Archivos de la Categoría '2012'

Elefante blanco (Pablo Trapero, 2012)

Elefante Blanco

Me enfrento a la película de Pablo Trapero con los ecos de películas como Ciudad de Dios o Tropa de élite, donde el director argentino da la voz, y las armas, a los más desfavorecidos, a las miles de personas que viven hacinadas en la Villa 31, en penosas condiciones de salubridad, reducido ese espacio a un forúnculo de la ciudad de Buenos Aires. Una realidad, la que nos presenta muy crudamente, que pocas veces se ve retratada en la pantalla grande, mas presta a conformismos y complacencias de todo tipo.

Trapero echa mano de actores importantes como Ricardo Darín (Julián), secundado por Jérémie Renier (Nicolás) y por Martina Gausman (Luciana).

Julián lleva años ejerciendo como párroco en la Villa 31 y está ya cansado y enfermo. Y busca en Nicolás, su pupilo, la figura que le reemplace con su obra cuando él no esté.

Desgraciadamente la muerte (no natural) final de Julián, lo convierte en un versión actualizada del padre Múgica, otro párroco que fue martirizado, cuyo empeño fue también dar su vida por los más desfavorecidos.

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La puesta en escena es trepidante, luminosa, vivaz, pero la historia adolece de un guion más contundente, más trabajado. Esta carencia muestra las fallas de una historia, que apenas aporta nada nuevo, con un tratamiento, donde todo queda muy en la superficie, en lo anecdótico diría, un tratamiento de la podredumbre esquemático y epidérmico.

El empeño de Trapero es plausible, su película es dura, tópica, desgarradora a ratos, pero de muy corto alcance y de escaso aliento.

La escena en la que Nicolás y Luciana dan rienda suelta a su deseo, a su pasión irrefrenable, me ha resultado el momento más intenso, verosímil y vibrante de todo el film. Ese momento, esa pequeña muerte, en la que el ser humano llega a creerse inmortal, cifra los anhelos humanos en un deseo tan urgente como contingente.

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Le guetteur (Michele Placido 2012)

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Desconozco si esta película francesa del año 2012, Le guetteur, traducida aquí como el Francotirador, se ha llegado a estrenar o no en los cines españoles. Si es así, no nos hemos perdido gran cosa, porque la película es regular tirando a mala o a rematadamente mala, por jugar con términos balísticos.

El título nos saca de dudas enseguida. El protagonista es Kaminski (Matthieu Kassovitz), un francotirador, ya saben, esos hombres (¿hay francotiradoras?) que se asientan en los azoteas y tejados de los inmuebles para disparar tranquilamente, parapetados en su lejanía e invisibilidad.

Kaminski trabaja con un grupo de ladrones, y mientras estos delinquen, él dispara, cubriendo su retirada. La secuencia inicial, rodada en las calles de París, es espectacular, el resto del metraje tedioso, caótico y sonrojante.

Tras la pista de los ladrones está Mattei (Daniel Auteuil) un inspector, cuyo hijo fue un soldado que murió en Afganistán, con apenas 30 años. Sabremos luego que era un tirador de élite, que formaba parte del equipo de Mattei (sí, este es un militar retirado o desertado), que algo sucedió y que el hijo del inspector acabó muerto.

Parece que los tiros van por dilucidar si Mattei dará con Kaminski, si conseguirá echarle el guante, pero no. Por medio se cruza un médico clandestino, un asesino en potencia y en acción que lleva años matando jóvenes mujeres, cuyas acciones salen a la luz cuando un miembro de la banda es herido y acaban en el quirófano clandestino del Doctor Muerte, el cual además de sádico es avaricioso y no puede menos que devanarse los sesos buscando la manera de quedarse con tamaño botín.

A medida que avanza la película el interés proporcionado por la misma se reduce a la mínima expresión, el guión brilla por su ausencia, las secuencias se suceden sin la menor chispa, por más violencia que halla en las mismas, se van mezclando distintos géneros (cine negro, bélico, gore, atracos, asesino en serie), escenas vistas o intuidas en otras películas similares y de ese batiburrillo de esa mezcla tan alocada, no sale nada bueno, salvo la palabra fin, que da conclusión a la película.

