Archivos de la Categoría 'Cine Belga'

Alabama Monroe (Alex Van Groeningen 2012)

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Si ya es dramático ver la historia de una niña de corta edad que muere a resultas de una leucemia, sumarle a ese hecho luctuoso la muerte de la madre de la criatura, que sin poder superar la muerte de su retoño, decide suicidarse, la película podemos imaginar la carga dramática que atesora.

Elise hace tatuajes. Didier toca en un grupo de bluegrass. Un día Elise entra en la tienda de Didier y le habla de un concierto, de un tipo de música que a él le gusta. Luego ella lo ve a él sobre el escenario, cantando y Cupido hace de las suyas y surge entre ellos la pasión, el amor a borbotones, el sexo sin medida y luego el embarazo de ella, y el nacimiento de su hija Maybelle y cuando todo parece perfecto, la niña tiene leucemia, y todo se desmorona, se resquebraja, se va al traste. Y con la muerte de la niña, surgen los zarpazos, los reproches, las reprimendas, esa ristra de agravios y heridas mal cerradas.

Magnífico el trabajo de Elise (Veerle Baetens) y de Didier (Johan Heidenbergh). Un guión potente que arremete contra esa religión que impide avanzar la ciencia y salvar vidas. Magnífico el discurso de Didier sobre el escenario, sin querer asumir de papel de víctima pasiva, sin voz ni voto. Didier aprovecha ese escenario para exorcizar su dolor, para dar su parecer, algo que Elise, no comparte.

Película desgarradora y compleja, que no esconde nada y muestra todo con toda la crudeza de la que los seres humanos somos capaces de manifestar cuando no somos capaces de controlar nada de lo que nos rodea.

Alabama Monroe se suma a otras producciones realizadas en Holanda y Bélgica como Bullhead o Borgman, que vale la pena y mucho visionar.

Más sobre el cine invisible Belga.

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Bullhead (Michael R. Roskam 2011)

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Sorpresa mayúscula, para bien, la que me ha deparado el visionado de Bullhead película belga/holandesa , que supuso el debut en la dirección de Michael R. Roskam (ahora tiene en cartelera La entrega, película que ha cosechado muy buenas críticas y que reseñaré en breve), la cual compitió en los Oscar 2012 (lo ganó Nader y Simin, una separación) en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

Bullhead, o cabeza de toro, es la testa del protagonista, Jacky, quien de niño sufre una experiencia atroz, a manos de otro niño. Una experiencia que tendrá efectos inmediatos para Jacky desde ese momento y que de manera insoslayable marcará su existencia posterior, dejándole toda clase de secuelas, no sólo físicas sino psíquicas.

Lo más grandioso de la película, con aires de thriller, además de la acertada creación de atmósferas tanto en las secuencias que tienen lugar en el interior de los inmuebles donde los mafiosos del tráfico de sustancias para el engorde del ganado, se reúnen, de cara a repartirse los canales de distribución, vulnerando cuantas leyes sean necesarias para conseguir sus fines, y de las escenas al aire libre, con inmensas praderas verdes y amarillas, donde pastan las vacas y donde el horizonte se licúa con el cielo, además de todo esto, digo, es la figura de Jacky la que resulta majestuosa en su complejidad.

Jacky hormonado desde niño ha desarrollado un volumen, una musculatura, que le da un aire bestial a su físico (Matthias Schoenaerts ganó 27 kilos y mucho músculo para darle empaque a su personaje), tanto como su mirada acerada, esquiva. La apuesta del director consiste en humanizar a Jacky, en que lleguemos como espectadores a empatizar con él, siendo testigos , no pasivos, de su desgarro existencial, comulgando a su vez con su dolor y su angustia.

La película avanza en el presente, pero vuelve al pasado para darnos algunas de las claves, para mostrarnos cómo era Jacky de niño, cómo era su familia, en qué andaban metidos todos ellos, rodeados siempre de veterinarios y farmacéuticos avispados, dispuestos a engordar las vacas con la sustancias oportunas.

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La historia bebe de una historia real ocurrida en Bélgica en los 90 cuando murió tiroteado un inspector mientras indagaba acerca del tráfico de sustancias ilegales entre los ganaderos locales.

Jacky se las verá en el momento presente con su amigo de la niñez a quien no ha vuelto a ver desde su trágico suceso, el cual ahora adulto es gay, y que trata a su manera de expiar su culpa infantil, ayudando ahora a Jacky a escapar, al tiempo que trabaja como informante de la policía.

