Dos días una noche (Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne 2014)

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Los hermanos Dardenne siguen metiendo una y otra vez el dedo en la llaga con cada una de las películas que realizan. Cine social, respaldado unánimemente tanto por la crítica como por el público.

En esta ocasión la pregunta que nos plantean es. ¿Estarías dispuesto a renunciar en tu trabajo a un bono de 1.000 euros a cambio de que una compañera de trabajo, que está a punto de ser despedida, mantuviera su puesto de trabajo?.
La empresa es una PYME, no una multinacional deshumanizada e impersonal, sino una empresa familiar donde para bien o para mal se conocen todos.

La empresa la integran 16 empleados, 17 contando a la protagonista, Sandra. La cual recibe el viernes la noticia de que va a ser despedida, tras una votación realizada, en la que la mayoría de sus compañeros han optado por el bono.
Tras insistir a su jefe, éste accede a realizar una nueva votación, secreta, el lunes, de tal modo que si una mayoría quiere que Sandra permanezca,renunciando al bono, él acatará la decisión.

Sandra dispone entonces de todo el fin de semana para visitar a todos sus compañeros y compañeras de trabajo, de muchos de los cuales no sabe donde viven y cuya dirección debe buscar en la guía telefónica o bien lograr las direcciones a través de otros compañeros, en un carrera frenética contra el reloj.

El problema es que Sandra acaba de salir de una baja de varios meses por depresión y sus jefes han llegado a la conclusión de que se puede hacer el mismo trabajo con 16 personas (aunque sea preciso recurrir a alguna hora extra) que con 17 y que por tanto no les es necesaria (no olvidemos que para cualquier empresa, grande o pequeña, la contratación de personal y el gasto que acarrea es un mal mayor, de ahí que se traten de ajustar las plantillas al máximo)

Gracias a la ayuda del marido de Sandra (ayuda ofrecida en parte de forma interesada, en cuanto que vivir únicamente con el sueldo de él les obligaría a dejar la casa y volver a una vivienda social y en parte desinteresada, fruto del amor que siente por su mujer y la necesidad de verla restablecida, útil, valiente, animosa), ésta encuentra en su interior la determinación y el empuje necesario para dar la cara, aunque se la partan, yendo al encuentro de sus compañeros de trabajo, fuera del recinto físico donde conviven varias horas al día.

Sandra baja la calle, coge el autobús y va al encuentro de ellos en sus domicilios, en la calle, en los lugares donde trabajan de forma clandestina, en canchas de fútbol donde ejercen como entrenadores, en lavanderías del barrio, en zonas periféricas, y una vez allí, cara a cara, les pedirá mirándoles a los ojos, con un nudo en la garganta, que renuncien al bono a cambio de que ella no pierda su puesto de trabajo.
Situación que para los interpelados va mucho más allá de dar un sí o un no, o un ya me lo pensaré como respuesta, porque esa decisión adoptada, tendrá una trascendencia, porque esa respuesta es algo que los definirá como seres humanos, que los hará sentirse orgullosos o viles, donde habrán de poner en claro qué es lo importante en este asunto, si lo humano, si lo crematístico o incluso lo divino, porque hay quien tomará su decisión en base a sus creencias religiosas, encaminadas al buen proceder, a seguir el camino de la justicia, de lo que considera cada cual como correcto.
Una pregunta cuya respuesta no es fácil, ya que el sí o el no, no es algo objetivo, dado que la respuesta de cada uno está en función, depende, de quién es la persona que se va a la calle, de quien es la persona que te pide que hagas ese esfuerzo económicos. Para unos Sandra, es un compañera de trabajo y nada más. No sienten pues ninguna relación especial con ella e incluso hay quien la ve como una jeta, la cual tras estar de baja por depresión (enfermedad que suscita muchas suspicacias en terceras personas), ahora les pide que renuncien a un dinero a cambio de su permanencia, cuando ésta ni les va ni les viene. En otros casos, votar por ella le supondría al votante (con pocos meses en la empresa) que la renovación de su contrato estuviera en el aire en el futuro, y también hay historias de fondo, de solidaridad laboral pretérita, donde Sandra arriesgó entonces su puesto por defender a a un compañero, que ahora tiene la oportunidad de devolverle el favor, para no caer muerto de la vergüenza. Como se verá, la decisión de cada uno, ya no es una cuestión de dinero o no, pues todos mantienen un estatus laboral y económico precario (clase media-baja), y excusas para negarse siempre encontrarán, tantas como para ayudar a Sandra.