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Si el cine francés brilla a veces a gran nivel, ofreciendo películas de acción consistentes, profundas y equilibradas, en otras ocasiones, el resultado como acontece con Le Guetteur, es una película huera, simplona, epidérmica, previsible, pretenciosa e insignificante, donde no hay emoción, ni suspense alguno.

La dirige Michele Placido, responsable de la estupenda Romanzo Criminale, y su hija es Violante Placido, que da vida en el film a Anna, cuyo rostro os sonará de haberla visto en El americano, junto a George Clooney.

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Rec 3 Génesis (Paco Plaza 2012)

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Película: [Rec]3 Génesis. Dirección: Paco Plaza. País: España. Año: 2012.Duración: 77 min. Género: Terror. Interpretación: Leticia Dolera (Clara),Diego Martín (Koldo), Ismael Martínez (Rafa), Àlex Monner (Adrián), Claire Baschet (Natalia), Jana Soler (Tita hermana Clara), Emilio Mencheta (tío Víctor), Adolf Bataller (Domingo), Dolores Martín (Manoli), Blai Llopis (Quiquín). Guion: Paco Plaza y Luiso Berdejo. Producción: Julio Fernández. Música:Mikel Salas. Fotografía: Pablo Rosso. Montaje: David Gallart. Dirección artística:Gemma Fauría. Vestuario: Olga Rodal

Ahora cuando los guionistas, o el director, el productor, o quien sea, no se decide a hacer una secuela, tiran de precuela, como en este caso. Así nos hallamos ante REC3 la génesis. Pues eso, el origen.

Esta vez la acción discurre en una una boda. Con cámara, nerviosa en mano, en un principio vemos la entrada de los novios en la iglesia, los grupillos de familiares que se forman, lo hortera del vestir de todos ellos (algo extensible a cualquier bodorrio), el tema que el novio, Koldo, canta a su novia, Clara, manifestándole lo mucho que la quiere, para luego trasladarse al sitio donde tiene lugar el banquete nupcial. Allí el tío del novio, a quien ha mordido un perro que parecía muerto, se desploma desde una barandilla para luego darle un bocado cárnico a su mujer. Comienza entonces el caos absoluto, donde la muerte se enseñorea a manos de unos humanos convertidos en otro cosa, algo parecido a unos zoombies que se mueven de forman espasmódica, todos ellos ávidos de carne y sangre ajena. Aquello es el delirio, el infierno en la tierra, muy salvaje. ¿Nada nuevo bajo el sol? , Sí y no. La película tiene su impronta cañí y eso ya es mucho acostumbrado a ver a menudo películas españolas impersonales e indeterminadas.

El acierto de la película, a mi entender, es el humor que destila, con unos momentazos hilarantes, que alivian las secuencias más gore de ese chorreo sanguíneo y de tantos cuerpos mutilados. La novia, Clara (magnífica en su papel la actriz Leticia Dolera), en lugar de achicarse, se crece ante la adversidad, motosierra en mano.

Es mi día, dice una y otra vez, y le falta añadir, “y nadie me lo va a fastidiar”.

A su vez, su amado, va a su encuentro, y lo consiguen, reencontrarse y morir juntos, dejando para el recuerdo una historia de amor muy gore pero al mismo tiempo bonita. La factura técnica de esta producción es impecable.

Detrás de la cámara Paco Plaza, autor del guión junto a Luiso Berdejo.
REC3 me ha ha resultado divertidísima y me he reído un montón, con chascarrillos muy acertados como la presencia de ese hombre apodado Canon (un empleado de la SGAE) o John Esponja, un animador cultural embutido en un traje que asemeja mucho al de la esponja marina. Tema aparte temazos como Gavilán o paloma o Eloise de Tino Casal, que te hacen reír a las primeras de cambio.

Además, para los más apretados de tiempo, comentar que la película sólo dura 80 minutos. Otro tanto a su favor para verla, y disfrutarla.

Sí amigotes, esta precuela, si cuela.

