Archivos de la Categoría 'Cine Argentino'

Elefante blanco (Pablo Trapero, 2012)

Elefante Blanco

Me enfrento a la película de Pablo Trapero con los ecos de películas como Ciudad de Dios o Tropa de élite, donde el director argentino da la voz, y las armas, a los más desfavorecidos, a las miles de personas que viven hacinadas en la Villa 31, en penosas condiciones de salubridad, reducido ese espacio a un forúnculo de la ciudad de Buenos Aires. Una realidad, la que nos presenta muy crudamente, que pocas veces se ve retratada en la pantalla grande, mas presta a conformismos y complacencias de todo tipo.

Trapero echa mano de actores importantes como Ricardo Darín (Julián), secundado por Jérémie Renier (Nicolás) y por Martina Gausman (Luciana).

Julián lleva años ejerciendo como párroco en la Villa 31 y está ya cansado y enfermo. Y busca en Nicolás, su pupilo, la figura que le reemplace con su obra cuando él no esté.

Desgraciadamente la muerte (no natural) final de Julián, lo convierte en un versión actualizada del padre Múgica, otro párroco que fue martirizado, cuyo empeño fue también dar su vida por los más desfavorecidos.

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La puesta en escena es trepidante, luminosa, vivaz, pero la historia adolece de un guion más contundente, más trabajado. Esta carencia muestra las fallas de una historia, que apenas aporta nada nuevo, con un tratamiento, donde todo queda muy en la superficie, en lo anecdótico diría, un tratamiento de la podredumbre esquemático y epidérmico.

El empeño de Trapero es plausible, su película es dura, tópica, desgarradora a ratos, pero de muy corto alcance y de escaso aliento.

La escena en la que Nicolás y Luciana dan rienda suelta a su deseo, a su pasión irrefrenable, me ha resultado el momento más intenso, verosímil y vibrante de todo el film. Ese momento, esa pequeña muerte, en la que el ser humano llega a creerse inmortal, cifra los anhelos humanos en un deseo tan urgente como contingente.

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Tesis sobre un homicidio (Hernán Goldfrid 2013)

Tesis sobre un homicidio cartel películaPelícula: Tesis sobre un homicidio. Dirección: Hernán Goldfrid. Países: España y Argentina. Año: 2013. Duración: 106 min. strong>Género: Thriller. Interpretación: Ricardo Darín (Roberto Bermúdez), Alberto Ammann (Gonzalo), Calu Rivero (Laura), Arturo Puig (Hernández). Guion: Patricio Vega; basado en la novela de Diego Paszkowski. Producción: Diego Dubcovsky y Gerardo Herrero. Música: Sergio Moure de Oteyza. Fotografía: Rodrigo Pulpeiro. Montaje: Pablo Barbieri. Diseño de producción: Mariela Rípodas. Vestuario: Cristina Rodríguez. Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

Hacía tiempo que no veía una película tan mala, tan desastrosa, tan aburrida, tan sosa. Me pregunto si a medida que se va rodando la película y ésta se va visionando antes de su estreno, nadie (director, actores, productores ejecutivos, guionistas, etc.) pone el grito en el cielo ante semejante trullo.

Es imposible ganar dinero con un producto similar, imposible pagar 8 euros para ver una película tan horrenda. El reclamo publicitario consiste en decirnos que Tesis sobre un homicidio comparte los productores que El secreto de tus ojos (película muy notable). ¿y?. Si los productores pensaban que esta película valía la pena y decidieron apostar por ella, erraron de lleno.

Como thriller psicólogico Tesis para un homicidiio no funciona para nada. Resulta trabada desde su comienzo, no coge fuelle en ningún momento y su final exaspera.

¿De qué va?. Un profesor de derecho, Roberto (Darín) imparte un seminario, un doctorado, para otros recién licenciados que quieren enriquecer su currículo. Entre los alumnos está Gonzalo, hijo de un amigo de Roberto.

Mientras Roberto imparte una clase, una joven es brutalmente asesinada, y su cuerpo aparece frente al campus.

Roberto no puede menos que hocicar en la investigación, intentando saber qué es lo que ha pasado. Esto le lleva nada menos que a pensar que el asesino de la chica es Gonzalo, al cual está claro que le tiene ojeriza, quizá porque es más joven, más alto, más fuerte, más sano, inteligente, soberbio, prepotente, culto, independiente, etc. O al menos así se nos presenta el personaje de Gonzalo.

