Quizá debería haber visto Perdidos en la cadena cuatro, aprovechando que en fechas recientes han emitido las cinco temporadas del tirón, dado que si la ves de año en año como es mi caso, habida cuenta de la complejidad de la serie, las miles de aventuras y desventuras que suceden al casi centenar de personajes, es casi imposible seguir el hilo. Así que tras ver los dos primeros episodios de la sexta y última temporada de Perdidos, ando yo también bastante Perdido y desconcertado.

Entre las cosas que suceden en estos capítulos ahí van unas cuantas. Jacob es acuchillado por Ben y arrojado en un hoguera donde muere. Luego se le aparece a Hugo para comentarle que debe llevar a Sayid al templo si quiere salvarle la vida. Al final de la quinta temporada tenía lugar una explosión, que hace que la historia se traslade nuevamente al presente. Todos siguen en la isla. Juliet queda sepultada bajo los escombros para desesperación de James, que no obstante va en su búsqueda. Ella trata de decirle algo antes de morir. Vano intento. Luego James recurre al mentalista para que le diga que es lo que Juliet quería contarle: “Funcionó“. Esta es la palabra mágica que Juliet quería transmitir a su enamorado. James se queda a enterrar a Juliet, mientras Hugo, Jack, Jin y Kate se van en la furgoneta al templo con Said. Tras entrar por una grieta en una roca, luego son golpeados por unas personas que les llevan en presencia de su lider. Allí verán el templo de marras. Cuando se los van a cepillar, Hugo dice que tiene un mensaje de Jacob, y en la funda de la guitarra, lleva un trozo de madera con un mensage. Esto les salva la vida. Luego dentro del templo introducen a Said en una fuente y lo ahogan. Lo dejan allí postrado, muerto, para más tarde revivir, cual Lázaro, preguntando qué ha pasado. Luego vemos que Locke está desdoblado en dos. Por una parte yace en la arena muerto. Por otro ahora con Jacob muerte y con Ben como un dominguillo Locke parece el lider. No sabemos si el Locke muerto resucitará, ni que papel juega ese viaje en avión donde todos los Perdidos llegan a Los Ángeles en perfecto estado, conversando entre ellos, Jack con Locke y Desmond. James con Kate, Kate con Claire, etc…
Quedan de momento muchas preguntas sin respuesta que se irán despejando a medida que avancemos hacia el prometido final. Nada mal este comienzo. Espectacular e inquietante como siempre.

Ya os hablamos de la serie Flashforward cuya primera temporada empezó a emitir Cuatro, casi al mismo tiempo que su emisión en USA.

Su estreno no fue de los de campanillas, pero se dejó oír, el planteamiento era muy bueno y la puesta en escena parecía que también, pero, al estilo Lost, pero con menos imaginación, la cosa empezó ya desde un principio a coger un rumbo que nos hacía pensar que no acabaría nunca. La “paja” con que se llenaban los episodios, dejando únicamente para los últimos minutos lo importante, y los vacuos personajes que se iban sumando a la trama, hizo que las audiencias comenzaran a caer y el parón invernal se dijo que podía ser definitivo.

Dentro de un mes, el 4 de Marzo, la serie vuelve. Los productores saben que tienen difícil quitarle parte del pastel a otra serie, también que tienen material como para plantear unos buenos argumentos, aunque yo metería a algún actor/actriz que tuviera un poco más de carisma que los actuales.

En cualquier caso, veremos si se ponen las pilas. Por el momento, ya han dejado caer algún trailer, aunque sabiendo que ya tenían de antes algún episodio grabado, es de suponer que esto no demuestra nada. Por si acaso, aquí podéis verlo:

Enlace | Página Oficial ABC | Flashforward Experience

Las nominaciones para los Oscar 2010 ya se conocen y una vez más, el cine español está presente. Nuestra esperanza para conseguir un Oscar es más bien tirando a baja, pero 2 son las nominaciones. Penélope Cruz, por tercera vez y con un Oscar ya en casa del año pasado, se encuentra una vez más nominada, como mejor actriz secundaria. La sorpresa ha estado entre los cortometrajes, donde “La Dama y la Muerte”, de Javier Recio, está entre los nominados como mejor corto de animación. También en el apartado de película de habla no inglesa hay que tener en cuenta las 2 coproducciones españolas: El secreto de sus ojos (Argentina) y La teta asustada (Perú).

