Director: Ulrik Imtiaz Rolfsen Título original: Varg Veum. Bitre Blomster
Duración: 91 minutos Guión: Thomas Moldestad basada en la novela de Gunnar Staalesen Musica Ginge Anvik
Género: Thriller Año: 2007
Nacionalidad: Noruega, Dinamarca, Sueca ActoresTrond Espen Seim , Bjorn Floberg , Kathrine Fagerland

La historia va de una niña, Camilla de 7 años que un buen día desaparece. Su madre es Vibeke Farang, líder de un partido político. La policía se encargará de investigar la desaparición de la niña, mientras Vibeke contratará al detective privado Varg Veum para localizar a su amante, el también desaparecido Karsten Aslaksen ingeniero jefe en una gran empresa química, es la última persona que estuvo con la niña.

Después el ingeniero aparece muerto, y parece tratarse de un suicidio, si bien Veum, que es un buen sabueso sospecha que se trata más bien de un asesinato. Entonces el investigador comenzará a tirar del hilo, para poco ir desenredando la madeja. Karsten trabajaba en Norlond, una empresa de productos químicos regentada por un jefazo que quiere pasar el testigo a sus dos hijos, los cuales no tienen muchos peros a la hora de cometer ciertos actos que espeluznarían al más templado.

Veum sigue manteniéndose en buena forma, metiendo el morro donde no le llaman, se llevará unos cuantos moquetones, como siempre, al tiempo que contará con la ayuda de una abogada que trabaja en la empresa química dispuesta a jugarse la vida para llegar hasta el final. Al tiempo que investiga Veum, el inspector Hamre estará al corriente de sus averiguaciones.

El escenario es de nuevo la ciudad noruega de Bergen, donde los cielos son grises y llueve mucho. Al menos eso es lo que vemos.
La película es entretenida. En su línea, tras Ángeles Caídos y Svarte Far, uno le coge aprecio a Veum y espera ver más historias suyas. La próxima que comentaré es La bella durmiente.

Película: Hanna. Dirección: Joe Wright. País: USA. Año: 2011. Duración: 111 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Saoirse Ronan (Hanna), Eric Bana (Erik), Tom Hollander (Isaacs), Olivia Williams (Rachel), Jason Flemyng (Sebastian), Cate Blanchett (Marissa), Jessica Barden (Sophie). Guion: Seth Lochhead y David Farr; basado en un argumento de Seth Lochlead. Producción: Leslie Holleran, Marty Adelstein y Scott Nemes. Música: The Chemical Brothers. Fotografía: Alwin Küchler. Montaje: Paul Tothill. Diseño de producción: Sarah Greenwood. Vestuario: Lucie Bates.

La protagonista de esta infartante y adrenalínica producción es la joven Hanna quien vive con su padre Erik cerca del círculo polar ártico, en una cabaña. Viven cazando animales y subsisten ellos dos solos mano a mano. Él fue un agente del gobierno americano y ahora, Marissa, una antigua colega quiere cazarlo. Hanna ha sido entrenada por su padre para convertirse en una máquina de matar, así que una vez que ambos se separen para reencontrarse en Berlín, Hanna deberá poner en práctica todo lo aprendido si quiere salvar la piel, pues hay gente muy mala que la quiere ver muerta.

Luego sabremos que en su día el Gobierno americano puso en marcha un proyecto con ciertas mujeres embarazadas. Proyecto que luego fue abortada. A fin de no dejar huellas, tanto las madres como los bebés debían ser aniquilados. A la madre de Hanna la mataron, y ahora para acabar el asunto, que sigue coleando bastantes años después, es preciso matar a la adolescente.

El deambular de Hanna se nos muestra sin pausa, a un ritmo trepidante, con una música machacona de los Chemical Brothers, que te hace entrar casi en parada cardiaca, y con unas tomas donde los elementos geométricos refuerzan más si cabe la sensación de agobio que transmite la música, las imágenes y ese continuo ir hacia ninguna parte de la protagonista que se pasa todo el tiempo huyendo de sus captores.

Sin recurrir a efectos especiales ni virguerías digitales, se apuesta por la fisicidad en todas las escenas de acción y persecuciones, que hay unas cuantas, lo cual da más credibilidad y contundencia a lo visto, porque parece real, sin escamitar elementos bizarros y violencia a raudales.

La niña que da vida a Hanna está estupenda. A su lado Eric Banna y Cate Blanchett funcionan a la perfección, en especial la segunda, con un careto que encarna al mal absoluto.