Roberto tratará de demostrar que Gonzalo es el culpable del crimen de la chica y ahí comienzan todos los males del film. No hay química entre los personajes. Cuando Roberto y Gonzalo se juntan, algo chirría, todo resula impostado, metido con calzador. Nos cansamos dever los ojos de los protagonistas, sus miradas cansadas (la de Gonzalo). No entiendo esa fijación con los rostros.

Y no pasa mucho más. Esos detalles o pistas que Gonzalo va dejando le permiten a Roberto volverse tarumba, apenas dormir, ir degenerando en una obsesión, con la esperanza de que esos detalles se conviertan en evidencias sólidas, pruebas fehacientes.

Si además el final resulta abierto, lo anterior todavía resulta más sonrojante. Pensaba que la tesis que Gonzalo escribe tendría algún penso en la historia. Me equivocaba.

El trailer de Tesis sobre un homicidio es infinitamente mejor que la película. Veanlo si les place y evítenses perder 106 minutos con este bodrio. Ricardo Darín como siempre está solvente. Ammann hace el peor papel hasta el momento. La chica Calu Rivero, exaspera por su languidez.

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El muerto y ser feliz (Javier Rebollo 2012)

El muerto y ser feliz portada pelicula Javier Rebollo 2012Película: El muerto y ser feliz. Dirección: Javier Rebollo.
Países: España, Argentina y Francia.
Año: 2012. Duración: 94 min.
Género: Comedia negra.
Interpretación: José Sacristán (Santos), Roxana Blanco (Érika), Valeria Alonso, Jorge Jellinek, Lisa Caligaris (Alejandra), Fermí Reixach (Santiago), Vicky Peña, Carlos Lecuona.
Guion: Lola Mayo, Javier Rebollo y Salvador Roselli.
Producción: José Nolla, Lola Mayo, Damián París y Luis Miñarro. Fotografía: Santiago Racaj. Montaje: Ángel Hernández Zoido.
Dirección artística: Miguel Ángel Rebollo.
Vestuario: Marisa Urruti.

Quien busque una película alegre, divertida, personajes simpáticos y ufanos, parajes paradisiacos, diálogos trillados, encuadres perfectos, una fotografía deliciosa, le recomiendo que no vea El muerto y ser féliz.

El muerto al hoyo y el vivo a ver las películas de Rebollo.

Rebollo es director de cine. Lo descubrí con La mujer sin piano. Si la has visto sabrás que Rebollo es especial, que para él, el cine es otra cosa, a lo que significa para el público y para otros muchos directores. Así que o te gusta y te magnetiza o te echa de su lado sin remisión. A mí me ha enganchado. Y me apetece hablar de El muerto y ser feliz porque me ha gustado mucho.

La película es más rara que un perro verde, eso de entrada. Comienza con un señor en un parque, enfocado desde arriba, reducido casi al tamaño de un playmobil, mientras una vez en off nos va narrando lo que sucede. Que una mujer se acerca al caballero para darle morfina.

El caballero de la triste figura no es otro que Santos, quien va camino de palmarla porque en su cuerpo moran tres tumores diferentes. Santos ha sido asesino profesional. Recibe un encargo que no lleva a buen puerto. Y decide poner tierra por miedo.

Estamos en Argentina. Un país que habida cuenta de su extensión es ideal para pergeñar algo parecido a una road-movie.
En una gasolinera, una mujer, Érika, se introduce en el auto, en su asiento trasero. Se baja, se va caminando, es renga, es coja. Luego Santos la acoge en su auto, en su seno, en su vida. Así, casualmente, sin comerlo ni beberlo, Santos que va camino de su extinción y Érika que sólo quiere huir, se abrazan en un recorrido de casi 5000 km por carreteras argentinas, al tiempo que se van conociendo. Un conocimiento respectivo, sútil e inteligente, con unos diálogos y situaciones de las que solo Rebollo es capaz de crear.

Sacristan se muestra patético. Lo vemos apalizado, fofo, desnudo, derrumbado, socavado, en las últimas. A su lado la gran actriz Roxana Blanco (maravillosa en La demora), cuya cara de tristeza y aflicción, te empapa el ánimo como una mortaja. Y así a lo tonto, van pasando los minutos, los kilómetros, la vida, registrado con una fotografía arenosa, sucia, surcando caminos de tierra, poblaciones dejadas de la mano de Dios, donde la gente vive y canta y festeja.

