, en su seno, en su vida. Así, casualmente, sin comerlo ni beberlo, Santos que va camino de su extinción y Érika que sólo quiere huir, se abrazan en un recorrido de casi 5000 km por carreteras argentinas, al tiempo que se van conociendo. Un conocimiento respectivo, sútil e inteligente, con unos diálogos y situaciones de las que solo Rebollo es capaz de crear.

Sacristan se muestra patético. Lo vemos apalizado, fofo, desnudo, derrumbado, socavado, en las últimas. A su lado la gran actriz Roxana Blanco (maravillosa en La demora), cuya cara de tristeza y aflicción, te empapa el ánimo como una mortaja. Y así a lo tonto, van pasando los minutos, los kilómetros, la vida, registrado con una fotografía arenosa, sucia, surcando caminos de tierra, poblaciones dejadas de la mano de Dios, donde la gente vive y canta y festeja.

Respecto a la voz en off, es obra de Lola Mayo y Rebollo, los guionistas de la película. Si al principio nos ensanchan lo que vemos y anticipan lo que va a pasar o está pasando al final esa voz en off está tan perdida como todos los demás y ya no logra interpretar ni anticipar nada, porque la sombra acaba anticipando al cuerpo.

El muerto y ser feliz una obra arriesgada, singular, original, creativa y bella.

Película: Lo imposible. Título original: The impossible. Dirección: J.A. Bayona.
Países: España. Año: 2012. Duración: 107 min. Género: Drama.
Interpretación: Naomi Watts (María), Ewan McGregor (Henry), Tom Holland (Lucas), Samuel Joslin (Thomas), Oaklee Pendergast (Simon), Marta Etura (Simone), Sönke Möhring (Karl), Geraldine Chaplin (mujer mayor). Guion: Sergio S. Sánchez, basado en un argumento de María Belón.
Producción: Belén Atienza, Álvaro Augustín, Enrique López Lavigne y Ghislain Barrois. Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Óscar Faura.
Montaje: Elena Ruiz y Bernat Vilaplana.
Diseño de producción: Eugenio Caballero.
Vestuario: Sparka Lee Hall, Anna Bingemann y María Reyes.

Llevaba yo un tiempo con la burra a vueltas, tratando de ver esta película, la cual de entrada, decir que no me llamaba mucho la atención.
Al final, amigos, hay películas que por A o por B, acabas viendo.
Ayer le llegó la hora a Lo imposible, de J.A Bayona, que tras el exitazo de El Orfanato, asumió dirigir Lo imposible, en la cual recrear los efectos del tsunami acaecido en Tailandia en el año 2004.
Allí, en Tailandia, están de vacaciones, pasando la navidad, una pareja con sus tres hijos, cuando de repente, ven que todo vibra, y sin poder oponer la menor resistencia, el infierno, en forma de masa de agua imparable, un tsunami, barrerá del litoral todo cuanto pilla a su paso.
María y Lucas consiguen sobrevivir milagrosamente. Ella irá al hospital junto a su hijo, ileso. Una vez allí Lucas se afana en encontrar datos que confirmen si el resto de su familia: su padre y sus dos hermanos pequeños están vivos.

Lo imposible, o mejor, lo increíble, o Lo insufrible, es que ante un tsunami, los cinco miembros de una familia sobrevivan, máxime cuando dos de ellos eran niños de muy corta edad. Así que Lucas por un lado y Henry por otro tratan de encontrarse, en aquel caos, sin saber ninguno sin el resto de la familia ha sobrevido ha sido pasto del océano. Los damnificados son trasladados a hospitales, y es difícil encontrar a las personas queridas, ni fisicamente, ni tampoco en esos folios que registran a los muertos y heridos.