Sandra lucha con coraje por su puesto de trabajo, por su dignidad, pero a su vez tiene la sensación de que esto que hace no es otra cosa que mendigar, que si la gente la apoya, es por compasión, por pena, solidarizándose con su desgracia y desamparo.

La película rehuye lo maniqueo y es todo lo compleja que se quiera, tratando de abarcar en su galería de personajes, tantas situaciones como pueden darse en la realidad, rehuyendo también de lo sentimental, lo que no impide que Sandra no pueda menos que llorar a cada rato, dudando de sí misma, encontrando no obstante la fuerza para pelear, para luchar, para dar la cara y no esconderse, ni huir y anularse bajo la ingesta de pastillas, para hacer valer su dignidad (eso que nos caracteriza y ennoblece), y ahí la película es inapelable, potente, bella y necesaria.

Si Sandra consigue mantener después de su periplo de fin de semana, de su vía crucis particular, su puesto de trabajo o no, llegado el caso, no importará, no será determinante.

Sandra supera (o va camino de superarla) la depresión gracias a la confianza que encuentra en su interior para plantar cara (o mirar a los ojos) a sus compañeros, a su jefe, para defender sus convicciones y su puesto de trabajo, para en definitiva (!menudo final!) ser consecuente de sus actos u omisiones.

Marion Cotillard

Marion Cotillard

Marion Cotillard deja el star-system americano, vuelve a la patria gala, se pone el mono de faena, se mete en el papel de lleno y borda su interpretación. La película es sobresaliente entre otras cosas gracias a su natural, espontánea y sentida interpretación, la cual no puede ser más veraz, intensa y creíble. Sandra, es ya, por derecho propio, una heroína moderna.

No tenéis excusas para no verla. O sí, pero de todas modos, verla.

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Annabelle (John R. Leonetti 2014)

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La capacidad de sorpresa del espectador ante el visionado de esta película es mínima y viene además condicionada porque no hace falta ser un lince para imaginar lo que le va a pasar a la pareja protagonista, una vez que una muñeca diabólica entre en su hogar, para hacerles pasar un infierno en la tierra.

La mujer, Mia, hace colección de muñecas y hay una que se le resiste, hasta que al final su esforzado marido, John, consigue (!en qué hora!) hacerse con la misma y comprársela a su esposa, que no cabe de gozo ante semejante presente.

La noche del regalo, una pareja de vecinos, sufren una crisis nerviosa y a punto están de acabar con nuestra pareja protagonista. La vecina antes de morir deja algo de sangre en la muñeca. Sí, amigos, de esta manera, el diablo pasa a formar parte de la muñeca, porque la pareja vecinal, para más señas, estaba practicando un rito satánico.

A partir de ese momento Mia las pasará putas, para entendernos. Su marido es médico y por tanto no le ve el pelo, al pasar éste todo el santo día en el hospital. Además Mía está embarazada y con el ataque de los vecinos satánicos, cuchillada incluida, a un tris está de abortar. Tras ese espantoso acontecimiento deciden mudarse de casa. ¿Se solucionarán así todos sus males?. No.