Respecto a la voz en off, es obra de Lola Mayo y Rebollo, los guionistas de la película. Si al principio nos ensanchan lo que vemos y anticipan lo que va a pasar o está pasando al final esa voz en off está tan perdida como todos los demás y ya no logra interpretar ni anticipar nada, porque la sombra acaba anticipando al cuerpo.

El muerto y ser feliz una obra arriesgada, singular, original, creativa y bella.

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Aparecidos (Paco Plazas 2007)

Aparecidos poster películaDirección y guión: Paco Cabezas.
Países: España y Argentina. Año: 2007. Duración: 105 min.
Género: Thriller, terror.
Interpretación: Ruth Díaz (Malena), Javier Pereira (Pablo), Pablo Cedrón (Gabriel), Leonora Balcarce (Amalia), Luciano Cáceres (Manuel), Isabella Ritto (niña), Héctor Bidonde (Dr. Lehrmann), Graciela Tenenbaum (Amanda).
Producción: Álvaro Alonso, Antonio Chavarrías, Juan Gordon, Miguel Ángel Rocca y Daniel Pensa.
Música: Óscar Araujo y Julio de la Rosa.
Fotografía: Andreu Rebés. Montaje: Fernando Franco.
Dirección artística: María Eugenia Sueiro.
Vestuario: Mariana Polski.

Estrenada a finales del 2008 sin demasiada repercusión, Aparecidos pasó casi sin pena ni gloria por nuestra cartelera (esos casos en los que una desacertada campaña de marketing hace un flaco favor a una película). Se merecía algo más. La historia está rodada en Argentina. La protagonizan dos hermanos, Pablo y Malena, que se trasladan a Buenos Aires, para firmar los papeles que permitan desconectar a su padre, en muerte cerebral, de la máquina a la que está conectado. Pablo más sentimental que su hermana, accede a firmar los papeles si antes se dan una vuelta por el país, yendo a la casa donde nacieron, para una vez allí tratar de conocer algo más de su pasado.

En esas andan cuando en la rueda del coche encuentran un cuaderno con anotaciones y fotos de unos crímenes cometidos 20 años antes. De pronto esa misma noche comienzan a suceder las mismas cosas que acontecieron dos décadas atrás, y los hermanos no saben muy bien qué pintan ellos en esa historia.

A los elementos de thriller y suspense se suman elementos históricos, porque esos aparecidos, son los desaparecidos, los que la dictadura argentina hizo desaparecer, tachándolos de comunistas subersivos. Es sabida la historia, una historia atiborrada de deshumanidad, de barbarie, de violencia inutil, que dejó toneladas de dolor en los familiares de los desaparecidos, de los arrojados al mar desde aviones repletos.

La Reinosana Ruth Diaz con el menda lirendaLa historia tiene un muy buen tono. En verdad asusta, en especial las escenas del hotel, y luego las de la fábrica. La pareja protagonista funciona a las mil maravillas. Tanto Javier Pereira y sobre todo Ruth Díaz (El calentito) están estupendos, Ruth hace la que en mi opinión es la mejor interpretación suya hasta la fecha, con un rostro capaz de expresar un sinfín de sentimientos. El resto de secundarios les van a la zaga. La puesta en escena es notable. Todos los aspectos, fotografía, iluminación, sonido, están muy bien elaborados, y Paco Plazas sabe sacar lo mejor de los actores. La historia resulta entretenida desde el comienzo y la he disfrutado con agrado hasta el final. No es fácil hacer una película de estas características sin caer en lo inverosimil. En esas andas la película en todo momento para al final logra solventar la papeleta con elegancia. Aparecidos, es pues una interesante película de suspense dramático española, que a saber por qué razones no ha obtenido la recompensa que merecía.

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El hombre de al lado

El hombre de al lado cartel películaGénero: Drama País:Argentina Año:2009
Duración:110´
Director: Mariano Cohn, Gastón Duprat.
Actores: Daniel Aráoz, Eugenia Alonso, Inés Budassi, Lorenza Acuña, Bárbara Hang, Enrique Gagliesi.
Guión: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Música: Sergio Pángaro.
Producción: Fernando Sokolowicz, María Belén de la Torre.
Dirección de fotografía: Mariano Cohn, Gastón Duprat.
Ayudante de dirección: Diego Bliffeld. Cámara: Jerónimo Carranza.
Montaje: Jerónimo Carranza. Sonido: Ricardo Pitterbarg.
Dirección de arte: Lola Llaneza.
Dirección de producción: Juan Uruchurtu.