La historia negra criminal es un velo que está omnipresente, pero lo importante y fundamental para mí es la historia triste de Jacky, su particular tragedia griega. Verlo meterse para el cuerpo las mismas sustancias que da al ganado, aplicando jeringuillas por todo su cuerpo, me horripila, tanto como la escena con Bruno, su verdugo infantil. Encontramos a su vez algún guiño cómico que tiene que ver con la pluralidad lingüística de Bélgica. La historia se sitúa en Limburg en Flandes Occidental, donde no faltan los puyazos verbales entre los flamencos y los valones (que hablan francés), además algunos personajes hablan en limburgués, dialecto del flamenco, de uso común en esa zona fronteriza sita entre Bélgica, Holanda y Alemania.

Respira la película un halo de angustia, un vapor turbio, cuajado de sordidez, y no puede uno menos que compadecerse de Jacky, de su tragedia, de su impotencia al no poder cuidar de nadie, como ve hacer a diario a las reses con sus crías, la imposibilidad (no buscada) de llevar, a la postre, una vida anodina y normal como el resto, con una mujer, con unos hijos, una impotencia que a menudo solo tiene un salida, casi siempre luctuosa.

Película potente, vibrante e impactante que merece la pena ver, tanto por los espinosos temas que se abordan, como por la sutileza en los matices, en la composición del personaje, Jacky, que pasará (al menos) a la (mi) historia (personal).

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Dos días una noche (Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne 2014)

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Los hermanos Dardenne siguen metiendo una y otra vez el dedo en la llaga con cada una de las películas que realizan. Cine social, respaldado unánimemente tanto por la crítica como por el público.

En esta ocasión la pregunta que nos plantean es. ¿Estarías dispuesto a renunciar en tu trabajo a un bono de 1.000 euros a cambio de que una compañera de trabajo, que está a punto de ser despedida, mantuviera su puesto de trabajo?.
La empresa es una PYME, no una multinacional deshumanizada e impersonal, sino una empresa familiar donde para bien o para mal se conocen todos.

La empresa la integran 16 empleados, 17 contando a la protagonista, Sandra. La cual recibe el viernes la noticia de que va a ser despedida, tras una votación realizada, en la que la mayoría de sus compañeros han optado por el bono.
Tras insistir a su jefe, éste accede a realizar una nueva votación, secreta, el lunes, de tal modo que si una mayoría quiere que Sandra permanezca,renunciando al bono, él acatará la decisión.

Sandra dispone entonces de todo el fin de semana para visitar a todos sus compañeros y compañeras de trabajo, de muchos de los cuales no sabe donde viven y cuya dirección debe buscar en la guía telefónica o bien lograr las direcciones a través de otros compañeros, en un carrera frenética contra el reloj.

El problema es que Sandra acaba de salir de una baja de varios meses por depresión y sus jefes han llegado a la conclusión de que se puede hacer el mismo trabajo con 16 personas (aunque sea preciso recurrir a alguna hora extra) que con 17 y que por tanto no les es necesaria (no olvidemos que para cualquier empresa, grande o pequeña, la contratación de personal y el gasto que acarrea es un mal mayor, de ahí que se traten de ajustar las plantillas al máximo)

Gracias a la ayuda del marido de Sandra (ayuda ofrecida en parte de forma interesada, en cuanto que vivir únicamente con el sueldo de él les obligaría a dejar la casa y volver a una vivienda social y en parte desinteresada, fruto del amor que siente por su mujer y la necesidad de verla restablecida, útil, valiente, animosa), ésta encuentra en su interior la determinación y el empuje necesario para dar la cara, aunque se la partan, yendo al encuentro de sus compañeros de trabajo, fuera del recinto físico donde conviven varias horas al día.

Sandra baja la calle, coge el autobús y va al encuentro de ellos en sus domicilios, en la calle, en los lugares donde trabajan de forma clandestina, en canchas de fútbol donde ejercen como entrenadores, en lavanderías del barrio, en zonas periféricas, y una vez allí, cara a cara, les pedirá mirándoles a los ojos, con un nudo en la garganta, que renuncien al bono a cambio de que ella no pierda su puesto de trabajo.
Situación que para los interpelados va mucho más allá de dar un sí o un no, o un ya me lo pensaré como respuesta, porque esa decisión adoptada, tendrá una trascendencia, porque esa respuesta es algo que los definirá como seres humanos, que los hará sentirse orgullosos o viles, donde habrán de poner en claro qué es lo importante en este asunto, si lo humano, si lo crematístico o incluso lo divino, porque hay quien tomará su decisión en base a sus creencias religiosas, encaminadas al buen proceder, a seguir el camino de la justicia, de lo que considera cada cual como correcto.
Una pregunta cuya respuesta no es fácil, ya que el sí o el no, no es algo objetivo, dado que la respuesta de cada uno está en función, depende, de quién es la persona que se va a la calle, de quien es la persona que te pide que hagas ese esfuerzo económicos. Para unos Sandra, es un compañera de trabajo y nada más. No sienten pues ninguna relación especial con ella e incluso hay quien la ve como una jeta, la cual tras estar de baja por depresión (enfermedad que suscita muchas suspicacias en terceras personas), ahora les pide que renuncien a un dinero a cambio de su permanencia, cuando ésta ni les va ni les viene. En otros casos, votar por ella le supondría al votante (con pocos meses en la empresa) que la renovación de su contrato estuviera en el aire en el futuro, y también hay historias de fondo, de solidaridad laboral pretérita, donde Sandra arriesgó entonces su puesto por defender a a un compañero, que ahora tiene la oportunidad de devolverle el favor, para no caer muerto de la vergüenza. Como se verá, la decisión de cada uno, ya no es una cuestión de dinero o no, pues todos mantienen un estatus laboral y económico precario (clase media-baja), y excusas para negarse siempre encontrarán, tantas como para ayudar a Sandra.