Hanna me ha parecido un pasatiempo entretenido rodado en gélidos paisajes, mostrando por otra parte lo menos florido de ciudades como Berlín, e incluso pasan por España, donde no falta el típico tópico del flamenco. El director, Joe Wright, fue el autor de Expiación, Orgullo y prejuicio o El Solista. Este cambio hacia este género es cuando menos desconcertante. Al menos Wright, lo cual ya es mucho, deja su impronta.

DIRECTOR: Stephan Apelgren GUION:Trygve Allister Diesen INTERPRETES: Alexander Karim (Alexander Latoor) Bjorn Floberg (Hamre) Jakob Oftebro (Hans Hauge) Kjaersti Odden Skjeldal (Siren as Kjærsti Skjeldal) Lene Nystrom (Karim) Trond Espen Seim (Varg Veum) PRODUCTOR: Jonas Allen PAIS: Noruega Año: 2011

Tras haber comentado Angeles Caídos, vuelvo con otra película del investigador privado Varg Veum. Al comienzo lo vemos manteniendo relaciones con una atractiva mujer. Esta tiene una hermana y le pide a Varg que la encuentre. Dicho y hecho. La hermana se droga y prostituye. Varg tratará de sacarla de ese lodazal, sin éxito, dado que muere. Así las cosas Varg irá a por el dueño del hotel donde aparece muerta la joven, quien se dedica al tráfico de drogas.

Uno de los empleados que parece saber qué ha pasado será el protegido de Veum hasta que la verdad caiga por su propio peso. Son varios los presuntamente culpables, dado que todos ellos parecen tener sus motivaciones. Siempre hay algún golpe de efecto que nos hace desviar la atención hacia otra parte. Veum sigue tan circunspecto como siempre. No son películas parlanchinas, sino que priman más bien los silencios. No obstante la historia avanza sin remisión, con un ritmo endiablado. Como telón de fondo la ciudad de Bergen.

Sin ningún alarde de espectacularidad, Svarte Far la he disfrutado con agrado. Está bien montada y ofrece un entretenimiento que no hace ascos a la plasmación de una realidad latente; a pesar de situarse la historia en Noruega, un país avanzado, siempre hay seres a quienes no les sonríe la suerte y acaban enfangándose con turbios asuntos. Es entonces cuando afloran las drogas, la prostitución, la violencia explícita y muchos otros asuntos que también forman parte del paisaje, como los fiordos.

Año: 2010 Género: Thriller País: Duración: 106 minutos Título Original: Crime d’Amour Dirección: Alain Corneau Producción: Saïd Ben Saïd Guión: Alain Corneau / Nathalie Carter Fotografía: Yves Angelo Kristin Scott Thomas (Christine) Ludivine Sagnier (Isabelle) Patrick Mille (Philippe) Gérald Laroche Gérard Guillaume (Marquet) Daniel Olivier Rabourdin (Juez Marie) Guillard Claudine

Crime d´amour es un muy interesante thriller psicólogico francés que nos cuenta las andanzas de Isabelle, una ejecutiva modosita pero ambiciosa que trabaja en una firma transnacional, como subordinada de Christine, una mujer hecha a sí misma, a quien le gusta tener todo bajo control, la cual iniciará con Isabelle una relación especial que la primera quiere llevar al terreno amoroso.
Hay amores no correspondidos que matan.
Christine acabará muerta y todo hará apuntar hacia Isabella, habida cuenta de las tensas relaciones que mantuvieron ambas antes de la muerte de la primera.

No se trata de ver si Isabella es inocente o no del asesinato de su jefa, pues el espectador esto lo tiene claro a la mitad de la película. Lo intereante de este thriller bastante desasosegante, es ver como Christine construye su coartada y cómo la defiende con la esperanza de que el juez que instruye el caso crea de su inocencia.

Sin lugar a dudas es gracias a las labradas interpretaciones de las dos protagonistas principales, Kristin Scott Thomas como Ludivine Sagnier, lo que hace de esta historia un producto solvente, contundente y subyugante, merced a unos rostros femeninos que dicen muchas cosas sin necesidad de proferir una sola palabra.

Película: Sin identidad. Título original: Unknown. Dirección: Jaume Collet-Serra. Países: Reino Unido, Alemania y Francia. Año: 2011. Duración: 113 min. Género: Thriller. Interpretación: Liam Neeson (Dr. Martin Harris), January Jones (Elizabeth Harris), Diane Kruger (Gina), Aidan Quinn (el otro Martin Harris), Frank Langella (Rodney Cole), Bruno Ganz (Ernst Jürgen), Sebastian Koch (profesor Bressler), Olivier Schneider (Smith). Guion: Oliver Butcher y Stephen Cornwell; basado en la novela “Out of my head” de Didier Van Cauwelaert. Producción: Leonard Goldberg, Andrew Rona y Joel Silver. Música: John Ottman y Alexander Rudd. Fotografía: Flavio Labiano.