Recordar que este año son 10 las nominadas a Mejor Película, por lo que cualquier cosa puede pasar. Las favoritas, con 9 nominaciones Avatar y En tierra hostil y con 8 Malditos Bastardos.

Estas son todas las nominadas:

Mejor película
An Education
Avatar
District 9
En tierra hostil
Malditos bastardos
Precious
The Blind Side
Un tipo serio
Up
Up in the Air

Mejor dirección
James Cameron por Avatar
Jason Reitman por Up in the Air
Kathryn Bigelow por En tierra hostil
Lee Daniels por Precious
Quentin Tarantino por Malditos bastardos

Mejor actriz protagonista
Carey Mulligan por An Education
Gabourey Sidibe por Precious
Helen Mirren por The Last Station
Meryl Streep por Julie & Julia
Sandra Bullock por The Blind Side

Mejor actor protagonista
Colin Firth por Un hombre soltero
George Clooney por Up in the Air
Jeff Bridges por Corazón rebelde
Jeremy Renner por En tierra hostil
Morgan Freeman por Invictus

Mejor actriz de reparto
Anna Kendrick por Up in the Air
Maggie Gyllenhaal por Corazón rebelde
Mo’Nique por Precious
Penélope Cruz por Nine
Vera Farmiga por Up in the Air

Mejor actor de reparto
Christoph Waltz por Malditos bastardos
Christopher Plummer por The Last Station
Matt Damon por Invictus
Stanley Tucci por The Lovely Bones
Woody Harrelson por The Messenger

Mejor guión original
Malditos bastardos
Un tipo serio
Up
En tierra hostil
The messenger

Mejor guión adaptado
An Education
District 9
In the Loop
Precious
Up in the Air

Mejor película de lengua extranjera
Ajami (Israel)
El secreto de sus ojos (Argentina)
La cinta blanca (Alemania)
La teta asustada (Perú)
Un profeta (Francia)
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Dirección: Michael Winterbottom.
País: Reino Unido. Año: 2002. Duración: 88 min.
Intervenciones: Jamal Udin Torabi, Enayatullah, Imran Paracha, Hiddayatullah, Jamau, Hossain Baghaeian, Yaaghoob Nosraj, Ghodrat Poor, Nabil Elouahabi, Kerem Atabeyoglu, Erham Sekizcan.
Guión:Tony Grisoni.
Producción:Andrew Eaton y Anita Overland.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Marcel Zyskind.
Montaje: Peter Christelis

In this World es el periplo vital que experimentan dos jóvenes de Afganistan que emprenden un viaje desde su pueblo en las montañas hasta Londres. Lo harán por carretera y su trayecto supondrá varios miles de kilómetros, cruzando Afganistan, Irán, Pakistán, Turquía, Francia, para llegar finalmente a su destino. Bien podría ser un documental que ilustrase las visicitudes que sufren las personas que están dispuestos a jugarse la vida (muchos como se verá en la película la pierden) en busca de un destino que mejore su situación.
No hay subrayado de ningún tipo. Cámara en mano Michael Winterbottom recoge el transitar de los dos jóvenes, como estos pasan de país en país, escondidos las más de las veces en camiones de frutas, en los bajos de los camiones, incluso en contenedores letales a bordo de un barco. No hay ni discurso ni apenas diálogos. Lo que si queda claro es lo crudo que está moverse entre países, cruzar fronteras, en este mundo aparentemente globalizado.

Viendo la película, quizá uno entienda mejor lo que han tenido que sufrir algunas de las personas que hoy son nuestros vecinos, compartiendo nuestros inmuebles. El principal mérito de esta producción es su nulo afán de resultar didáctica o concienciadora como si la realidad hablase lo suficientemente alto y claro como para que el espectador/ciudadano/ser humano entienda el mensaje/realidad sin menor obstáculo que el que le impongan los prejuicios y la ignorancia.