Sandra lucha con coraje por su puesto de trabajo, por su dignidad, pero a su vez tiene la sensación de que esto que hace no es otra cosa que mendigar, que si la gente la apoya, es por compasión, por pena, solidarizándose con su desgracia y desamparo.

La película rehuye lo maniqueo y es todo lo compleja que se quiera, tratando de abarcar en su galería de personajes, tantas situaciones como pueden darse en la realidad, rehuyendo también de lo sentimental, lo que no impide que Sandra no pueda menos que llorar a cada rato, dudando de sí misma, encontrando no obstante la fuerza para pelear, para luchar, para dar la cara y no esconderse, ni huir y anularse bajo la ingesta de pastillas, para hacer valer su dignidad (eso que nos caracteriza y ennoblece), y ahí la película es inapelable, potente, bella y necesaria.

Si Sandra consigue mantener después de su periplo de fin de semana, de su vía crucis particular, su puesto de trabajo o no, llegado el caso, no importará, no será determinante.

Sandra supera (o va camino de superarla) la depresión gracias a la confianza que encuentra en su interior para plantar cara (o mirar a los ojos) a sus compañeros, a su jefe, para defender sus convicciones y su puesto de trabajo, para en definitiva (!menudo final!) ser consecuente de sus actos u omisiones.

Marion Cotillard

Marion Cotillard

Marion Cotillard deja el star-system americano, vuelve a la patria gala, se pone el mono de faena, se mete en el papel de lleno y borda su interpretación. La película es sobresaliente entre otras cosas gracias a su natural, espontánea y sentida interpretación, la cual no puede ser más veraz, intensa y creíble. Sandra, es ya, por derecho propio, una heroína moderna.

No tenéis excusas para no verla. O sí, pero de todas modos, verla.

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Las mejores películas europeas del 2011

A fin de aportar algo de luz sobre el aluvión de películas europeas estrenadas en el 2011 y habida cuenta de que nuestro tiempo es limitado, ahí van unas recomendaciones hechas por profesionales del ramo, de la página web cineuropa, dando su particular listado de cuales son sus cinco películas favoritas. Espero que este post sea útil y me gustaría que comentárais las películas una vez las veáis.

1. Un Amour de Jeunesse (Goodbye First Love) [FR] by Mia Hansen-Löve
2. Oslo, August 31st [NO] by Joachim Trier
3. Mysteries of Lisbon [PT] by Raúl Ruiz
4. Pina 3D [DE, FR] by Wim Wenders
5. We Need to Talk about Kevin [GB] by Lynne Ramsay

1. Melancholia [DK, SE, FR, DE, IT] by Lars von Trier
2. Shame [GB] by Steve McQueen
3. The Artist [FR] by Michel Hazanavicius
4. Le Havre [FI, FR, DE] by Aki Kaurismäki
5. Café de Flore [FR, CA] by Jean-Marc Vallée

1. The Artist [FR] by Michel Hazanavicius
2. Carnage [FR, DE, PL, ES] by Roman Polanski
3. Attack the Block [GB] by Joe Cornish
4. Extraterrestre (Extraterrestrial) [ES] by Nacho Vigalondo
5. La Guerre est Déclarée (Declaration of War) [FR] by Valérie Donzelli

1. Melancholia [DK, SE, FR, DE, IT] by Lars von Trier
2. Page Eight [GB] by David Hare
3. Chico y Rita (Chico & Rita) [ES, GB] by Javier Mariscal, Fernando Trueba, Tono Errando
4. Shame [GB] by Steve McQueen
5. The Artist [FR] by Michel Hazanavicius

1. Tinker, Tailor, Soldier, Spy [GB, FR] by Tomas Alfredson
2. Melancholia [DK, SE, FR, DE, IT] by Lars von Trier
3. Senna [GB, US, FR] by Asif Kapadia
4. The Artist [FR] by Michel Hazanavicius
5. Hævnen (In a Better World) [DK] by Susanne Bier