La muñeca, la cual había ido a parar a un contenedor, aparece milagrosamente, en el fondo de una caja, cuando hacen la mudanza. La pesadilla, pues, sigue. Y cuando tengan al niño, Mía sufrirá por ella y por su retoño, en un inmueble que resulta muy bonito, rococó, con un vestíbulo muy elegante, pero que a su vez está dotado de todos esos elementos que acojonarían al más templado: ascensores añosos cuyos botones no atienden a nuestra petición, luces tremolantes que fallan cuando más las necesitamos prendidas, calderas y calefactores que emiten ruidos quejumbrosos y fantasmales, y sótanos tenebrosos y espectrales a los que no bajaría uno ni por todo el oro del mundo.

Pasan a formar parte y enriquecer la historia un cura, que ve todo aquello como algo tan sencillo de explicar cómo que la muñeca es diabólica, y decide llevársela del hogar para exorcizarla y una mujer negra, que tiene una librería y está llamada a cumplir un gran sacrificio catártico, como se verá (si lográis acabarla y no os vais por la pata abajo antes de su conclusión).

annabelle

La cara de la muñeca acojona, sí, cuando Mía baja al sotano y no puede subir, la escena chorrea adrenalina, pero salvo ese par de detalles, el resto es tan manido y convencional que se da la paradoja que al tiempo que ves la película, te aterrorizas y te duermes al mismo tiempo, y mientras siesteas y cabeceas, ves muñecas diabólicas que se parecen mucho a las de la pantalla.

Si vais al cine a verla, no hagáis como en Francia y la liéis parda. Ser buenos y ejemplares, por amor de Dios, que para conductas diabólicas ya está la muñeca de marras.

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Blake Lively (LA 1987)

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La actriz Blake Lively de 27 años se hizo popular gracias a la serie Gossip Girl en pantalla desde el 2007 hasta el 2012.

La pudimos ver luego en la película de ciencia ficción La linterna verde y En ciudad de ladrones, pero la pelicula que la hizo todavía más popular fue la frenética y muy recomendable Salvajes de Oliver Stone, donde rezumaba sensualidad.

Ha trajado como modelo para firmas de élite como Chanel o Gucci.

Salió un tiempo con el actor Leonardo di Caprio, pero encontró el amor junto al actor Ryan Reynolds (Buried), a quien conoció rodando La linterna verde y de quien está esperando un hijo, a sus 27 años.

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Schutzengel (Til Schweiger 2012)

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Schutzengel

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El actor Til Schweiger (os sonará de haberlo visto en Malditos Bastardos) dirige y guioniza Schutzengel, película que se estrenó con éxito en su país de origen, Alemania, en 2012. Anteriormente Til Schweiger, con la comedia, Kokowääh coronó la taquilla durante cinco semanas consecutivas y terminó siendo la película alemana más taquillera de 2011, con más de 4.315.000 entradas vendidas. Además os interesará saber que en 2013 se estrenó Kokowääh 2.

Schutzengel no es un comedia, más bien un thriller trepidante.

El protagonista, el actor Til Schweiger, da vida a Max, un soldado retirado a quien le asignan la misión de proteger la vida de una adolescente llamada Nina (interpretada por su hija Luna Schweiger), convertida en testigo protegido, al visionar un asesinato en el que está implicado Henri, un multimillonario dedicado al tráfico de armas, a quien no se le pone nada por delante, comprando o acallando cuantas voluntades sean necesarias, para cumplir sus objetivos.

Max se toma la custodia de Nina como algo personal e irá matando a cuantos malotes se pongan en su camino. En su huida se esconden en casa de Rudi, amigo de Max, también militar en su día, a quien le faltan las piernas, y a quien Rudi le debe la vida. En casa de Rudi se producirá de nuevo una balacera, que el director escenifica a cámara lenta, al ralentí, mientras los cascotes van cayendo al suelo, como si se tratara de algo artístico.

Nina necesita insulina para no entrar en shock, mientras que Max no sabe en quién puede confiar, pues los tentáculos de Henri llegan a todas partes.