Dirección: Jaime Rosales.
País: España.
Año: 2003. Duración: 110 min.
Interpretación: Álex Brendemühl (Abel), Vicente Romero (Marcos), Ágata Roca (Tere), María Antonia Martínez (Madre), Pape Monsoriu (Trini), Irene Belza (Carmen), Anna Sahun (María), Isabel Rocati (Taxista), Armando Aguirre (Señor mayor).
Guión: Jaime Rosales y Enric Rufas.
Producción: Jaime Rosales y Ricard Figueras.
Fotografía: Óscar Durán.
Montaje: Nino Martínez Sosa.
Dirección artística: Leo Casamitjana

El crítico de cine Ángel Fernández-Santos escribió sobre Las horas del día, un año antes de su muerte. Recopiladas sus críticas en el libro La mirada encendida, llegó a mis manos, y de sus muchas y estupendas críticas y a resultas de su lectura, me quedé con ganas de ver esta película. No ha sido fácil dar con ella. Finalmente la encontré en la biblioteca de un pueblo del sur de Cantabria y no daba crédito al verla allí sobre la estantería. Así con el botín en el bolsillo me dispuse a verla. No habría mucho más que añadir a lo comentado por Ángel, pero como supongo que son pocos los que habrán leído su libro ahí va.
Jaume Rosales obtuvo el beneplácito de la crítica por su película La soledad, ganadora del Goya a la mejor película en 2007. Posteriormente haría el más difícil todavía con Tiro en la cabeza, una original aproximación a las vísceras del terrorismo, desde la cotidianedad, con personas que alternan sin disonancia el tomarse un txiquito en un bar, con cruzar la frontera y matar con un tiro en la nunca a unos agentes de la ley.

Las horas del día fue el debut en la dirección de Jaume. El premio a la mejor película en la Quincena realizadores del Festival de Cannes en 2003 le dio algo de popularidad, que le permitiría luego su estreno en los cines, haciéndose hueco entre otras producciones más comerciales.

Es imposible no comentar el argumento si queremos valorar la misma, así que quien lea esto se llevará un sorpresa, que de todos modos se explicita mediada la película. El protagonista es un hombre que roza los cuarenta, propietario de una tienda de ropa en horas bajas, que piensa vender y que ocasionalmente mata. No hay nada que explique por qué mata, así que todo son interrogantes que la película no despeja. Era esta la pretensión del director, dado que a los asesinatos en serie cuyos actos quedan prontamente explicados como consecuencia de malos tratos e infancias terribles, hay que sumar otros que matan por placer, por aburrimiento, gente normal y corriente, que sale de su tedio autoimpuesto matando, quizá sintiendo de esta manera que sesgando la vida de los otros, siente la suya más vívida.
La película es rara, en palabras de su propia director, no cabe encasillarla en ningún género y no se lo pone nada fácil al espectador que busque algo dinámico y divertido, porque lo que aquí se cuenta es sobrio, angustiante, aséptico, centrifugando fuera del ánimo de nuestro asesino cualquier sentimiento.

Los encuadres son estáticos, el sonido capta retazos de realidad, los personajes aparecen y desaparecen del encuadre fijo, haciendo todavía más indigesta la experiencia visual, porque Jaume parece tener claro que esta no es una película más de asesinos en serie. Aun rehuyendo de cualquier efectismo, los asesinatos son sobrecogedores; matar es fácil, pero trabajoso y hay que emplearse a fondo, hasta acabar con la vida de esas personas que tienen la desgracia de estar en el momento y en el lugar adecuado. Funcionan bien los actores en especial Brandemuhl, especialista en dotar, en este caso de escasa humanidad, sus personajes. Su hablar lento, su escaso desarrollo intelectual, su empeño en rehuir los conflictos, esconden bajo su piel un psicópata, un enfermo, capaz de soltar bombas de relojería sin pestañear, como le sucede a su amigo el del kiosko el día de su boda.

La soledad me encantó, Tiro en la cabeza me encandiló y Las horas del día me ha dejado estupefacto. Adjetivos que apenas puedo aplicar a tres películas de un mismo director. Las horas del día, es cine de autor en estado puro. Ejercicio de buen cine. Vía abierta para el conocimiento.

Dirección: Robert Redford.
País: USA. Año: 2007. Duración: 96 min.
Género: Drama.
Interpretación: Robert Redford (Dr. Stephen Malley), Meryl Streep (Janine Roth), Tom Cruise (senador Jasper Irving), Michael Peña (Ernest), Andrew Garfield (Todd), Peter Berg (teniente coronel Falco), Derek Luke (Arian).
Guión: Matthew Michael Carnahan.
Producción: Robert Redford, Matthew Michael Carnahan, Andrew Hauptman y Tracy Falco.
Música: Mark Isham.
Fotografía: Philippe Rousselot. Montaje: Joe Hutshing.
Diseño de producción: Jan Roelfs.