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A Serbian film (Srdjan Spasojevic 2012)

A serbian film poster películaTítulo: A Serbian Film
Título original: Srpski film
Dirección: Srdjan Spasojevic País: Serbia Año: 2010
Fecha de estreno: 21/01/2012 Duración: 104 min
Género: Thriller, Terror, Erótico Calificación: Película X
Reparto: Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Katarina Zutic, Slobodan Bestic, Ana Sakic, Lena Bogdanovic, Luka Mijatovic, Andjela Nenadovic, Nenad Herakovic
Guión: Aleksandar Radivojevic, Srdjan Spasojevic
Distribuidora: Jinga Films

A Serbian film causó mucho revuelo hace un par de años, en su estreno el Festival de Sitges, pues fue censurada. A día de hoy muchos telediarios también deberían censurarse, ya que no es raro encontrar en ellos cuerpos mutilados después de un accidente aéreo, o tras un atentado terrorista. Tampoco faltan últimamente las decapitaciones en vivo perpetradas ante la cámara por seres desalmados. El cine tampoco rehuye la violencia, en muchos casos explícita, y el género gore se nutre de mutilaciones, decapitaciones, uñas arrancadas, miembros seccionados, etc. Entonces, ¿por qué se censuró A Serbian film?.

La película no es un documental, es ficción y como tal el director está en su derecho de hacer en su película lo que le venga en gana. Este fenómeno, que atiende al nombre de Srdjan Spasojevic, en su guión sigue una máxima “Agujero veo, agujero quiero” y este es el leitmotiv de la película, protagonizada por un ex actor porno, Milos, muy afamado en su día, que se deja tentar para hacer otra película más, por la que su director, quien ve algo artístico en lo pornográfico, le ofrece una suma elevada a la que no puede renunciar, pues actualmente Milo y su familia no nadan en la abundancia.

A cambio de hacer la película de marras, Milos perderá su esencia humana, para convertirse en otra cosa, en algo monstruoso. A tal llega la mutación que luego vivir ya no tiene ningún sentido para él, así que decide quitarse la vida, así como la de su mujer y la de su hijo. Cuento el final y así a muchos les ahorra un mal trago y un peor visionado.

La película está bien rodada y fotografiada, pero el guión es tan flojo que aburre desde el principio. La vi, porque había tanta expectación creada, con gente que vomitó en los cines, que salía horrorizada de las salas, que comentaban que era lo más salvaje que habían visto en toda su vida, que no podían dormir por las noches porque tenían flashes vistos en la película, que habían pedido el alta voluntaria en hospitales psiquiátricos, que se habían convertido al catolicismo y blablabla, que no me quedaba otra, como adicto al cine que soy, que verla.

Si la censuraron será, creo, porque la película contiene escenas que van desde sexo con un recién nacido ante la mirada estupefacta de la parturienta, sexo con una muerta, decapitación de una mujer post coito, felación de una mujer a su secuestrador tras dejarla sin un diente, sodomización paterno-filial (sin que el padre sepa que se lo está haciendo con su hijo), violación de la mujer de Milos por parte de su hermano que siempre le ha tenido ganas, a su mujer. A su vez a Milos también lo sodomizan después de drogarlo y una madre le ofrece a su hija para que la haga una mujer, ante lo que Milos no puede menos que cogerse su verga con intención de amputársela.

Habrá levantado ampollas pero a mí me ha aburrido mucho. El final, cuando usa su polla como si se tratara de un destornillador para acabar con uno de los malotes, la película resulta hasta graciosa, el resto entre vomitivo, penoso y sobre todo aburrido, muy aburrido y reiterativo.

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The seasoning house (Payl Hyett 2012)

The seasoning house
Director: Paul Hyett
Guión: Paul Hyett, Conal Palmer
Elenco: Rosie Day (Angel) Kevin Howarth (Viktor) Sean Pertwee (Goran)
País: Reino Unido
Año: 2012
Duración: 95 minutos
Música: Paul E. Francis
Casting: Manuel Puro
Fotografía: Adam Etherington

Lo que más me sorprende, para mal, de una película como esta, es que la situación que vemos en la película, que es una ficción, pero al mismo tiempo es real, la hayamos asimilado de tal manera, que la podamos ver en una pantalla y no nos indigestamos viéndola, sino que nos quedemos pegados a la pantalla hasta que la misma acaba, entre atontados, hipnotizados y asqueados.