1. The Economics of Happiness [US, FR, DE, GB, AU, IN, TH, JA, CH, NI] by Helena Norberg-Hodge, Steven Gorelick, John Page
2. Skateistan: Four Wheels and a Board in Kabul [DE, US] by Kai Sehr
3. Tahrir [FR, IT] by Stefano Savona
4. Último capitulo. Adios Nicaragua (Last Chapter: Goodbye Nicaragua) [SE, ES] by Peter Torbiörnsson
5. Project Nim [GB] by James Marsh

1. L’Apollonide (House of Tolerance) [FR] by Bertrand Bonello
2. Le gamin au vélo (The Kid With A Bike) [FR, BE, IT] by Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne
3. Habemus Papam (We Have a Pope) [IT, FR] by Nanni Moretti
4. Runskop (Bullhead) [BE] by Michaël R. Roskam
5. We Need to Talk about Kevin [GB] by Lynne Ramsay

1. A Torinói ló (The Turin Horse) [HU, FR, CH, DE] by Béla Tarr
2. Whores’ Glory [AT, DE] by Michael Glawogger3. Melancholia [DK, SE, FR, DE, IT] by Lars von Trier
4. Argentinian Lesson [PO] by Wojciech Staroń
5. Michael [AT] by Markus SchleinzerMichael, Markus Schleinzer

1. Polisse [FR] by Maïwenn
2. También la lluvia (Even the Rain) [ES, FR] by Iciar Bollaín
3. The Guard [IE, GB] by John Michael McDonagh
4. Le gamin au vélo (The Kid With A Bike) [FR, BE, IT] by Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne
5. The Island [BG, SE] by Kamen Kalev

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El infierno (Danis Tanovic 2005)

El infierno poster películaDirección: Danis Tanovic.Países: Francia, Italia, Bélgica y Japón.
Año: 2005.
Duración: 98 min. Género: Drama.
Interpretación: Emmanuelle Béart (Sophie), Karin Viard (Céline), Marie Gillain (Anne), Guillaume Canet (Sébastien), Carole Bouquet (la madre), Jacques Gamblin (Pierre), Jacques Perrin (Frédéric), Miki Manojlovic (el padre), Maryam D’Abo (Julie), Gaëlle Bona (Joséphine), Dominique Reymond (Michelle), Jean Rochefort (Luis).
Guión: Krzysztof Piesiewicz; con la colaboración de Agnieszka Liepiec Wròblewska; basado en la trilogía “Paraíso, infierno, purgatorio” de Krzysztof Kieslowski y Krzysztof Piesiewicz.
Producción: Cédomir Kolar y Marc Baschet. Música: Danis Tanovic y Dusko Segvic.
Fotografía: Laurent Dailland. Montaje: Francesca Calvelli.
Diseño de producción: Aline Bonetto. Vestuario: Caroline de Vivaise.

Pocas cosas laceran tanto el alma humana como un amor no correspondido. Tras unos títulos de crédito ciertamente perturbadores vemos a un hombre salir de la cárcel. El mismo que irá a su domicilio para ver como su mujer lo desdeña. Al tratar de ver a sus tres hijas, la primera se lo impide, para acabar el hombre defenestrándose, muriendo instantes después.

Pasa el tiempo y ahora vemos las existencias de tres mujeres; Céline, Sophie y Anne. Son las tres hermanas del comienzo. Céline vive sola, y los fines de semana se traslada en tren a ver su madre que vive en una residencia de ancianos. Las rutinas se repiten semanalmente y la madre, se comunica con su hija a través de notas en un papel. La segunda ve como su marido le es infiel, y la tercera es una estudiante universitaria que mantiene un affaire con uno de sus profesores, casado y cuya hija es amiga suya.

El nexo de unión de las tres es que ambas no tienen lo que desean. Céline es objeto de la persecución de un hombre algo más joven que ella que la asalta en un bar, próximo a su casa. Finalmente Céline llega a la conclusión de que el hombre la desea. Está equivocada como se verá. Eso le conmocionará. A su vez Sophie, constata como su marido le es infiel con una cliente. Más que deseos de venganza, Sophie se mueve en los territorios de la degradación, en los contornos afilados de la bajeza, llegando incluso a oler el cuerpo desnudo de la amante con la que su marido acaba de yacer en un hotel. Sophie quiere dejarlo, pero no puede, lo odia, lo rechaza, pero al mismo tiempo quiere retenerlo, poseerlo, lograr que él se derrame en ella. Vano intento. Finalmente, Anne, quiere que esa aventura que mantiene con su profesor sea algo más. Locamente enamorada de su maestro, sin él su vida es un barco a la deriva, un horizonte plagado de nubes negras, un arcoiris monocromo, una ambiente enrarecido, un desequilibrio que solo su presencia, sus palabras, su aliento logra mantenerla con vida. Está enamorada de cabo a rabo. Pero el profesor tiene una vida hecha y para él, esa aventura es un pasatiempo, un yacer con un cuerpo turgente, un regalo del presente, no una inversión para el futuro

Así las cosas, las tres hermanas constatan que un amor correspondido duele, frustra, deprime, las hace languidecer, vadear por la locura.
Como corolario, en una reunión que las tres hermanas mantendrán con su madre, sacará a la luz algo del pasado de su padre, que si a priori debería cambiar las cosas, queda claro que uno se cree su historia, equivocada o cierta y a menudo no deja lugar para el arrepentimiento. Queda para el espectador una drama, bien narrado e interpretado, el cual no deja tanta huella como debería habida cuenta de lo que hay en juego.