Las dos horas y cuarto de metraje de la película me resultan excesivos, porque la historia no da mucho de sí y enseguida resulta reiterativa, además no hay mucho que contar, más allá de escenificar la lucha por la supervivencia de cualquier ser humano, el afán de Max por proteger a una víctima inocente, exaltar los valores de la amistad (entre Max y Rudi), o entre Max y Nina quien por primera vez en la vida (una vida vivida hasta entonces sin cariño, en orfanatos de mala muerte) es feliz e incluso la posibilidad real al final para Max de dejar su vida como soldado y rehacerla en Reino Unido junto a Sara la mujer que ama.

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Entre medias, el director suelta algún pullazo en contra de los agentes de policía y el trato que estos dan a sus compañeras de cuerpo o plasma la prepotencia y el poder que ostentan ciertos empresarios sin escrúpulos, en connivencia con las más altas instancias policiales.

Un happy end complaciente y optimista, convierte todo lo anterior visto, en un cuento de hadas, donde prevalece el amor y la posibilidad de enmienda sobre las armas.

Resumiendo, que la vida puede ser maravillosa, la película no lo es tanto.

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Stella cadente (Luis Miñarro 2014)

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Stella cadente o candente es la primera película de ficción de Lluis Miñarro.

Luis Miñarro es un productor que se ha caracterizado durante todos estos años por sacar adelante películas raras, singulares, extrañas, que encuentran difícil acomodo entre el gran público, y que de no existir tipos como él, serían abortos de películas cogiendo polvo en algún cajón. Películas como cuales os preguntaréis. Ahí van: Honor de cavallería, El muerto y ser feliz, En la ciudad de Sylvia, entre otras muchas.

Decía antes lo de candente porque la película muestra algunas cuantas escenas subidas de tono, como pueden ser unos planos frontales de un pene, un encuentro homosexual, o la masturbación que el secretario de Amadeo lleva a cabo con un melón, que luego irá a parar a la mesa del Rey.

La película es una visión muy particular de lo que pudo ser el reinado de Amadeo de Saboya, que para los menos doctos en Historia, decir que fue rey de España entre 1871 y 1873.
Amadeo llega a España después de que fuera expulsada del trono Isabel II, avalado por el General Prim, el cual poco después sería asesinado. Se inicia la película con la insistencia de Amadeo de ir a ver el cadáver de su valedor. Amadeo llega con muchos planes de futuro, pero las circunstancias mandan y al poco lo vemos enclaustrado entre los muros del castillo, sin salir apenas al exterior, acompañado de su secretario, abatido, triste, aislado, melancólico, luchando contra gigantes, unos gigantes que vendría a ser la idiosincracia de los españoles, a los cuales es difícil o imposible gobernar, afanados estos en guerras intestinas, entre republicanos y monárquicos, en años convulsos en los que Amadeo como Rey, veía sus funciones regias reducidas a firmar los documentos que le ponían sobre la mesa, sin lograr sacar adelante ninguna de las brillantes ideas que tenía en la cabeza a su llegada.

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A fin de aliviar su soledad vendrá de visita de Italia María Victoria, su mujer, la cual se irá descorazonada, poco después, al comprobar el estado de postración en el que se halla su marido, sin capacidad de respuesta, triste ella, al ver a su hombre convertido en un títere de la Historia.

El actor que da vida a Amadeo (la stella cadente del título, esa estrella fugaz) es Alex Brendemühl, especializado en papeles rarunos, brillante en la piel de Amadeo, pues transmite bien su desubicación, su tristeza e impotencia ante lo que le rodea y condiciona su reinado. En papeles menores Lola Dueñas y Bárbara Lennie, como amante y esposa, respectivamente, de Amadeo.

La película es un cajón de sastre donde se mezcla lo histórico decimonónico, con otras escenas eróticas voluptuosas, con momentos pop musicales, con declamaciones teatrales, con fotogramas pictóricos (algunos fotogramas son óleos audiovisuales).

Todo esto como espectador te puede descolocar al salirse Miñarro de lo convencional, pero al mismo tiempo reverdece y oxigena nuestro cine, por lo que tiene de arriesgado, de singular, de independiente, aventurándose por otros caminos, por otras maneras de trabajar la imagen y el texto.