La historia se sitúa en los Balcanes, durante la guerra que tuvo lugar allí en los 90. Unos milicianos campan a sus anchas pegando tiros a diestro y siniestro, con total impunidad, violando mujeres y llevándose presas a otras tantas adolescentes o niñas, con idea de someterlas luego en prostíbulos, bajo un régimen esclavista.

A los golpes, puñetazos, patadas y cuantas otras vejaciones osemos imaginar que reciben de los hombres (más bien bestias), que allí acuden a saciar su apetito sexual con niñas, hay que sumar la sordidez, suciedad podredumbre del ambiente, y las drogas que les inyectan para que de esta manera sean más sumisas, complacientes y finalmente dependientes, entrando en un bucle del que saldrán con los pies por delante, para ser luego alojadas a las afueras del prostíbulo en un montículo, propio de un campo de concentración nazi.

Una de estas adolescentes, sordomuda, de nombre Angel, es el ojito derecho del dueño del lupanar, y esto la libera del trato carnal, realizando otras muchas tareas, como pinchar a las otras niñas y maquillarlas, para que estén presentables. Acomodada en su situación, todo cambia, cuando Angel entabla amistad con una de estas esclavas sexuales, que conoce el lenguaje de signos. Angel echa entonces la vista atrás, dinamita el muro de hormigón donde estaban sepultados sus recuerdos, y decide entonces tomar cartas en el asunto y hacer frente a los agresores: un puñado de
milicianos.

Lo que venía siendo un drama dantesco, una bajada y estancia en los infiernos, torna en algo más gore, donde prima la acción, donde chorrea la sangre y la adrenalina al mismo compás y así hasta el final de la cinta que no desvelo, porque es de traca y que me recuerda mucho a otro peliculón, Eden Lake.

Rosie Day (Angel) se come con patatas al resto del elenco. Una acertada mezcla de drama humano y violencia desmedida. Sorprendente, cuanto menos.

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Keep the lights on (Ira Sachs 2012)

Keep the lights on

Película: Keep the lights on. Dirección: Ira Sachs. País: USA. Año: 2012. Duración: 101 min. Género: Drama. Interpretación: Thure Lindhardt (Erik), Zachary Booth (Paul), Sebastian La Cause (Russ), Marilyn Neimark (ella misma), Julianne Nicholson (Claire), Sarah Hess (Katie). Guion: Ira Sachs y Mauricio Zacharias. Producción: Marie Therese Guirgis, Lucas Joaquin e Ira Sachs. Música: Arthur Russell. Fotografía: Thimios Bakatakis. Montaje: Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Amy Williams. Vestuario: Elisabeth Vastola. Distribuidora: Karma Film

Keep the lights on nos cuenta la relación amorosa de dos hombres, Erik y Paul a lo largo de una década. Nada nuevo se puede descubrir en cuestiones amorosas, ya que todas las relaciones nacen y mueren o se mantienen en el tiempo.

Erik, realizador de documentales, se enamora profundamente de Paul, un abogado de éxito, adicto a las drogas, que rehuye el compromiso desde el principio. Erik querrá avanzar en la relación, lo cual, y a la vista de la situación, le hará replantearse si merece la pena seguir, y en el caso de hacerlo a qué precio.

La historia discurre sin altibajos, plasmando con buen pulso, los comienzos de la relación, cómo esta va avanzando y manteniéndose en el tiempo (con saltos en el tiempo, viendo el transcurso de la relación durante diez años), cuando ya ambos conocen las miserias del otro, y deciden seguir juntos, dado el afecto que se profesan.

Erik será el que esté tirando del carro, Paul dejándose querer, pero al mismo tiempo resultando inasible, correoso, buscando destruirse, quizá porque no encuentra otra manera mejor de cortar por lo sano y refugiarse en su independecia, un castillo donde no ondee la bandera del compromiso.

Keep the lights on

Esa complejidad que caracteriza el alma humana, esa riqueza, la contradicción, esa escala de grises, en la que nos movemos a diario, es el gran valor de esta película, con una labor de los actores meritoria, tanto de Thure Lindhart como de Zachary Booth, tanto como la excelente dirección de Ira Sachs.