El hombre de al lado es una producción argentina que nos cuenta las desventuras que sufre Leonardo un afamado diseñador de sillas, cuando junto a su magnífica vivienda (habita en la única casa que Le Courbussierconstruyó en América), Víctor un vecino que vive enfrente decide abrir un hueco en la pared y colocar una ventana, para coger unos rayos de sol e iluminar algo su vivienda.

De entrada lo que Víctor, quiere hacer es ilegal, y además situando la ventana ahí, la casa del diseñador queda a un par de metros, violando la intimidad de éste, de su mujer y de la hija.

Luego todo consiste en ese tira y afloja. Víctor es entre otras cosas un artista urbano, que hace esculturas con material de deshecho, que pergeña espectáculos con dedos-marioneta, que no tiene pareja estable y no tiene que rendir cuentas a nadie de cuanto hace. Dice no ser un psicópata, pero poco o nada más sabemos de él, salvo que vive en un bloque de edificios, cuya vivienda es diminuta, más pequeña que el salón del diseñador.

El diseñador por su parte sufre con las obras del vecino, con los constantes ruidos, está continuamente en estado de alerta, pierde la compostura a menudo, sea con la mujer, con los alumnos o con los periodistas. Hay algo en Víctor que le atrae, quizá que porque este sea un espíritu libre, un hombre franco y directo, mientras Leonardo debe seguir a pies juntillas los dictados de su vida burguesa, acomodada, donde su hija pasa olímpicamente de él, y su mujer le come la cabeza con sandeces que llegan a importunarlo, como sus continuos piquitos.

Leonardo tratará de convencer a Víctor de que no haga la ventana, y luego una vez hecha de que deje todo como estaba en un principio, buscando siempre excusas, que le exoneran de decir lo que piensa, parapetado en sus mentiras y falsedades.

Los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat sutilmente critican al diseñador y los suyos, que viven en sus burbujas, para quienes cualquier insignificancia se les antoja un problema de dimensiones universales, que no quieren tomar contacto con quien está fuera de su clase social, de su grupo de influencia. Ellos viven en casas exclusivas en bunker, desde los cuales aprecian la realidad circundante con miedo porque para ellos todo supone una amenaza, aquejados de mixofobia.

Demoledora la escena en la que Leonardo junto a otro “entendido” de música, se ponen a escuchar música ambiente, llegando a confundir la música del cedé con los ruidos que hace el vecino con sus obras. Lo mismo que sucede cuando el que no tiene ni idea de arte, se las da de entendido y queda en evidencia.

Los dos actores Rafael Spregelburd (Leonardo) y Daniel Aráoz (Víctor) están sembrados, son personajes ricos, profundos, que definen bien su situación. Ante esa línea que divide la existencia de las personas, que delimita las clases sociales y otorga el estatus de amigo o no, es donde se mueven ambos, a veces parece ser que esa línea fuera a desaparecer, que los sentimientos fueran a superar lo material, pero una apuesta que aspira a ser creíble, debe ser consecuente y El hombre de al lado lo es.

El hombre de al lado es una película de las que invitan a debatir tras su visionado los temas planteados. Recomendable.

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El secreto de sus ojos

El secreto de sus ojos cartel películaDirección: Juan José Campanella. Países: Argentina y España. Año: 2009. Duración: 129 min. Género: Drama. Interpretación: Ricardo Darín (Benjamín Espósito), Soledad Villamil (Irene Menéndez), Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Isidoro Gómez), Guillermo Francella (Sandoval). Guión: Eduardo Sacheri y Juan José Campanella; basado en la novela “La pregunta de sus ojos” de Eduardo Sacheri. Producción: Gerardo Herrero, Mariela Besuievsky y Juan José Campanella. Música: Federico Jusid. Fotografía: Félix Monti. Montaje: Juan José Campanella. Dirección artística: Marcelo Pont. Vestuario: Cecilia Monti.

El secreto de sus ojos ha cumplido con creces todas la expectativas que tenía sobre la película. Para nada sus más de dos horas de duración son un lastre para mantener en vilo al espectador, con una historia compleja, alimentada de odios, rencores, rencillas, amores, renuncias y desamores.