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Ne te retourne pas (Marina de Van, 2008)

ne te retourne pas cartel películaDirección: Marina de Van.
Países: Francia, Luxemburgo, Bélgica e Italia.
Año: 2008. Duración: 111 min. Género: Drama.
Interpretación: Sophie Marceau (Jeanne), Monica Bellucci (Jeanne), Andrea Di Stefano (Teo/Gianni), Thierry Neuvic (Teo 2), Brigitte Catillon (Nadia 1/ madre italiana), Sylvie Granotier (Nadia 2), Augusto Zucchi (Fabrizio), Giovanni Franzonni (Enrico), Didier Flamand (Robert), Serena d’Amato (Donatella).
Guión: Marina de Van y Jacques Akchoti.
Producción: Patrick Sobelman.
Música: Luc Rollinger. Fotografía: Dominique Colin.
Montaje: Mike Fromentin.
Diseño de producción: Véronique Sacrez.
Vestuario: Magdalena Labuze.

La directora Marina de Van, para su primer largometraje ha contado nada menos que con Monica Bellucci y Sophie Marceu, dos de la mujeres europeas más sensuales que uno puede imaginar a sus años. La primera tiene 45, la segunda 43, pero al natural presentan un aspecto tan saludable como el que vemos en la foto. Así posaron hace unos meses para la revista Paris Match.

Marceu y Bellucci abrazadas Vamos al tema que nos ocupa. La película es un thriller psicológico. Jeanne es una escritora especializada en biografías. Un buen día decide escribir la suya propia. El caso es que al editor su historia le parece un paquete, un polvorón intragable, que no hay Dios que lo entienda, por lo que no está por la labor de publicársela. Jeanne recibe la negativa como un jarro de agua fría, pero al mismo tiempo le hace enconarse más en su posición de querer descubrir más de su pasado, pues hasta los 7 años tiene una laguna que tratará de anegar con recuerdos, si es que no pierde antes la cabeza por el camino, porque poco a poco Jeanne va desbarrando, viendo como todo a su alrededor cambia, así ni su marido ni sus hijos, ni su madre parecen ser tales.

Ne te retourne pas poster movieEn una fotografía, Jeanne ve a su madre y a otra señora, que vive en Italia y para allá se marcha Jeanne a tratar de recomponer las piezas del puzzle que la desquician. Y hallará entonces las respuestas a sus porqués. Y esto no siempre es fácil, porque hay hechos traumáticos que provocan un shock de tal magnitud que todo queda en suspenso, hasta que en un determinado momento todo vuelve a aflorar, en la superficie del presente.

Tanto Marceau como Bellucci dan muestra de su buen hacer antes las cámaras y la segunda demuestra su dominio del francés, en este tour de force interpretativo que les hacer ser algo más que bustos parlantes o cuerpos que admirar. La película no es nada nuevo bajo el sol de Flandes pero se deja ver y entretiene.

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El silencio de Lorna

El silencio de LornaDirectores:Jean-Pierre Dardenne Luc Dardenne
Guión:Jean-Pierre Dardenne Luc Dardenne
País: Bélgica
Género: Drama
Año: 2008
Elenco: Arta Dobroshi (Lorna) Jérémie Renier (Claudy Moreau) Fabrizio Rongione (Fabio) Alban Ukaj (Sokol) Morgan Marinne (Spirou) Olivier Gourmet (L’inspecteur) Anton Yakovlev (Andrei) Grigori Manukov (Kostia)

Quién haya visto Rosetta o L´enfant puede hacerse una idea de lo que le deparará el visionado de El silencio de Lorna, de los directores Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, habituados a llevarse un buen número de premios con sus películas, las cuales por otra parte más allá de las objeciones que podamos presentar, entiendo como necesarias, pues muestran lo que el cine a menudo no muestra, dado que el espectador quiere algo espectacular cuando se gasta 6 euros para ver una película y no está por la labor de seguir las andanzas de perdedores, cuyas vidas deprimen al más optimista.