A pesar de tratarse de un coproducción franco-británico-germana, el director es catalán y el actor protagonista es americano. Una película globla por tanto.
Sin identidad es una película que va de más a menos. Comienza de forma trepidante. Un biólogo llega con su mujer a Berlín a un congreso. Se deja el maletín en el aeropuerto. Repara en ello cuando ya está en el Hotel Adlon Berlinés. Deja el hotel a todo correr para recuperarlo. El taxi en el que va sufre un accidente y cae a un río. La corajuda mujer que conduce el taxi lo saca del vehículo antes de irse al fondo del río, salvándole la vida. Una vez vuelto en sí, tras cuatro días en coma, el accidentado no recuerda muy bien lo que le ha sucedido. Al ir recordando comprueba que otro hombre ocupa su lugar. La misión consiste por tanto en recuperar su identidad.
Jaume Collet-Serra logra una película a ratos entretenida, que se va diluyendo a medida que avanza. En su tramo final ofrece al espectador un golpe de efecto que consigue ensamblar todas las piezas que hay sobre el tapete, dando respuestas a las demandas que nos ofrecemos desde el comienzo.
Liam Neeson se encuentra agusto y da el callo como héroe de acción, como ya hizo en Taken. A su lado Diana Kruger destaca por su belleza y su arrojo. Bruno Ganz, tiene un pequeño papel, y da muestra de su talla actoral. Aparece también Sebastian koch, en la piel del profesor Bressler cuyo rostro conocemos de haberlo visto en La vida de los otros o El libro negro)
A estas alturas es cada vez más difícil ofrecer algo original al respetable, así que lo máximo a lo que podemos aspirar en la mayoría de los casos y en producciones como esta, es a que lo que vemos tenga ritmo y consistencia y nos divierta.
A pesar de los pesares Sin identidad ofrece un entretenimiento vibrante, sostenido a ratos, que se olvida casi al mismo tiempo que se visiona.

Dirección y guión: Achero Mañas. País: España. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Drama. Interpretación: Juan Diego Botto (Leo), José Luis Gómez (Alex), Najwa Nimri (Marta), Ana Risueño (Alicia), Lucía Fernández (Dafne), Pedro Alonso (Pedro), Ana Wagener, Alberto Jiménez, Paloma Lorena. Producción: Achero Mañas y Joaquín Velasco. Música: Leiva. Fotografía: David Omedes. Montaje: José Manuel Jiménez. Dirección artística: Antón Laguna. Vestuario: Cristina Rodríguez

La conclusión sería que “no se puede sacar los pies del tiesto”. Achero Mañas vuelve a dirigir y lo hace con una historia singular, una rara avis en el cine español, recorriendo una línea muy fina, la que separa el éxito del batacazo.

La historia que nos cuenta es la de Leo un padre de treinta y pico años con una hija pequeña de cuatro años que un mal día recibe la noticia de que su mujer ha muerto, en un parque, de un ataque epiléptico. Muerta la madre, el padre, no sabe bien qué hacer para llenar el hueco dejado por la progenitora de la pequeña. Como la niña quiere a toda costa ver a su madre, Leo decidirá pintarse los labios en un primer momento mientras le lee el cuento antes de acostarla, comprarse luego una peluca y finalmente transformarse con la vana ilusión de parecerse lo máximo posible a su difunta espos¡, ejerciendo de madre postiza.

Esta arriesgada decisión le acarreará una serie de problemas que Leo quizá no preveía cuando apostó por su radical propuesta. Leo es abogado y está muy liado en el trabajo. Apenas tiene tiempo libre. Comenzará a llegar tarde, a discutir con sus enemigos, a enfrentarse con el psicólogo del colegio donde estudia su hija. Él ve lo que hace como algo normal, ¿qué no haría un padre por una hija?, pero desde fuera todo se ve distinto. Llevado al extremo, Achero ahí creo que se pasa cuatro pueblos, muestra como unos jóvenes le dan una paliza a Leo por llevar peluca. En algo creo que hemos avanzado y nuestra sociedad, a pesar de que haya casos que lo desmientan, no es tan retrógrada como lo era hace cuatro décadas.

En la historia hay personajes como el de Marta que pintan muy poco. La esencia de esta historia es como ante las desgracias uno se repone, como el amor hacia una hija en este caso, le puede llevar a alguien a límites insospechados, a medirse con uno mismo, a conocerse algo mejor, a desafiar las leyes de la identidad, a intimar con personas que distan mucho de su círculo de amistades.