Espósito es un funcionario judicial que una vez jubilado, con mucho tiempo libre por delante, decide escribir una novela biográfica, haciendo hincapie en un caso que ya en su día, corre el año 1974, le trajo de cabeza y quedó con muchos cabos sueltos; el del asesinato y violación de una joven en su domicilio. El culpable pisará la cárcel pero circunstancias históricas le harán pissar de nuevo la calle. El marido de la asesinada buscará justicia con un estatismo que luego se desentrañará. Espósito en su afán por esclarecer los hechos, junto a su inseparable compañero Sandoval, se obsesionará con el caso, arrimando el ascua a su sardina, contando para ello con el beneplácito de Irene, su superiora, de quien Espósito queda prendada desde la primera vez que la ve, sin que en ningún momento llegue a confesarle el amor que siente por ella.

Al aspecto policiaco de la historia, la caza y captura del asesino se suma esa tensión sexual no resuelta entre Irene y Espósito, quien quizá por tener diferente condición social que su superiora, por ser esta intocable como le recuerda a Espósito un compañero con el que se lleva a matar, o simplemente por miedo, no se atreve a abrirle su corazón, así una vez que deje pasar ese tren, su vida transcurrirá a lomos de trenes de mercancias, añorando un amor que nunca llegó a materializarse, reconcomiéndose con lo que podía haber sido y no fue.

La novela que está escribiendo le permitirá testimoniar sus recuerdos, hilarlos en el papel, y tratar de buscar respuesta a los interrogantes no resueltos hasta entonces. Espósito no quiero hablar de su vida anterior (una vida vacía, “no vivida”) como algo pasado, ya que lo que está por venir, aunque no sea fácil también es la misma vida a la que quiere sacar algo de jugo antes de que sea demasiado tarde.

Brillantes interpretaciones de Ricardo Darín (Benjamín Espósito), Soledad Villamil (Irene Menéndez), Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Isidoro Gómez) y en especial de Guillermo Francella (Sandoval), quienes nos ofrecen unos mesurados diálogos, donde hay buen humor, tristeza, melancolía, y tan importante como el hablar, lo son los silencios, las miradas, los gestos, la expresión corporal de todos ellos, que afianzan y consolidan una historia potente, endiabladamente adictiva, que nos deja expectantes hasta el último momento, todo ello aderezado con una música deliciosa obra de Federico Jusid (El pantano, Dí que sí, Ladrones, Los misterios de Laura, La Señora,etc), tanto como la fotografía de Félix Monti (Sangre de Mayo, Vientos de agua).

El secreto de sus ojos obtuvo galardones tan importantes en los Goya 2010 como el de Mejor película hispanoamericana y Mejor actriz revelación.

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Encarnación crítica película

Encarnación cartel películaDirección: Anahí Berneri.
País: Argentina.
Año: 2007.
Duración: 93 min.
Género: Drama.
Interpretación: Silvia Pérez (Erni Levier), Martina Juncadella (Ana), Luciano Cáceres (Roberto), Inés Saavedra (Dora), Fabián Arenillas (Jorge), Osmar Núñez (Esteban), Carlos Portaluppi.
Guión: Anahí Berneri, Sergio Wolf, Gustavo Malajovich y Dolores Espeja.
Producción: Diego Dubcovsky y Daniel Burman.
Música: Nico Cota.
Fotografía: Diego Poleri.
Montaje: Alejandro Parysow.
Dirección artística: María Eugenia Sueiro.
Vestuario: Roberta Pesci.

Erni es una mujer que fue vedette y sex symbol, deseada por muchos y popular en los 70 y 80, que ahora, pasados los cincuenta, sin hacer películas, vive lejos de las cámaras, a su pesar, y trata de entrar de nuevo en el mercado aunque sea haciendo spot que la obliguen a lucir su aún atractivo cuerpo.

El paso del tiempo es inexorable y Erni ve como sus brazos se arrugan, le cuelgan los pellejos, su rostro se surca de arrugas, su noviete prefiere pasar el tiempo con sus compañeros de rodaje y no tiene nadie cerca al que poder llamar familia. Hay escenas que certifican este derrumben sin edulcoramientos, como cuando la actriz se mira en el espejo, o se afeite los sobacos y las ingles.

Ante esta tesitura, Erni no se achica. Va a pasar unos días a su tierra natal, donde se reencuentra con su sobrina y su hermana, la cual sin decirle nada ha destinado su parte de un terreno familiar heredado, a la plantación de soja.