El estilo es similar a sus anteriores trabajos, prima la imagen limpia, sin aderezos, personajes que viven al límite, barrios de ciudades inmoninadas, pero en esta ocasión al contrario que en Rosetta la cámara no es puro nervio (lo cual es de agradecer, porque entre la cámara y la sordidez de la historia acabé con el estómago revuelto). La historia va de Lorna, una chica albanesa que vive en Lieja, la cual se casa con Claudy un heroinómano al cual da una cantidad de dinero para a cambio del enlace conyugal obtener la nacionalidad belga. La idea es casarse con él y luego que este muera de sobredosis, para poder entonces casarse con un ruso, que obtendría la nacionalidad belga, al ser ella ya belga. La premisa nos recuerda a Rosetta, esa joven que era capaz de matar por obtener un puesto de trabajo.

Sí, es el siglo XXI, la era del hiperconsumo, pero los personajes que vemos en pantalla están pegados a la realidad y sus problemas no son las típicas ñoñerías que vemos en pantalla con frecuencia. A estas personas no les sobra el dinero, saben que una nacionalidad puede ser la puerta hacia la presunta Europa rica que puede darles lo que buscan: el dinero necesario para abrir un negocio, porque Lorna sale con Sokol, un tipo que sin ser su chulo actúa como tal.
Lorna está en las manos de Fabio un taxista que es el que se encarga de la “ingeniería sentimental”, quien busca los pretendientes a Lorna, encauzando sus devaneos sexuales.

El silencio de Lorna no me ha producido el efecto que me supuso las otras dos películas de los hermanos Dardenne. La notable interpretación de Arta Dobroshi hace creíble y entrañable su aciaga historia personal, porque a pesar de su situación, de su coraza ante el medio, hay debajo de todo ello un corazón que late, unos sentimientos que la avalan, aunque las circunstancias la hagan perder la cabeza.

Otra crítica de la película muy recomendable.

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Batalla en el cielo crítica película

Batalla en el cielo cartel película Dirección y guión: Carlos Reygadas.
Países: México, Bélgica, Francia y Alemania.
Año: 2005.
Duración: 98 min.
Género: Drama.
Interpretación: Marcos Hernández (Marcos), Anapola Mushkadiz (Ana), Berta Ruiz (Mujer de Marcos), David Bornstein (David), Rosalinda Ramírez (Viky), Juan Soria “El Abuelo” (Inspector de policía).
Producción: Philippe Bober, Carlos Reygadas, Jaime Romandía y Susanne Marian.
Música: John Tavener.
Fotografía: Diego Martínez Vignatti.
Montaje: Benjamin Mirguet, Adoración G. Elipe y Nicolás Schmerkin.

Marcos es el protagonista. Un hombre circunspecto, poco hablador, desesperante en su mutismo que se acuesta con Ana la hija de Jaime, el patrono, la cual cuando tiene sexo llora. La película se inicia con la joven practicándole una felación a Marcos (sexo explícito en estado puro, parejo a Nine Songs o Baise-moi), el cual ha secuestrado a un bebe, el sobrino del coronel para el que Marcos trabaja como chófer, junto a Berta, su mujer y está dispuesto a entregarse a la policía y liberar el peso que le atormenta.

Marcos y AnaLa película se desangra con cuentagotas, apenas ocurre nada, quienes aparecen en escena parecen ir al .
, así una vez que alguien les interpela tardan varios segundos en responder. ¿representación pausible de la clase media mexicana?
La cámara como los ojos del observante se posan en las fachadas de los edificios, archivan las peregrinaciones, los desfiles militares e izado de bandera en la Plaza del Zócalo, un partido de fútbol con victoria de Pumas, cuerpos desnudos, grotescos, feístas, de diferentes proporciones y volúmenes que se entremezclan y exprimen sus jugos, pinturas religiosas, ecuestres, el desenfreno de unos jóvenes de boda, el bullicio de la gran ciudad de México, los montes verdes, nebulosos, coronados con cruces.

No debe ser nada fácil para un actor como Marcos Hernández encarnar a Marcos, por lo siniestro y poca empatía de su personaje. Marcos trabajaba como chófer y jardinero hasta que el director Carlos Reygadas le dio una oportunidad.
Lo mismo vale para Anapola Mushkadiz en cuyo caso debe lidiar con una felación, que salvos efectos digitales parece ser por ella sin que medie ni truco ni cartón. Se pensó en un primer momento en Paulina Rubio, con la que Anapola comparte el mismo timbre de voz, pero una vez que se supo que Paulina debía hacer una felación, se echó para atrás. En relación a su papel la actriz habla aquí de ello.

Marcos y Ana en el catreEl director y guionista de esta singular, rara y repulsiva historia es Carlos Reygadas, que en 2002 ganó el premio La Camera d’Or en Cannescon su película Japón.