A Dios gracias todo parece resolverse de una manera muy favorable para …, pero lo más interesante es lo que comentaba en un principio. Vivimos en el país de las libertades, cada cual parece poder hacer lo que quiere, pero en el momento en que te sales un poco del camino marcado y sacas los pies del tiesto, reciben entonces palos por todos los lados y portazos en las narices. Valiente alegato pues contra la intolerancia.

Titulo original: Cosa voglio di più País: Italia, Svizzera Año: 2009
Género: Drammatico Duración: 121′ Director: Silvio Soldini Elenco: Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Giuseppe Battiston, Teresa Saponangelo, Fabio Troiano, Bindu De Stoppani, Monica Nappo, Tatiana Lepore Producción: Lumière & Company, Radiotelevisione Svizzera Italiana, Warner Bros. Pictures Company, Vega Film Fotografía: Ramiro Civita Montaje: Carlotta Cristiani Música: Giovanni Venosta

Anna es una joven que mantiene una relación estable con su pareja, tiene un buen trabajo, amigos con los que salir por la noche y tomar unas copas. En resumen lleva una vida tranquila y relajada, pero de pronto en su horizonte vital aparece Domenico y su mundo estalla por los aires. Ambos siente una pasión recíproca. Él está casado y tiene dos hijos. Los encuentros furtivos entre ellos son difíciles pero al mismo tiempo excitantes.

El director muestra con gran habilidad lo difícil que es llevar una doble vida, buscar tiempos muertos en los que dejar de lado las obligaciones y responsabilidades familiares, para intepretar otro papel junto al amante. Si Domenico entiende su casa como un infierno, abrumado por los sollozos de su hijo más pequeño, en conflicto permanente con su bella mujer, al lado de Anna es otro hombre, renacido, descargado del peso de la familia, convertido en un amante devoto.

Los dos actores tanto Alba Rohrwacher (Anna) Pierfrancesco Favino (Domenico), están estupendo, y gracias a ellos la película funciona, porque aparecen practicamente en cada plano, y son sus rostros, que explicitan a la perfección el maremoto emocional del que son objeto lo que ha conseguido emocionarme.

Al tiempo que ese pasión es conocida por los demás, es cuando toman parte las respectivas parejas, con la ilusión de que se trate simplemente de un capricho, de un antojo pasajero, de un fogonazo que se consuma tras los primeros polvos, cuando lo extraordinario comience a tomar visos de normalidad y difiera entonces muy poco de lo que son sus existencias actuales.

Rodada con la cámara al hombro en muchas escenas, dota a la película de una mayor entidad dramática. Una película atemporal que he disfrutado.

Dirección: Alejandro G. Iñárritu. Países: México y España. Año: 2010. Duración: 148 min. Género: Drama. Interpretación: Javier Bardem (Uxbal), Maricel Álvarez (Marambra), Eduard Fernández (Tito), Diaryatou Daff (Igé), Cheng Tai Shen (Hai), Luo Jin (Liwei), Rubén Ochandiano (Zanc), Hanaa Bouchaib (Ana), Guillermo Estrella (Mateo), Cheick Ndiaye (Ekweme), Karra Elejalde (Mendoza). Guión: Alejandro G. Iñárritu, Armando Bo y Nicolás Giacobone; basado en un argumento de Alejandro G. Iñárritu. Producción: Alejandro G. Iñárritu, Fernando Bovaira y Jon Kilik. Música: Gustavo Santaolalla. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Stephen Mirrione. Diseño de producción: Brigitte Broch. Vestuario: Paco Delgado

Más que Biutiful la película podía haberse titulado Jorribol. Si a un guionista se le ocurre la luminosa idea de ir acumulando pequeñas tragedias y condensarlas sobre el aura de alguien, Biutiful es la película perfecta. El protagonista es Uxbal, al cual le detectan un cáncer que lo matará en pocos meses. Vive con sus dos hijos en una vivienda que exuda sordidez. Su mujer es adicta a la bebida y a otras sustancias y no anda bien mentalmente. Lo suyo es un quiero y no puedo, porque en ausencia de Uxball ella a duras penas podrá desarrollar su labor de madre. Uxbal tiene la facultad de comunicarse con los muertos, de ahí que se saque un dinerillo extra en los funerales, hablando con los muertos y contándole a los familiares, desgarrados por el dolor, las últimas palabras de los mismos.