Más allá de ver en pantalla un amor entre dos hombres (que bien podría ser también entre dos mujeres, o entre personas de distinto sexo), lo que me ha resultado valioso es la sensibilidad que impregna toda la película, el amor del director hacia unos personajes de carne hueso, con los que resulta sencillo empatizar, dado que el amor sin espinas, no es amor.

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7 cajas (Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori 2012)

7 cajas

Película: 7 cajas. Dirección y guion: Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori. País: Paraguay. Año: 2012. Duración: 100 min. Género:Thriller. Interpretación: Celso Franco (Víctor), Lali Gonzalez (Liz), Nico García (Luis), Mario Toñanez (sargento Osorio), Nelly Davalos (Tamara), Roberto Cardozo (Gus). Producción: Maneglia Schémbori. Música: Fran Villalba. Fotografía: Richard Careaga. Montaje: Juan Carlos Maneglia y Juan Sebastián Zelada. Dirección artística: Carlo Spatuzza

Si no me equivoco, 7 cajas, es la primera película Paraguaya que veo en toda mi vida. Estamos en Paraguay, en su capital, Asunción, en el famoso Mercado 4, y allí, Víctor, un joven que trabaja como carretillero, y quiere un teléfono móvil a toda costa, tanto como ser actor, y ver su careto en todas las televisiones, pero que anda mal de guita, acepta el encargo de transportar 7 cajas, del punto A (que es una carnicería) al Punto B, cuya ubicación se lo dirán poco después.

Víctor desconoce qué hay en el interior de las cajas que transporta, pero intuye que se trata de algo turbio. A medida que pasan los minutos, las cosas se van complicando exponecialmente, tejiéndose los hilos entre todos los personajes, que hace que un hecho, que no debiera de tener más transcendencia, se transforme en una maraña de problemas.

Víctor se verá acechado por otra banda de carretilleros que yerran en cuanto al contenido que guardan las cajas, pero que les hará mostrarse especialmente motivados en encontrar al joven. No falta tampoco la presencia policial, unos agentes que irán siguiendo a Víctor hasta el punto de entrega mientras alucinan con las prestaciones de un móvil capaz de hacer fotos y grabar vídeos, un embarazo y posterior alumbramiento in extremis, un secuestro que acaba mal, un enamoramiento (o dos) en ciernes, transexuales capaces de aliviar la carne y sonsacar la palabra, carniceros que se pasan al otro lado de la ley, y todo ello narrado a un ritmo frenético, sin pausa, lo que hace avanzar la historia, no solo sin altibajos, sino de forma sostenida, aumentando en su intensidad, a medida que la historia se va alimentando de todas las subtramas que van convergiendo hacia un final, donde abrevan todas ellas, derramando sobre el espectador, una historia bien hilada, bien narrada, divertida, emocionante, hábilmente montada.

7 cajas

Una historia que aunque transcurre en un mercado en Paraguay, puede ser extrapolable a cualquier rincón del mundo, porque a fin de cuentas lo que vemos es algo tan sencillo como la lucha por la supervivencia, por ganarse las habichuelas, y eso es igual en todas partes. El idioma guaraní se entremezcla con el castellano, por lo que hay que verla en versión original subtitulada para enterarse de la fiesta.

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Vivir es fácil con los ojos cerrados (David Trueba 2013)

Vivir es fácil con los ojos cerrados

Película: Vivir es fácil con los ojos cerrados. Dirección y guion: David Trueba. País: España. Año: 2013. Duración: 109 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Javier Cámara (Antonio), Natalia de Molina (Belén), Francesc Colomer (Juanjo), Ramón Fontseré (Ramón), Rogelio Fernández Díaz (Bruno), Jorge Sanz (padre de Juanjo), Ariadna Gil (madre de Juanjo). Producción ejecutiva: Cristina Huete. Fotografía: Daniel Vilar. Montaje: Marta Velasco. Dirección artística: Pilar Revuelta. Vestuario: Lala Huete

España. Año 1966. Franco sigue en el poder, manteniendo su dictadura, después de treinta años. Los curas siguen aplicando su máxima de la letra con sangre entra. El aborto no es una opción. La mujer sigue entregada a su familia y las labores domésticas y el hombre, acomodado en su rol de gallito, atusándose el bigotillo frente al espejo, y soltando la mano con frecuencia para que no se le duerman los miembros (hete ahí las familias numerosas).