Los años dorados y de esplendor son agua pasada que ya no mueve molino, pero Erni en lugar de lamentarse, y aficionarse a las pastillas quejándose de su mala suerte, echa para adelante, reconoce los estragos que el paso del tiempo hace en esas mujeres que son vistas como objetos sexuales, y en su caso, Erni es más que un trozo de carne de vistosas curvas, es una persona con trasfondo, con sentimientos y ánimo vital imponderable, como se verá en su relación con su sobrina, la cual la idolatra, en contraposición con su madre, que sigue la senda del formalismo y lo estricto.

Es normal que la joven se vea seducida por su tía, la cual ha vivido del arte, ha hecho lo que ha querido y podemos llamar espíritu libertario. Es la relación entre las dos la que hace aún mayor el declive de la artista, la contraposición de los cuerpos, que aparentemente son similiares pero donde queda claro, la lozanía y turgencia de un cuerpo en flor, adolescente, con el de otro que frisa los cincuenta, marcado por los años, arrugado por la soledad, dilatado por las preocupaciones, el cual a pesar de los muchos esfuerzos, no deja de mostrar lo que es, un cuerpo siliconado o no, con mucha historia detrás.

Erni sigue siendo atractiva a los ojos de los hombres, y ella disfruta sintiéndose observada. Pero como se verá en la relación que mantiene con Roberto, con ella los hombres buscan saldar una deuda, obtener un trofeo, llevarse a la cama, a la misma mujer que cuando eran adolescentes les permitía pajearse. No será la mujer de su vida, ni nada parecido, sino un momento de sexo temporal.

Silvia Pérez, da vida a Ernie y lo hace magistralmente, con una fuerza y naturalidad que la hacen entrañable, porque la gran virtud de esta historia es que se nos caen los tópicos, que esa rubia de cuervas derrapantes no es un tontón, sino una persona noble que carga a cuestas su propia cruz, como todos, y su declive no nos hará llorar ni nada parecido, sino en todo caso reconciliarnos con la naturaleza humana, poliédrica y compleja.
Martina Juncadella es Ana, la sobrina de Erni, muy bien en su papel.

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Moebius (Möbius, 1996)

MoebiusDirección: Gustavo R. Mosquera
Reparto: Guillermo Angelelli (Daniel Pratt), Roberto Carnaghi (Marcos Biasi), Anabela Levy (Abril), Jorge Petraglia (Mistein), Miguel Ángel Paludi (Aguirre), Fernando Llosa (Nazar), Martín Adjemián (Canotti), Jean Pierre Reguerraz (Deckes), Martín Adjemián (Canotti), Martín Pavlovsky (Conductor 101), Horacio Roca (Edmundo)
Guión: Natalia Urruty, Arturo Oñativia, Gabriel Lifschitz y Pedro Cristiani según cuento de A. J. Deutch
Jefe de Producción: Verónica Cura
Asistente de Dirección: Emiliano Torres y Natalia Urruty
Fotografía: Abel Peñalba
Cámara: Federico Rivares
Dirección de arte: Rodrigo Moscoso
Montaje:Pablo Giorgelli y Alejandro Brodersohn
Música: Mariano Núñez West
Sonido: Martín Grignaschi
Asistente de producción: María Eugenia Sueiro
Escenografía: Federico Ostrofsky
Argentina, 1996

Si ayer hablábamos de paradojas temporales en plan comedia, hoy las paradojas son espaciales, y el estilo de la película es científico, lo que no suele gustarme, ya que ni consiguen explicar las teorías de forma convincentes y que se entiendan, ni crean una atmósfera que favorezca al entretenimiento del público.

MoebiusEn cualquier caso, con el título de la película, ya podemos imaginar cual va a ser el fondo de la trama. Por si alguno no lo sabe, August Möbius (Moebius en español) fue un matemático cuyo principal descubrimiento por el que ha pasado a la historia fue la conocida como Banda de Moebius, una figura con una propiedades muy especiales, que no me veo capacitado para explicar, pero que tiene una sola cara, aunque no lo parezca y puede recorrerse entera volviendo al punto de partido, a pesar de ser una cinta. En fin, os dejo un dibujo explicativo y el enlace, que creo que es lo más que puedo hacer.

Que no se extrañe el que nunca haya oído hablar de la película. Tiene ya 12 años y aunque hizo un buen recorrido festivalero en su momento, ganando algunos de ellos, el cine argentino siempre ha sido bastante mal tratado en nuestras salas de cine (ya se maltratan las cintas españolas, como para no hacerlo con otras filmografías).