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Megan Montaner (Huesca, 1987)

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Megan Montaner

Nos rendimos ante el encanto y belleza de la joven actriz Megan Montaner. Comenzó actuando en series de televisión como La pecera de Eva, Amar es para siempre, El Secreto de Puente Viejo, Gran Hotel o Sin identidad.

Ahora tiene en cartelera Dioses y perros (con Hugo Silva) y pendiente de estreno Por un puñado de besos de David Menkes. Le auguramos un brillante futuro en esta profesión, una actriz, Megan Montaner a tener muy en cuenta a tenor de las interpretaciones tan notables que viene realizando. Creo que va camino de convertirse en la nueva Penélope Cruz (considerada por la revista Esquire la mujer más sexy del mundo)

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10.000 noches en cualquier parte (Ramón Salazar 2013)

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Leía recientemente el ensayo de Gasset, La deshumanización del arte, y su concepto del goce artístico, cuando el arte, va más allá de representar la realidad, para ofrecer otra cosa. Viendo esta película, creo que su director, Ramón Salazar, ha hecho una película muy sensorial, que entra por los ojos, con una fotografía que resulta o bien muy luminosa o muy gris, en función de la estación del año en la que viven los personajes, por el oído, pues ciertas escenas, son como susurros, como nanas, como palabras que se van despeñando por nuestros adentros, creando un cosquilleo, e incluso esta película entra por la piel, y a través del tacto nos gustaría también estar ahí, en París, en Madrid en Berlín, viviendo experiencias intensas, viajando en busca de algo, cogiendo la mano del protagonista, rozando con el labio el pezón de la artista.

La película es un desgarro, una emoción, un sentimiento de un joven atormentado que viaja, no sé si física o mentalmente, que debe lidiar con una madre (una maravillosa Susi Sánchez) posesiva, despótica, incestuosa, que anula al chaval, lo borra, lo hiere, lo ningunea, el cual tiene una hermana, a quien su madre también detesta, pero a quienes, a ambos dos, la madre decide no dejar nunca en paz, zaheriéndolos con sus desvaríos y devaneos, creando una dependencia enfermiza y obsesiva.
Me viene en mente esos “Lazos que unen” que cantaba Springsteen. Sí, a veces, es imposible romper con la familia, máxime con una madre.

La película contiene secuencias inolvidables de una arrolladora fuerza lírica, poética, muy visuales, algunas más propias de un spot televisivo, que logran transportarme dentro de la pantalla durante casi dos horas, alucinando con todo cuanto veo, con la mirada de un Álex Gertrudix (un actor único en nuestro cine) que hipnotiza, con una Lola Dueñas, princesa en su mundo de fantasía cual el Anderea de Pequeño Teatro, con Nawja Nimri guardiana de un secreto que la atormenta y que a brochazo limpio sobre un lienzo trata de expiar.

Escenas al aire libre, de fiesta, de comunión espiritual, en azoteas, en autobuses, caminando sobre puentes, desnudos sobre un colchón bañados por luz purpúrea, purificándose en el contacto con el agua. Hay algo mágico en todo esto. La he visto una vez, y voy a volver a verla, sin duda, porque a veces (las menos) una vez no es suficiente, no para entender una obra como esta, sino para disfrutarla en toda su plenitud.

1.536 espectadores han visto esta película estrenada en mayo del presente año, según datos del Ministerio de Cultura. Si alguno caéis por esta blog, ya me diréis qué os parecido esta película tan especial. La puedes ver aquí.

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Locke (Steven Knight 2013)

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Durante 85 mínutos únicamente veremos a un hombre conduciendo. ¿es una road-movie?. Se llama Ivan Locke, va camino del hospital porque va ser padre de un niño, concebido por una mujer con la que Locke se acostó una sóla noche. ¿Rizar el rizo?. Sí mucho. Pero hay más. El día siguiente va ser muy importante en su trabajo porque van a echar cemento en una obra en la que Locke es el responsable. Al poner pies en polvorosa el día antes de la gran cementada, lo cesarán en su puesto. Sí, amigos, el mercado era esto, la trayectoria, papel mojado.