Son tres historias las que se cuentan en paralelo. En la primera un joven senador republicano, aspirante a lider de su partido, y quien sabe si posible presidente de los estados unidos, concede una entrevista de una hora a una avezada periodista, muy crítica con la manera de proceder de los Estados Unidos en los conflictos bélicos internacionales. El político es todo un talento, fue primero de su promoción en West Point, quien prestaría luego servicios en inteligencia, para luego convertirse en un delfín político. Lo que se trae entre manos es un cambio en la estrategia militar, y desea hacer partícipe de estos cambios a la periodista, la cual a pesar de que tiene ante ella a un encantador de serpientes, tiene el culo pelado, y sabe que son solo palabras, lo que el político vomita por su boca, sin llegar a convencerla, reacia además a publicar lo que le dan, como una imposición, lo que le provoca más de un rifirafe con su superior.

En la otra historia un catedrático universitario que ha superado con creces la edad de jubilación (al menos en España) trata de meter en vereda a un alumno, quien apenas acude a clase. El profesor sabedor del talento del joven, muy hábil en los debates y buen manejador de las palabra que salen de su boca, trata de que use su potencial en algo útil, en lugar de apartarse del camino, y dejar que otros decidan y hagan las cosas por él. Pues los que gobiernan juegan con su apatía, y con la del resto de personas que no se comprometen y lo más que hacen es quejarse de todo y de todos. Esto según le hace saber su paternal profesor.

La tercera historia guarda relación con la anterior, pues el profesor antes citado, en su perorata menciona a otros dos alumnos brillantes, dos talentos, que en lugar de cursar estudios en las mejores universidades, deciden irse a luchar al frente, a Afganistan en concreto, en donde los vemos a bordo de un helicóptero, hasta que es tiroteado y esta pareja va a parar con sus extremidades machacadas sobre los montes nevados, mientras los talibanes los acorrolan y la ayuda aérea no acaba de llegar.

Es loable y pausible el empeño por hablar acerca de los procesos bélicos, cómo ha influido el 11-S en el pueblo americano, como la prensa dio el visto bueno a la invasión de Irak, contagiada por la epidemia del miedo, sin alzarse voces críticas, justificando los ataques preventivos, donde todo valía en esa guerra contra el terrorismo (cajón de sastre, donde entraba todo). Esa forma de proceder es la que defiende nuestro senador a capa de espada, empleando para ello un discurso simplista, donde está claro quienes son los malos y quienes los buenos, donde es inevitable cometer errores, pero insignificantes al fin y al cabo cuando lo que hay en juego es algo de tamaña magnitud como preservar las vidas de los americanos, donde se hará lo que haga falta, en palabras del Senador.

La película me ha resultado en exceso simplista. A veces las buenas intenciones no son suficientes para crear una historia enjundiosa, porque aquí la puesta en escena viene a ser lo de menos, tanto como las interpretaciones, porque esta es una película de guión, teatral, de debate, sobre la que reflexionar, pero las posturas mostradas son tan tópicas y trilladas, con un tufillo impostado, que queda en una mera caricatura, en un ligero esbozo, que dudo mucho logre remover alguna consciencia, porque en su discurso, peca del mismo defecto que hace el senador en su exposición: el maniqueísmo. Buenos o malos, negro o blanco, matar o que te maten…
Para enteder algo mejor la forma de actúar de los Estados Unidos allende sus fronteras hay libros muy esclarecedores, como por ejemplo El terror como política exterior de Estados Unidos de Chomsky.