En realidad el argumento corresponde al de una película alemana con el mismo título que se había rodado 3 años antes y es por tanto un remake, aunque ambas se basan en un cuento del estadounidense Armin Joseph Deutsch, Subway named Möbius (1950). Está ambientado en el metro de la ciudad de Buenos Aires, en el que una nueva línea de metro construida empieza a fallar y uno de los trenes desaparece entre sus túneles.

Al Director del metro, presionado por sus superiores y desesperado por encontrar una solución, le es difícil encontrar a las personas que trabajaron directamente en el proyecto y sólo cuenta con la ayuda de un matemático topógrafo de la constructora que hace lo imposible por comprender lo que está sucediendo, más que solucionarlo.

el director general del subteSin muchos alardes técnicos, pero con buenas localizaciones, recuerda en el fondo a la película Pi, fe en el caos (posterior, de 1998), donde también las matemáticas tenían gran importancia en el desarrollo de la historia. Al igual que esa peli, aquí se da una importancia más bien filosófica a las matemáticas, incluso al principio se interpreta el metro como una metáfora de la vida. Después aparecen algunos personajes que suponen también una alegoría de diversos órdenes de la vida, como la niña (lo terrenal) que ayuda al protagonista, el profesor (lo divino) que le guía o el director anclado en salvar su propio culo.

Aunque se intenta un poco explicar el funcionamiento de una banda de Moebius aplicada a un sistema como el del metro, no aparecen aburridas e incomprensibles fórmulas matemáticas más que de refilón, sin hacer hincapié en ellas.

El desenlace es un tanto simplón, crea más expectativas de las que puede después afrontar y por eso la historia se queda en simplona, buena y entretenida pero que no da para mucho más que pensar, será que el profesor que da su sermón al final lleva razón y estamos en una época en la que no escuchamos.

Una curiosidad, porque en alguna de las películas de la trilogía de Matrix, creo que en el final de la segunda y el principio de la última, aparece una estación y un andén en la que Neo hace algún tipo de viaje en donde queda atrapado…

Aparte de la vía matemática con Pi, también comparte la filosófica con Matrix.

Enlace | IMDB

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xxy crítica película

XXYDirección: Lucía Puenzo.
Reparto: Ricardo Darín (Kraken), Inés Efron (Rocío), Martín Piroyanski (Álvaro), Germán Palacios (Ramiro), Valeria Bertuccelli (Suli), Carolina Pelereti (Erika), Luciano Nobile (Vando).
Guión: Lucía Puenzo, basado en un cuento de Sergio Bizzio
Producción: Luis Puenzo y José María Morales.
Fotografía: Natasha Braier.
Cámara: Nicolás Puenzo
Montaje: Alex Zito / Hugo Primero
Sonido: Fernando Soldevilla
Dirección artística: Roberto Samuelle.
Vestuario: Manuel Morales & Luisina Troncoso
Maquillaje: Beatushka Wojtowicz
Argentina, Francia, España, 2007

Antes de nada decir que esta crítica es un spoiler en sí, ya que comentándola se destripa. Me ha gustado mucho y creo que es mejor verla y luego leer sobre ella, si es el caso
Ya habló de ella McGuffin hace unos meses y ahora daré mi parecer. Comentar la película es complicado porque a nada que se diga algo del argumento ésta queda destripada. Con esta cártel, a nada que sepas leer y te manejes bien con el alfabeto ya puedes enterarte de qué va el argumento, así pues pasamos a comentarlo.

Alex es hermafrodita, tiene 15 años y está en esa edad en la que tiene que definirse sexualmente, esto es si quiere ser mujer u hombre. Su pecualiaridad suscita no poco encontronazos con la gente de la zona, en especial con los jóvenes de su edad, para los cuales es un monstruo, un bicho raro, que suscita su curiosidad, por lo que tiene de raro, una curiosidad insana, violente, lacerante y a la postre humillante, que dejan heridas en la piel y en el corazón.