Durante casi una hora y media, camino del hospital, de noche, Locke no hace otra cosa que hablar por el manos libres, con el hombre que le va a sustituir en la obra de extranjis (su segundo de a bordo), con su jefe que le canta las cuarenta por dejarlos tirados, con su mujer, la cual alucina con lo que su “perfecto esposo” le está contando, con el hijo de ambos que la narra un partido que está viendo en televisión, con la enfermera que urge a Locke a que llegue al hospital pronto, pues la parturienta no tiene a nadie más cerca y se hace imperativa su presencia. En definitiva, Locke, mientras conduce y en lenguaje cervantino, irá desfaciendo agravios y enderezando entuertos.

De llamada en llamada, vamos consumiendo los minutos (poco más de 80), los kilómetros, las rayas discontínuas de la carretera, mientras Locke trata de retener su mundo, que va haciendo aguas: perdiendo su puesto, a su mujer, su familia, etcétera.

Quizás el lloro de ese bebe que oímos al final, sea el heraldo de un nuevo mundo, de otra vida, de otra segunda oportunidad, o quizá no, no lo sabremos. Leo que Locke es un documental sobre el rostro de un actor, el de Tom Hardy. Es una buena definición. Leo también que el hombre que sube en el coche es distinto del que baja, también me vale.

Lo que consigue el director y guionista, Steven Knight, no es nada fácil, si no se cuenta con un inteligente guión y un buen actor. Con ambas cosas cuenta Knight así que el resultado es satisfactorio, y angustiante, algo similar a producciones tan asfixiantes como The Descent, La cabina, o Buried.. Por cierto, Luis Tosar está rodando El desconocido, donde la plantan un bomba en el coche y no se puede bajar del mismo si no quiere volar por los aires.

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Elizabeth Banks

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Seguro que os suena la cara (o el cuerpo) de esta pedazo de actriz que es Elizabeth Banks, la cual se hizo muy popular con la comedia de Kevin Smith, Zack and Miri make a porno. Ahora forma parte de la saga Los juegos del hambre, y trabajo no le falta, pues tiene pendiente de estreno cuatro películas.
A sus 40 años recién cumplidos, es un hecho que Elizabeth Banks es un bellezón y como tal debe formar parte del Olimpo de nuestras bellezas fílmicas.

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Caminando entre las tumbas (Scott Frank 2014)

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Pocas cosas positivas o ninguna, puedo decir de esta plomiza producción que cuenta como actor principal con Liam Neeson, reciclado como heróe de acción, a quien hace nada vi también en Non-Stop.

Matt es un agente de policía que tras ir borracho y matar por error a un niño al disparar a tres malos, a los que manda al más allá, deja el cuerpo. Trabaja luego como investigador privado. Lo contrata un traficante, porque a su mujer la secuestran, paga el rescate y acaba muriendo. El narco, quiere venganza y Matt es el encargado de plantar cara a los asessinos, una pareja de zumbados, sádicos, quienes disfrutan hasta la saciedad (o mejor, hasta la suciedad), causando dolor a las víctimas que secuestran, que son mujeres de traficantes locales. El guión como ven es una sandez, la puesta en escena es plana, líneal, sin aliciente alguno, con una trama que avanza sin más hasta un final irrisorio, pues los malotes que parecen invencibles deciden dar la cara y se la endiñan hasta el fondo.

Matt en su investigación cuenta con un niño negro, un sabelotodo, más listo que el hambre, con quien Matt mantiene casi una relación paterno-filial. Nada funciona en este thriller previsible, violento, sin mordiente alguno, donde Neeson pasea su arma y da unos cuantos mamporros, sin ofrecer nada más, en esta película trillada que horripila y aburre a partes iguales. Si os quedan ganas de verla, haceroslo mirar.

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