Sí, Jack Bauer ha vuelto. Si los gatos tienen siete vidas, Jack Bauer tiene de momento 8 temporadas. Al final de la séptima lo dejábamos medio muerto, con pocas esperanzas de salvar la vida. Todo dependía de un transplante de su hija. Al comienzo de esta octava temporada Bauer está como una rosa, todo lozano, ejerciendo de abuelo. Está decidido a irse a vivir con su hija, el marido y su nieta a Los Ángeles. La Presidenta de los Estados Unidos es la de la temporada pasada, sabemos que se ha separado de su marido y que su hija está en la cárcel pagando por sus delitos, toda vez que su madre la acusase al conocer lo que hizo.
Este primer episodio que inicia la octava temporada es menos espectacular que la de las entregas precedentes. Todo resulta bastante comedido. Vemos como un hombre aparece en el punto de mira de un francotirador. Consigue salir ileso, y tras darse por enterado de que alguien se lo quiere cepillar, consigue huir tras recibir un tiro en el hombro y resulta que va a ver a Bauer, con quien trabajó en una misión. Victor le pide ayuda. Está dispuesto a ofrecerle información útil si la CTU le protege. El meollo de estas 24 horas es que los Estados Unidos están negociando con la República (ficticia) de Kimistan, donde su Presidente Hassan está dispuesto a negociar con los americanos para que estos supervisen su programa nuclear. Pues bien a Hassan hay alguien que lo quiere matar y está claro que Bauer hará todo lo posible para evitarlo. Entre las caras conocidas la de Cloe que vuelve, pues su marido no tiene trabajo y aparece de nuevo en la CTU si bien parece que no está muy actualizada y le caen palos por todos los lados, así que o se pone las pilas o la ponen de patitas en la calle. En la CTU todo son caras nuevas, ni rastro de la agente que estuvo que Bauer en la 7ª temporada. A la Presidenta Americana le informan del posible atentando contra Hassan y está por ver si esta se lo comunicará al amenazado o no, pues tienen una reunión muy importante entre manos. Al final del episodio Bauer está a punto de morir tras recibir el helicóptero en el que está a punto de subir un misil. Bauer quiere volver a su vida normal pero está claro que esto de momento, al menos durante 24 horas no le va a ser posible.
A ver como evoluciona el resto de la serie, de momento este episodio me ha resultado divertido pero nada espectacular.

Título original: The road. Dirección: John Hillcoat.
País: USA. Año: 2009.
Duración: 113 min. Género: Thriller, drama, ciencia-ficción.
Interpretación: Viggo Mortensen (el hombre), Kodi Smit-McPhee (el chico), Robert Duvall (el anciano), Guy Pearce (el veterano), Charlize Theron (la esposa), Garret Dillahunt (miembro de la banda), Molly Parker (mujer maternal). Guión: Joe Penhall; basado en la novela “La carretera” de Cormac McCarthy.
Producción: Nick Wechsler, Paula Mae Schwartz y Steve Schwartz.
Música: Nick Cave y Warren Ellis.
Fotografía: Javier Aguirresarobe.
Montaje: Jon Gregory. Diseño de producción: Chris Kennedy.
Vestuario: Margot Wilson.

Quien haya tenido la suerte de leer el libro La carretera, de Cormac McCarthy y haya visto la película habrá comprobado que la adaptación cinematográfica es un fiel retrato del libro. Para los que no habéis leído el libro la historia va más o menos como sigue.

Un padre y un hijo deambulan por lugares inhóspitos y despoblados, bajo un cielo gris donde no asoma el sol ni rastro animal ni vegetal. Algo ha sucedido, quizá una explosión nuclear, a saber, y ahora solo les resta sobrevivir, ir sumando días en sus zurrones ajados, sin dejarse vencer por la tristeza, que les lleve a suicidarse. El padre recuerda a su mujer, la cual cuando la desgracia se cernió sobre ellos, puso pies en polvorosa tomando el camino más fácil. El hijo y el padre restan en casa hasta que habida cuenta de que el hambre hace que algunos humanos devengan canibales, deciden emprender un peregrinaje hacia el Sur, hacia el mar, con la esperanza de que allí la situación no sea tan gris.

En su camino la pareja se encuentra con seres canibales, despiadados, fiel reflejo de la mas deshumanizada humanidad. El padre, sabedor de que más pronto que tarde no podrá seguir protegiendo a su hijo trata de forjar en él un carácter aguerrido, vano intento, porque el niño es un trozo de pan, que no puede digerir tanto dolor y está siempre dispuesto a ayudar a toda la gente que se encuentra.

El miedo está ya dentro de sus corazones, y es complicado dilucidar quienes son los malos y quienes los buenos, ya que en según que situaciones es difícil mantener la compostura y no romper unas reglas, que les hacen seguir vivos y poder sentirse orgullos de estarlo.

La carretera es un bello canto al amor infinito que un padre siente por su hijo, dispuesto a todo por salvarlo, por lanzarlo a un futuro, donde cada día no sea más gris que el anterior. El libro pone los pelos de punta y la película es demoledora, como un bofetón bien arreado, tras el cual te quedas unos momentos atónito, ensordecido, el mundo detenido..