Al hogar de Alex, la cual vive con sus padres, en una localidad costera alejada de Buenos Aires llega un matrimonio, antiguos amigos de cuando vivían en la urbe, con su hijo Álvaro adolescente. El padre del muchacho es cirujano y viene a conocer la problemática de Alex y proceder si es menester. Entre Alex y Álvaro surge algo, que no saben bien cómo definir, ya que Alex, actúa como un hombre y su novio actúa como tal, descubriendo algo para él desconocido hasta la fecha.

el empanao Álvaro y la lista de AlexLa chica que interpreta a Alex, Inés Efron, es soberbia, y sólo por verla actúar, en un papel difícil y nada agradable, descarnado y duro merece la pena verla. Todos en conjunto actúan muy bien. No se abunda en el tópico y si no acaba siendo un telefilme de sobremesa es gracias a la profundidad del guión, el cual a pesar de ser una película argentina, no es verborreica así que la historia se construye sobre silencios, que lo dicen todo, porque el dolor como la alegría no necesita de ecos para reafirmarse.

A más de uno le ayudará, porque al final la libertad es lo que permite elegir, asumir las riendas de nuestra vida y madurar, para transitar por caminos de barro y polvo.

otra crítica de xxy en cuak por obra y gracia de McGuffin

Aunque fue seleccionada por Argentina finalmente no está entre las 5 candidatas a llevarse el Oscar a la mejor película de habla no inglesa que son las siguientes.

-Beaufort, de Israel
-Los falsificadores, Austria
-Katyn, de Polonia
-12, de Rusia
-Mongol, de Kazasjtan

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Mi mejor enemigo crítica película

mi mejor enemigoDirección: Alex Bowen Carranza.
Países: Chile, Argentina y España.
Año: 2005.
Duración: 100 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Nicolás Saavedra (Rodrigo Rojas), Erto Pantoja (Osvaldo Ferrer), Miguel Dedovich (Enrique Ocampo), Jorge Román (Carlo Alberti), Juan Pablo Miranda (Guillermo Mancilla), Pablo Valledor (Jorge Salazar), Felipe Braun (Capitán Riquelme), Víctor Montero (Javier Orozco), Andrés Olea (José Almonacid), Diego Quiroz (Figueroa).
Guión: Julio Rojas y Paula del Fierro.
Producción: Alez Bowen Carranza y Pablo Trapero.
Música: Tobar & Miranda.
Fotografía: José María Hermo.
Montaje: Danielle Fillios.
Dirección artística: Verónica Astudillo.
Vestuario: Loreto Vusckovic.

Ójala las guerras se sucedieran como los chistes del humorista Gila. Recuerdan aquello de ¿oiga, es el enemigo..?. Esta película recurre al lado más absurdo de la guerra. Porque la guerra por encima de todo es una estupidez. Cogen a soldados y los mandan a lugares de los que no han oído hablar, les dan un arma y les dicen que cuando vean al “enemigo” disparen. Hay que matar el mayor número de ellos.

Si la guerra se sucede en plan videojuego, muchos lo sobrellevan sin preocupaciones. Pegan unos tiros se cargan los que pueden y regresan. Cuando el “enemigo” se personaliza, y tiene un rostro, entonces matar no es fácil. Es como sacrificar al cerdo que has estado meses alimentando. Se convierte en algo personal, y nada hay más personal y horrendo que quitar la vida a una persona.

La historia acontece en la Patagonia en 1978, donde un destacamento de cinco soldados y su sargento, Chilenos son enviados hasta la frontera con Argentina, donde puede tener lugar una guerra. Una vez instalados en su trinchera, descubren que a pocos metros hay soldados argentinos montando guardia en su respectiva trinchera. También son media docena.

El aburrimiento es la madre de todos los vicios y también del hermanamiento, así que poco a poco irán confraternizando, unos con los otros, sin reparar en nacionalidades. Si hay hombres de por medio, el partido de fútbol es inevitable. Luego se hablará de las minas respectivas, de los bailes de cada partido. Pasarán un buen rato juntos. Perdidos en medio de la nada. En un territorio basto y desierto. Donde el cielo se junta con la tierra sin rastro humano. Donde matar no tiene ningún sentido. Allí, donde Cristo dio las tres voces, aún menos.

La historia está por encima de las interpretaciones que son justitas. El mensaje es lo que nos deja esta intimista y agradable coproducción chileno-argentino-española. Un mensaje de paz en tiempos de guerra, donde incidir en la importancia de la vida humana. Algo que películas recientes como Feliz Navidad también trataron con menos gracia y más ñoñez que esta.

A mí las películas bélicas que más me gustan son las antibelicistas como Mediterraneo, por ejemplo, un peliculón que vería una y cien veces.

Enlaces | Películas Chilenas

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