Los títulos de crédito finales son geniales. Además de mostrar otra felación, similar a la que da comienzo a la película, a la hora de aparecer el elenco por orden de aparición, nos encontramos con; niño en el metro, hombre con sonda, hombre con walkman, chofer que come taco, señora BMW, hombre con perro, conductor neurótico, niño que sonríe, peregrinos del coche blanco, policía con boina, policía rubia…

El director Carlos Reygadas contó con el apoyo para las artes audiovisuales de la Fundación Rockefeller y Fundación Ford. No hemos comentado muchas películas mexicanas en nuestra blog, a excepción de las de Guillermo del Toro o Alejandro González Iñarritu y lo cierto es que esta difiere bastante de ese cine comercial, para encontrarnos ante una película de autor, repulsiva por el tratamiento tanto del sexo (pornográfico) como de la violencia. Batalla en el cielo, es el infierno en la tierra, donde Marcos da machetazos en medio de la nada, agonizando en el presente, para como una bestia más ir al matadero de rodillas, donde pagar su precio y encontrar responso eterno, el cual tras renunciar a la fe, encuentra la salvación en la Basílica de Guadalupe.

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Inocencia crítica pelicula

Inocencia cartel películaTítulo original: Innocence
Países: Francia, Inglaterra, Bélgica
Año:2004
Duración: 117 minutos
Dirección Lucile Hadzihalilovic
Guión: L. Hadzihalilovic, sobre “Mine-Haha”, de Frank Wedekind
Música: Leo Janácèk, Sergei Prokofiev, Pietro Galli y Richard Cooke
Montaje: Adam Finch
Protagonistas: Marion Cotillard (Mademoiselle Eva) Hélène de Fougerolles (Mademoiselle Edith) Zoé Auclair, Bérangère Haubruge, Lea Bridarolli
Productora: Patrick Sobelman
Productor: Ex Nihilo,
Fotografía: Benoît Debie
Dirección artística: Pierre Duboisberranger

De niño leía unos libros que se llamaban algo así como “sigue tu propia aventura”. Al final de cada capítulo te daba la opción de tomar varios caminos, lo que implicaba distintos finales. En esta película sucede algo similar. Uno la ve y luego ha de montarse su propia película en la cabeza.

Hacer una sinópsis de la misma sería un trabajo de imaginación, porque adrede no se nos da ninguna información. Una niña de corta edad, Iris, llega a un recinto dentro de un ataud, en cuya parte superior hay una rejilla en forma de cruz que evita que se asfixie. La reciben otras niñas de uniforme que se le presentan. Llevan diferentes lazos en su pelo, en función de su edad.

fotograma inocencia películaNo sabemos donde viven, en qué ciudad o país, en qué década, por qué están allí, si tienen familia o son huérfanas. Tampoco sabemos cuanto tiempo pasarán encerradas, si aquello es un antro de perversión o un centro de formación. De esta manera en cada escena hemos de alimentar nuestra imaginación suponiendo que va a suceder después, si bien las más de las veces poco tiene que ver con lo presupuesto.

La escuela donde habitan las niñas está dirigida por dos profesoras. No hay ninguna presencia masculina en el inmueble sito en una zona boscosa, junto a un río donde las niñas se bañan y rodeado por un muro que les impide salir al exterior. El ambiente claustrófico es evidente y angustia bastante, si bien como apuntaba al comienzo tampoco sabemos a qué genero atenernos, si se tratará de otra cinta de suspense, o de esas en la que un grupo de niñas son vejadas por los adultos, sean monjas o profesoras. No sabemos tampoco si se cruzará esa línea que separa el pudor del erotismo, cuando hay núbiles criaturas por medio, las cuales como les dice su profesora, experimentarán un cambio en su organismo, las más mayores, que les hará perder un poco de sangre, cada mes, durante muchos años. La llamada del sexo está ahí, sólo hay que poner el oído.
Marion Cotillard (Mademoiselle Eva) Hélène de Fougerolles (Mademoiselle Edith)
Hay caras conocidas como Marion Cotillard (Un buen año, La vie en rouge) en el papel de la profesora Eva, que les instruye en sus clases de baile clásico. La película tiene un ritmo calmado, de planos fijos y largos, pero rezuma la vitalidad de las criaturas que la protagonizan. Unas querrán irse a toda costa, otras no, pero como les dice la profesora, una vez fuera
tardaréis poco tiempo en olvidarnos. La vida real no se circunscribe a cuatro paredes y un muro, la realidad está ahí fuera y al final un chapuzón en una fuente o el roce de un dedo sobre el antebrazo, hace que brote algo en el interior, algo inexplicable a determinada edad, que no es otra cosa que la fuente de la vida, con el grifo abierto.

Innocence la he disfrutado, merced a las buenas interpretaciones infantiles, una factura técnica perfecta, una cadencia que no hace concesiones al tedio, una historia sugerente, donde el espectador la disfrutará si pone de su parte, si adopta un papel activo. Como las películas de Michael Haneke no podemos verla con un manual de instrucciones en la mano. No es un mueble de Ikea, es otra clase de cine. El cine francés es así y nos deja de vez en cuando obras singulares y apreciables como esta, a la cual llegué por casualidad.