La pareja protagonista formada por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee está brillante. No es que Viggo se nos muestre magro, famélico, que eso es fácil de conseguir, sino que es su mirada la que cambia con respecto al comienzo de la cinta, cuando llevaba una vida normal. Luego el devenir de los hechos dejan huella en su cara, en sus ojos, en su mirada metida hacia adentro, hacia el abrigo del pasado, cuando el mundo no había estallado, cuando cada día no era un cara a cara con la muerte. Esa mirada no hay efecto especial que la genere pues surge de dentro, de creer en el papel, en la historia que se nos cuenta, algo que sólo los grandes actores como Viggo son capaces de ofrecer al respetable y emocionarnos.

La fotografía, otro de los aspectos más destacables de la película es obra de Javier Aguirresarobe.

The road aborda el cine apocalíptico mirando más hacia dentro que haciendo un despliegue de varios cientos de millones de dólares gastados en seismos, inundaciones y demás zarandajas virtuales generadas por ordenador (2012). El apocalípsis será algo así. Un mundo gris, inerte, apagado, gris, triste, sin más eco que el de nuestros latidos acelerados por el miedo.

Algo que no tiene nada que ver con la película pero quiero comentar es que no entiendo como en el cartel de la película aparecen los nombres de Guy Pearce, Robert Duvall y Charlize Theron, todos ellos secundarios (en el segundo poster aparece Guy Pearce, quien en pantalla lo vemos un par de minutos) y no el de Kodi Smit-McPhee que es quien más minutos sale y que además hace un papelón.

Título original: The messenger
Dirección: Oren Moverman País: Estados Unidos
Año: 2009 Duración:110 min. Fotografía: Bobby Bukowski
Guión: Alessandro Camon, Oren Moverman
Maquillaje: Colleen Callaghan, Fabian Garcia, Joseph Farulla, Sharon Burke
Montaje: Alexander Hall
Música: Nathan Larson
Género: Drama, Romance, Bélico
Reparto: Jena Malone, Ben Foster, Woody Harrelson, Samantha Morton, Eamonn Walker, Gaius Charles, Peter Friedman, Merritt Wever, Halley Feiffer, J.D. Daniels
Productora: Mark Gordon Company, The, Reason Pictures, All the Kings Horses, Ominlab, Sherazade Film Development

The Messenger trata el quehacer laboral de dos soldados americanos encargados de comunicar a las familias las pérdidas de sus hijos en el frente de batalla, en esta ocasión en la guerra de Irak. Así en la película veremos con grandes dosis de verosimilitud cómo se lo toman los padres, las novias o mujeres de los difuntos, todos ellos destrozados por el dolor que experimentan con el desgarro de la pérdida de un ser querido. Unos no comprenden cómo habiendo hablado hace unas pocas horas con su hijo ahora éste puede estar muerto, hay un padre que no sabe que su hija está casada con un soldado hasta que le dan la noticia en el domicilio, otra que siente que lo ha perdido dos veces, una cuando se fue y ahora que ya no volverá a irse más, etc.

A fin de remarcar los caracteres por contraste, uno de los miembros de la pareja de mensajeros, Tony es un soldado avezado, impasible, chulesco, que da la noticia de la muerte marcado por la profesionalidad, transmitiendo el mensaje, sin implicarse emocionalmente, sin tocar a los comunicados.
A la labor se une un nuevo compañero, Will, un joven que ha llegado del frente, con problemas en su ojo a causa de la metralla, que no consigue hacerse con la situación, pues lo que ve y oye no le gusta, ya que muchos familiares cargan las tintas y su ira con el primero que pillan, en este caso la pareja de mensajeros a quien tildar de cobardes, por no estar en Irak, jugándose la piel como los difuntos.

A medida que los mensajeros se conozcan mejor irán desvelando sus más íntimos secretos, y afrontarán el día a día recurriendo al alcohol, buscando un amor imposible,si bien sienten que caminando sin brújula es muy fácil acabar perdiendo el norte, y ahí es donde la amistad hace de pegamento, de sustento, de horizonte despejado, de tabla de salvación, porque tanto Tony como Will a pesar de parecer dispares sufren los mismos traumas.