Uxbal vive en Barcelona, la cual no resulta nada reconocible, porque salen barriadas periféricas, polígonos donde los Asiáticos cimentan su imperio, y donde Uxbal contrata a unos chinos para que trabajen ilegalmente en la construcción. Es pues Uxbal, otro explotador, pero con buen corazón, si es que esto es posible.

La historia no va mucho más allá. Sabemos que Uxbal morirá. La película resulta triste, descorazonadora, impregnada de un dolor lacerante, todo ello expuesto con una fotografía apagada, mortecina, donde es díficil levantar el ánimo.

Bardem hace un papelón, pero eso no salva a una pelìcula. El lucimiento de un actor tiene sentido si sirve a la historia, pero al igual que en el caso de Babel, al menos para mí, todo esto me parece impostado. Iñarritu quiere mostrar lo peor de la sociedad, eso que no sale en otras películas habitualmente, la otra cara de la globalización, esas personas abocadas al fracaso, que sobreviven con el trapicheo, con la explotación de otros pobres diablos como ellos, que viven en viviendas que son covachas, hundidas por el alcohol y las drogas, que huyen de la policía al saberse irregulares. Son estos seres humanos los excedentes humanos, los parias, de los que hablaba Bauman en su libro.

Película: El demonio bajo la piel. Título original: The killer inside me. Dirección: Michael Winterbottom. Países: USA y Reino Unido. Año: 2009. Duración: 110 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Casey Affleck (Lou Ford), Jessica Alba (Joyce), Kate Hudson (Amy), Ned Beatty (Chester), Elias Koteas (Joe), Tom Bower (sheriff Bob Maples), Simon Baker (Howard), Bill Pullman (Billy Boy Walker), Liam Aiken (Johnnie Pappas). Guion: John Curran; basado en la novela “El asesino dentro de mí”, de Jim Thompson. Producción: Chris Hanley, Bradford L. Schlei y Andrew Eaton. Música: Melissa Parmenter y Joel Cadbury. Fotografía: Marcel Zyskind. Montaje: Mags Arnold.

La película resulta impactante se mire como se mire. Entiendo las encendidas críticas que he leído por ahí sobre la misma. Hoy el día que los malos tratos se consideran como tales, una película tan salvaje como esta no es apta para todos los estómagos. No obstante, polémicas aparte, se trata de un producto de ficción que debemos valorar como tal.

El protagonista es Lou, un joven de veintisiete años que trabaja como agente de la ley en Texas en su rol de ayudante del sheriff. El demonio bajo la piel se esconde en su cuerpo. A pesar de su cara de niño bueno y de haber logrado engañar a todo el mundo bajo, su sonrisa se esconde un psicópata. Esto lo vemos a las primeras de cambio cuando machaca sin piedad a una prostituta a la que presuntamente ama.

Los espectadores lo hemos visto. Certificamos su crueldad, pero está por ver si el resto de la gente se darán cuenta de quien es Lou en realidad. A fin de tratar de entender algo en el proceder de Lou, hay ciertos flashbacks que nos llevan a su niñez, donde ya entonces le cogió el gusto a azotar nalgas y disfrutar del sabor dulzón de la sangre fesca del día.

Joe del sindicato andará tras la pista de Lou, no le convencen sus mentiras y lo observará muy de cerca. Mientras, Lou ve como la suerte le va de cara pues cada vez que ejecuta a alguien todo se resuelve a su favor.

Winterbottom director que es capaz de hacer películas de lo más variopintas, pergeña aquí un thriller negro, árido, de perdedores, perdidos en un paraje cuasi desértico, donde Lou, define muy bien su situación cuando afirma estar encima de una valla con un pie a cada lado. Está por ver si se romperá en dos como afirma, o si su locura le permitirá seguir dejando un reguero de cadávares a su paso.

Estupendo como siempre el actor Casey Affleck, a quien le da buena réplica tanto Jessica Alba, en un papel que no parece muy acorde con ella según lo hecho hasta la fecha como Kate Hudson. Una historia negra, pertubardora, asfixiante que consigue remover algo en mi interior al verla.

Buscando referencias sobre la película Katalin Varga, en esta blog me encontré leyendo esto..

Peter Strickland es un inglés de treinta y cinco años hasta ahora desconocido. Hizo esta película con 25000 libras que heredó de su tío, sin ningún subsidio público. Se fue a hacerla a Rumania, donde no había estado nunca, y la rodó en húngaro, un idioma que no entiende. Se le acabó el dinero antes de montarla, y estuvo a punto de abandonar, pero al final le seleccionaron la película para el festival de Berlín de este año. Si esto es posible no todo está perdido.

Dicho lo cual me ha apetece más todavía verla. Algo que haré en breve para luego comentarla con vosotros.