Al verla tengo la sensación de que la historia que es sobrecogedora, pero que no da mucho de sí. Lo que sucedió fue milagroso, pero la película es muy floja. Cuenta con escenas espectaculares, como la del tsunami, que se lleva la palma, sin discusión, pero el resto de la historia languidece sin remisión, con un guión infumable, para revivir y hacernos aflojar el lagrimal con el reencuentro familiar, para luego verlos a los cinco dejar el país -un barco que se hunde- a lomos de un jet privado que los ponga a buen recaudo.

Lo imposible ha sido un pelotazo en las taquillas. En España ha arrasado como un tsunami y en otros países parecido. Como producto palomitero, sin pretensión alguna, tiene un paso. Quien tenga miras más altas y trate de alimentar su espíritu de alimentos más proteicos, Una pistola en cada mano o El Muerto y ser féliz, son dos propuestas (hay muchas más), que amen de singulares y arriesgadas, dan medida del espíritu humano, no en cuanto a su instinto de supervivencia, que nos empareja a los animales, sino en cuanto a nuestra capacidad para crear.

Película: Una pistola en cada mano. Dirección: Cesc Gay. País: España.
Año: 2012.
Duración: 95 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Ricardo Darín (G.), Luis Tosar (L.), Javier Cámara (S.), Eduard Fernández (E.), Eduardo Noriega (P.), Leonardo Sbaraglia (J.), Alberto San Juan (A.), Jordi Mollà (M.), Candela Peña (Mamen), Cayetana Guillén Cuervo (Sara), Leonor Watling (María), Clara Segura (Elena).
Guion: Cesc Gay y Tomás Araguay. Producción: Marta Esteban.
Música: Jordi Prats.
Fotografía: Andreu Rebés.

Cesc Gay recurre de nuevo a una historia coral, donde se suceden un puñado de historias que no dejan indiferente al espectador. O no deberían, porque el gran acierto de esta producción son los diálogos, muy pegados a la realidad y creíbles. La película se estructura con seis secuencias de unos quince minutos cada una, donde se irán tocando distintos asuntos, poniendo de relieve el alma humana, dado que aquí la crisis y otros temas cremastísticos no existen o no son el busilis de la historia. Lo relevante son los afanes, traumas, devaneos, amores y desamores en los que se nos escurre la vida. Así tenemos a cuarentones que deben volver al hogar materno al verse si trabajo, otros a quienes les sonríe la vida en lo familiar pero recurren al psicólogo para ser así capaces de afrontar tanta dicha, hay quien sufre una disfunción eréctil, otro que trata de afrontar la cornamenta que le endosa su mujer con galantería, el que de cara a la galería es modélico y menos buenico entre las cuatro paredes de su hogar, hombres que quieren volver a la que era su vida anterior antes de tener una aventura, otros a quienes con hijos recién nacidos y otro en camino se les arremolina la sangre en la entrepuerta buscando rolletes en las oficinas con las que desfogarse.

Cesc Gay reúne un plantel de lujo, actores como Luis Tosar, Eduard Fernández, Leonardo Sberaglia, Ricardo Darín, Alberto San Juán, Javier Cámara, Jordi Mollá y actrices como Leonor Watling, Cayetana Guillén Cuervo o Candela Peña.

Unos están estupendos como Eduard Fernández, Darín, Cámara, Peña, Clara Segura y otros no tanto como Mollá o Sbaraglia, pero en conjunto casi todos brillan a una gran altura. La fuerza de los diálogos es demoledora, y la pantalla se convierte en un espejo del que extraer nuestro vivo reflejo, porque en mayor o medida es imposible no identificarse con lo que vemos.

Al final queda claro que los hombres además de primarios, valga la redundancia, mascamos nuestra tragedia en soledad, sin aliviar nuestro dolor en otras amistades (como si las charlas no pudieran ir más allá del fútbol, de las mujeres ajenas, de las relaciones de los demás y de otros temas que nos devuelvan a las cavernas), mientras que las mujeres lo hablan todo entre ellas.

Una película española inteligente, interesante y moderna.