Todo soldado que ha estado en la guerra vuelve con la frustración metida en el cuerpo, pues sienten que a nadie le importa una mierda qué les pueda pasar en el frente, a miles de kilómetros de sus hogares, dado que nadie a su regreso entiende su dolor, prestándoles escasa atención a sus vivencias, que apenas pueden verbalizar. No es este el tema principal de la película, pero siempre está ahí presente en cualquier película o libro bélico.

A destacar las buenas interpretaciones tanto de Woody Harrelson, Ben Foster como de Samantha Morton, logrando los dos últimos secuencias de gran intensidad emocional.

Dirección: Daniel Monzón. Países: España y Francia. Año: 2009. Duración: 110 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Luis Tosar (Malamadre), Alberto Ammann (Juan Oliver), Antonio Resines (Utrilla), Marta Etura (Elena), Carlos Bardem (Apache), Manuel Morón (Almansa), Luis Zahera (Releches), Vicente Romero (Tachuela), Fernando Soto (Armando), Manolo Solo (director de la cárcel). Guión: Jorge Guerricaechevarría y Daniel Monzón; basado en la novela de Francisco Pérez Gandul. Producción: Emma Lustres, Borja Pena, Juan Gordon y Álvaro Augustin. Música: Roque Baños. Fotografía: Carles Gusi. Montaje: Mapa Pastor. Diseño de producción: Antón Laguna. Vestuario: Montse Sancho

Celda 211, es un thriller soberbio, portentoso y musculado, con un ritmo trepidante que no pierde fuelle durante casi dos horas y cimentado en la memorable interpretación de un Luis Tosar que a día de hoy para quien escribe es el mejor actor que tenemos en nuestro país. Cuenta con un guión que se las trae, y una puesta en escena que no rehuye la violencia explicita, como el inicio de la cinta con un preso abriéndose las venas con una cuchilla, un suicidio que se nos muestra en toda su crudeza.
Luego veremos como un nuevo funcionario de prisiones el día anterior a su incorporación decide pasarse por la cárcel a conocer a sus nuevos compañeros, dejando en casa a su mujer embarazada de seis meses, el mismo fatal día en el que los presos con Malamadre a la cabeza deciden amotinarse. El nuevo funcionario tras sufrir un impacto en la cabeza es trasladado a la Celda 211 y allí a la vista del motín es abandonado por sus compañeros. Ante esta situación si los presos conocen su identidad durará menos allá dentro que un fajo de billetes en la mano de un ludópata. Salvar el pellejo, prolongar así su existencia unas horas, pasa por similar ser un preso más, poniendo toda su inteligencia en pos de una interpretación abonada de mentiras que le permita salir adelante. Luego la historia se echa a rodar y ya no hay tregua. Además de esta lucha por la supervivencia están presentes otras historias, como la presencia de los presos etarras en la cárcel, que actuarán como moneda de cambio para una posible negociación y su estatus en la trena de inviolables, la mano dura con la que actúan los antidisturbios, los códigos de honor y deshonor (ya que en última instancia cada cual se busca la vida como puede) de los presos, y lo frágil que es el muro que separa la felicidad de la desgracia, cuando la vida te acorrala y la mala suerte te hace un traje (a rayas).

Otro acierto más es que no hay moralina alguna que valga, ni finales felices, ni los manidos tópicos carcelarios. Malamadre es para nosotros un perfecto desconocido, dado que nada sabemos de él, ni donde nació, ni lo que le llevó a la cárcel, ni que mundo le espera fuera, si es que sale algún día, sólo que es un tipo no especialmente despierto, pero sí violento, superviviente nato, que con sus cuatro reglas, piensa más en los demás que en sí mismo.

Bien por Daniel Monzón, director del film, bien por Tosar, Resines, Etura, Bardem, etc, por un guión que no deja cabos sueltos, por una historia que además de divertir plantea ciertos temas en los que el espectador curioso puede ahondar.
Como anécdota señalar que al menos hubo un espectador en nuestra sala a quien la película le debió parecer soporífera porque se pasó las dos horas roncando a todo volumen, desde las 5 y pico hasta pasadas las siete, todo desparramado en su butaca, hasta que cuando acabó el film entreabrió a los ojos, con ceño extrañado de que quienes bajábamos las escalera nos fuésemos de la sala riéndonos a carcajada limpia.

Celda 211 es una buena excusa para ir al cine y ver una peli española de calidad.