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Zona libre crítica película Amos Gitai

Zona abierta cartel películaDirección: Amos Gitai.
Países: Israel, Francia, España y Bélgica.
Año: 2005.
Duración: 90 min.
Género: Drama.
Interpretación: Natalie Portman (Rebecca), Hanna Laszlo (Hanna), Hiam Abbass (Leila), Carmen Maura (Sra. Breitberg), Aki Avni (Julio), Makram Khoury (Samir ‘el Americano’), Uri Klauzner (Moshe), Liron Levo (Aduanero), Tomer Russo (Aduanero), Adnan Tarabshi (Mecánico), Shredy Gabarin (Incendiario).
Guión: Amos Gitai y Marie Jose Sanselme.
Producción: Nicolas Blanc, Michael Tapuach y Laurent Truchot.
Fotografía: Laurent Brunet.
Montaje: Isabelle Ingold y Yann Dedet.
Diseño de producción: Miguel Markin.
Vestuario: Aline Stern.

Esta coproducción Israelí, Francesa, Española y Belga del año 2005 dirigida por Amos Gitai trata de acercarnos el conflicto que se vive en Israel. Comienza la película con una joven dentro de un coche a la que vemos llorar desconsolada durante seis minutos en los cuales la cámara no le quita ojo ni un instante. Fuera, tras el cristal llueve. Luego Rebecca que así se llama la joven le pide a Hanna que va al volante que la saque de allí, de Jerusalem, que la lleve a cualquier parte. Hanna que trabaja como guía turística ofreciendo viajes organizados a los turistas, tiene que resolver un asunto y accede a llevársela con ella. Adopta luego la película un formato documental y la cámara que son los ojos de Rebecca van examinando el paisaje. Dejan Israel, no sin ciertos problemas pues en la frontera los policías obsesionados por la seguridad ven ciertas incoherencias en las respuestas obtenidas a su preguntas e incluso albergan la posibilidad de que entre las maletas lleven alguna bomba. Así que han de dejarlas en la frontera por seguridad.

Dejan Israel y entran en Jordania y Rebecca se muestra abatida pues esperaba algo más romántico, con camellos y dunas, templos, en un territorio, el Jordano, cargado de historia, que ella ha leído en los libros pero que en nada se parece a lo que había imaginado con unas construcciones similares a un enjambre, carreteras sin pintar y gente deambulando por sus calles. Hanna va al volante porque su marido ha sufrido un accidente que le obliga a guardar cama y debe ser ella entonces la encargada de cobrar el dinero que les debe “El Americano“. Gitai no entra en batallas políticas acusando a unos y liberando a otros. Dice Hanna en un momento que odia el fanatismo y como se verá cuecen habas en todas partes y la envidia a veces nos hacia odiar al que le van bien las cosas aunque sea sangre de nuestra sangre. Ante la ausencia del americano Hanna debe lidiar con Leila la cual jura y perjura que no tiene el dinero. Esa dicotomía entre el bien y el mal, entre la alegría y la desespearanza, entre el perdón y el odio es en el que se mueve Hanna, es extensible a toda la sociedad, no sólo la Israelí.

La falta de trabajo hace que se carguen las tintas contra lo extranjero. Dice Leila en un momento que si los palestinos hablaran la lengua hebrea y los hebreos el árabe las cosas irían mucho mejor. No está mal pensado. Siempre sucede que los nacionalistas aman mucho su tierra pero por exclusión de todo lo demás. Cuanto algo es más nuestro menos es de los demás fomentando el indidualismo y fomentando el sentimiento nacional hasta en la acción más trivial. Dice Hanna de cháchara con Rebecca que como le decía su marido lo único que siempre habrá en Israel serán intifadas y guerras. Cuenta Rebecca que hace siglos antes de líar una guerra los países enviaban un emisario cada uno. Eran ellos los que luchaban en representación de sus países (así no había luego daños colaterales ni víctimas inocentes). Al que perdía no le quedaba más remedio que admitir que había sido derrotado y no había derramamiento de sangre. Luego toda esta teoría, en la práctica se plasma en las secuencias finales, en donde el dinero, saldar una deuda, prevalece sobre la hermandad y liberación que supone por ejemplo la música. Esa Zona libre de la que habla la película es solo un espejismo, una ficción en un desierto repleto de escorpiones. Hace falta muy poco veneno para corromper el espíritu de un humano.

La actriz española Carmen Maura tiene un pequeño papel, y tengo la sensación de que esta película doblada pierde muchísimo.

Lo más destacable de esta singular producción son las interpretaciones del trío protagonista, Natalie Portman (Rebecca), Hanna Laszlo (Hanna), Hiam Abbass (Leila)

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