En ese estercolero nace, crece, se desarrolla y acaba dando clase Antonio (inmenso Javier Cámara), profesor de inglés y de latín, un humanista que lee un poesía cada noche antes de acostarse (limando así los contornos de esa realidad tan cortante) sólo, machadiano, obsesionado con The Beatles, con John Lenon, el cual va a Almería a rodar una película, y detrás suyo Antonio, que quiere conocerle, cumplir su sueño y por eso se monta en su seiscientos (con matrícula de Logroño), deja Albacete por unos días, y una vez en la carretera conoce en una gasolinera, al repostar, a Belén, la cual está embarazada, quien dejó su hogar para no mancillar el honor de su familia, y al cual quiere retornar preñada de tres meses y cuando Antonio y Belén se están conociendo, Antonio de palique y ella escuchando, otro joven, Ramón, se les cruza en su camino, tras abandonar su hogar, para formar un trío, compacto, hasta su destino: Almería.

Allí les espera el mar y frente a él, cuatro tablas descoloridas, digamos tasca, y cuatro paredes con techo, digamos hotel y un sol que ajusticia a todo bicho viviente desde que se levanta hasta que se acuesta. Y cada cual tendrá un tiempo extra para aclararse las ideas, para centrar sus existencias por el sendero deseado y todo esto nos lo muestra David Trueba, que dirige y escribe el guión, con tino, con mucho afecto y sensibilidad hacia sus personajes, sin caer en lo sentimental, mostrando como a pesar de todo, siempre hay lugar para la esperanza, para la buena gente, dispuestas a dar su cariño y afecto a los demás, como Antonio, que ya sea desde el encerado o en otra circunstancia se afana por hacer un mundo mejor.

La película me ha gustado y emocionado mucho. La vi en unos cines que han abierto recientemente en Logroño, 7 Infantes, un miércoles a las 19,45 en una sala donde en total estábamos 7 personas. Los años 60 y 70, apenas han sido explotados en cine, y no sé porqué. Todo se polariza hacia películas presentistas o ambientadas en La Guerra Civil. Descubro a la joven actriz Natalia de Molina, en cuyo rostro se recrea la cámara, para mostral la belleza en estado puro.

Vivir es fácil con los ojos cerrados

Dos cosas. Una, cuando Antonio se encara con esa bestia que le corta el pelo a Ramón, y va dos veces al suelo, me parece estar viendo En un mundo mejor de Susanne Bier. La segunda, cuando Antonio sale de las aguas, tipo James Bond, faltaban casi 40 años para que Craig hiciera lo propio en la pantalla grande.

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Tú y yo (Bernardo Bertolucci 2012)

Io e te

Película: Tú y yo. Título original: Io e te. Dirección: Bernardo Bertolucci. País: Italia. Año: 2012. Duración: 103 min. Género: Drama. Interpretación: Jacopo Olmo Antinori (Lorenzo), Tea Falco (Olivia), Sonia Bergamasco, Veronica Lazar, Tommaso Ragno, Pippo Delbono. Guion: Niccolò Ammaniti, Umberto Contarello, Francesca Marciano y Bernardo Bertolucci; basado en la novela de Niccoló Ammaniti. Producción: Mario Gianani y Lorenzo Milei. Música: Franco Piersanti. Fotografía: Fabio Cianchetti. Montaje: Jacopo Quadri. Diseño de producción: Jean Rabasse. Vestuario: Metka Kosak.

Io e te, novela escrita por Nicolo Ammaniti fue llevada a la pantalla grande en el 2012 por Bernardo Bertolucci, quien llevaba ya unos cuantos años sin rodar por Italia.

El libro de Ammaniti es muy bueno. Breve pero intenso. Al pasar del papel al fotograma se pierde muchísimo de la materia narrativa que hacía de la obra de Ammaniti algo vibrante, potente y dramático.

El protagonista es Lorenzo, un joven adolescente quien por un lado quiere formar parte del rebaño y al mismo tiempo quiere preservar su individualidad, su espacio, su identidad. Cuando en su instituto llega la Semana Blanca, Lorenzo, se despide de su madre, la cual lo imagina horadando la nieve con sus skies, cuando lo que no sabe es que su hijo estará durante todo ese tiempo escondido en el sotano del inmueble en el que residen.

Al poco de tomar posesión del terreno, de un sotano que tiene las dimensiones de un apartamento de cuarenta metros, con baño y todo, Lorenzo recibe la visita de su hermanastra, Olivia, a la que hace años que no veía.

Io e Te

Como la soledad es muy puñetera y ambos se ven obligados a estar juntos bajo un mismo techo, comienzan las confidencias, los ratos compartidos, la recuperación de la memoria, de los recuerdos, y algo va creándose entre ellos, fortaleciendo esos lazos fraternales, que aunque débiles siempre estuvieron allí, agazapados, esperando su oportunidad. Olivia está enganchanda a las drogas y cuando no se pone, tiene el mono, y le asquea tener al lado a Lorenzo, viéndola en ese estado crítico, patético.

En el libro Ammaniti logra con muy pocas palabras crear un personaje, en la película, a pesar de no ser muy larga, cuesta llegar al personaje, ir más allá de las epidermis, de los granos, del pelo enmarañado, de un cuerpo quebradizo y llegar a ese punto donde se cuecen las emociones y se pergeñan los sentimientos.

Las interpretaciones de Jacopo Olmo Antinori (Lorenzo), Tea Falco (Olivia) son buenas, a pesar de que ambos, son casi nuevos en la profesión. Como una forma de abordar la adolescencia la película resulta interesante. Algo similar a lo que ocurría en 15 años y un día, que sin ser producciones redondas, merecen un visionado.

Trailer de Io e Te

El temazo de David Bowie, Ragazzo solo, ragazza sola.(1970)

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Turistas (Ben Wheatley 2012)

Turistas poster movie -Sightseers-

Película: Turistas (Sightseers). Dirección: Ben Wheatley. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 89 min. Género: Comedia negra. Interpretación: Alice Lowe (Tina), Steve Oram (Chris), Eileen Davies (Carol), Roger Michael, Richard Glover (Martin), Monica Dolan (Janice), Seamus O’Neill, Jonathan Aris (Ian). Guion: Steve Oram y Alice Lowe, con la colaboración de Amy Jump. Producción: Nira Park, Andy Starke y Claire Jones. Música: Jim Williams. Fotografía: Laurie Rose. Montaje: Robin Hill, Amy Jump y Ben Wheatley. Dirección artística: Jane Levick. Vestuario: Rosa Dias. Distribuidora: Festival Film

Tina y Chris llevan unos meses saliendo y se disponen a pasar una semana fuera de sus respectivas casas, ya que Tina vive con su madre la cual no se ha recuperado de la muerte de su perro Poppy.
A pesar de que van camino de los cuarenta, la pareja vive su idilio como si fueran dos adolescentes, y la perspectiva de estar los dos a solas, durante una semana, rulando por tierras británicas con una caravana, por Yorkshire en concreto, les excita.

Todo se tuerce en parte, cuando al echar marcha atrás con la caravana atropellan a un peatón, al que matan en el acto. Quizá se trate de un accidente pero a Chris no le supone ningún problema, pues al atropellado ya se la tenía jurada de antes.

Poco a poco iremos viendo como esta pareja son tal para cual, ambos están locos de atar, y además son violentos, psicopáticos, que disfrutan matando.

Así irán sembrando de cadávares el camino que pisan.

No falta el humor negro, y mucha violencia explícita y sexo salvaje. Los protagonistas hacen unas interpretaciones muy buenas, tanto que sí, que parecen que ambos están realmente zumbados.

El final es de traca.

Una película singular, una apuesta inteligente e interesante, bizarra, salvaje y gamberra, no apta para todos los públicos, que me ha gustado, en su sencillez.

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