Archivos de la Categoría 'Cine Español'

Musarañas

Musarañas

Con dos personajes principales y algún secundario más, ubicados en un inmueble en el que transcurre toda la película, el resultado es satisfactorio.

A los directores ya afamados como Bayona, Balagueró, Morales, Vigalondo, Amenábar, Plaza, Alex de la Iglesia, etc, habría que añadir a esta miríada de nombres los de Juanfer Andrés y Esteban Roel, que debutan en el largometraje, con esta película, tras los cortos 036, Es un buen chaval y La sorpresa de Aquirana.

Estamos en España, en los años cincuenta, donde viven dos hermanas de crucifijo y misa diaria (es un decir, porque la hermana mayor es incapaz de cruzar el umbral de su casa). La madre murió cuando la hermana pequeña nació y esto la atormenta desde entonces. El padre, tras morir la madre, reemplaza a ésta por su hija, en todos los sentidos, hasta que esa situación depara insoportable y el padre desaparece de la escena, presuntamente huido.

La idea es que todo lo que respiremos sea sucio, turbio, tóxico, asfixiante, embutido todo en una religión que lo ahoga todo y que no deja respiraderos para una vida normal, reducido todo a las oraciones, al flagelo, a purgar, a saber qué culpas y pecados pretéritos.

La hermana pequeña está bastante harta de la situación, quiere salir, conocer chicos, vivir la vida, y entonces las costuras de este sudario existencial se resquebrajan, cuando inopinadamente el vecino que vive arriba cae rodando por las escaleras, hasta ir a dar a la puerta de la casa de las hermanas, donde la mayor ejerce entonces de improvisada hermana de la caridad, hasta que muestre poco después su verdadera cara.

¿Hay algo más terrorífico que un amor no correspondido?.


El ritmo resulta endiablado y aunque hay ciertas cosas en el guión que rechinan, agradezco el toque gore por obra y gracia de la actriz Macarena Gómez, brutal en todos los aspectos y que devora a todos lo que le secundan, tanto Nadia de Santiago, como Hugo Silva. El único que está a la altura es Tosar, que no falla nunca.

Coged sitio delante del televisor, poned la película y disponeros a pasar una hora y media sobresaltados, horripilados y complacidos, si os guste el género gore y el humor negro.

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La jaula de oro (Diego Quemada-Díez 2013)

La jaula de oro

Película: La jaula de oro. Dirección: Diego Quemada-Díez. Países: México y España. Año: 2013. Duración: 110 min. Género: Drama. Interpretación: Brandon López (Juan), Rodolfo Domínguez (Chauk), Karen Martínez (Sara), Carlos Chajón (Samuel). Guion: Diego Quemada-Díez, Gibrán Portela y Lucía Carreras. Producción: Inna Payán, Luis SAlinas y Edher Campos. Música: Jacobo Lieberman y Leonardo Heiblum. Fotografía: María Secco. Montaje: Paloma López Carrillo y Felipe Gómez. Diseño de producción: Carlos Jacques. Vestuario: Nohemi González.

Esta película de Diego Quemada-Díez tiene una belleza desgarradora, díria que dolorosa.

En ella nos cuenta el periplo, u Odisea que llevan a cabo tres jóvenes, desde un pueblo de Guatemala, hasta la ciudad de Los Ángeles.

Para llegar allí se desplazarán en vagones de tren vacíos o sobre los techos de los mismos, acompañados por otra mucha gente que también busca ganarse la vida en otro lugar, ya sea en México o en los Estados Unidos.

En su viaje más allá del hambre, el frío, la soledad, el desamparo, la sed, el enemigo real es el Ser Humano, ese que es capaz de hacer parar el tren en el que viajan todos ellos, para robarlos, apalizarlos, secuestrarlos o directamente matarlos.

Los tres son adolescentes (dos chicos y una chica que oculta su feminidad para evitarse problemas), cuyo único objetivo es llegar a los Estados Unidos. Nada sabemos de ellos, pues la película arranca, cuando los tres se suben a un autobús, luego en una lancha y finalmente en los distintos trenes.

La fotografía de la película es luminosa, vívida, de una belleza arrebatadora, captando el movimiento, la libertad, el hastío, la incertidumbre. Los jóvenes actores están geniales en sus papeles, y son capaces de mostrar a la pefección su alegría, su desamparo, su cansancio. Entre ellos se va generando algo parecido a una hermandad, a medida que las circunstancias vayan menguando el cuarterto, primero a trío y luego a dúo.

Fotograma La Jaula de oro
A lomos de La Bestia

Como si de un documental se tratara queda muy claro los riesgos que supone ir a lomos de ese tren llamado La Bestia que lleva a muchos hombres y mujeres de centroamérica hasta el sur de los Estados Unidos, huyendo de la miseria, de la violencia. No falta quien intenta robarlos, aprovecharse de ellos y de su buena fe, no faltan tampoco los samaritanos que les dan alojamiento y alimento, campesinos que les tiran frutas para paliar su sed,
en su deambular, mostrando la complejidad de la existencia humana, los claros y las sombras de nuestras acciones.

A pesar de que la historia es terrible la historia derrocha vida, es un deleite para los sentidos, un acicate para nuestra inteligencia, materia prima para reflexionar sobre el tema de la emigración, sobre esos muros que sólo logran separar, pero incapaces de contener, ni poner freno a quien huye de la miseria y de la violencia, dispuesto a dejarse la vida en el camino si es necesario.

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Anochece en la India (Chema Rodríguez, 2014)

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Anoche en la India, es un película triste que no escamotea la cruda realidad que sufre Ricardo , postrado éste en una silla de ruedas, el cual quiere ir a la India a morir allá. Ricardo despide a Dana la mujer rumana que lo cuida y emprende el viaje, un viaje que como todo buen viaje que se precie de tal, es tanto un viaje exterior, donde a Ricardo y a sus acompañantes les sucederán un sinfín de aventuras y desventuras y sobre todo un viaje interior, donde los kilómetros recorridos le hacen a Ricardo irse transformando, pasando de víctima a defensor a ultranza de su deseo de vivir.

Ricardo cuando era joven y hippy llevaba en su furgoneta a gente a la India. Allí se enamoró y ahora que la parca ronda cerca, no ve mejor forma de irse que hacerlo en la India, para ser luego cremado, rumbo al más allá. Por cosas del destino Dana acabará viajando con él, recalando ambos en Bucarest, en casa de ella, y luego poniendo pies en polvorosa de nuevo juntos rumbo a la India.

Juan Diego demuestra una vez más su talla como actor, en la piel de este cascarrabias positivista. A la zaga, Clara Voda (Dana) que hace otro papelón.

La historia resulta triste, desoladora, crepuscular, metafísica, pero al mismo tiempo y más allá del sufrimiento, el final resulta esperanzador, porque si es evidente que todos morimos, al menos, el luchar nos hace irnos de aquí más tarde.

Anoche en la India es una road movie dramática, que se disfruta y sufre al mismo tiempo y que supone el debut en la dirección del documentalista Chema Rodríguez. La historia está basada en hechos reales, en la figura de Lorenzo.

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The extraordinary tale of the times table (Laura Alvea, José F. Ortuño 2013)

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Este cuento extraordinario dirigido por Laura Alvea y José F. Ortuño se ha llevado un buen número de premios en los festivales por los que ha pasado.

La película es rara, singular y claustrofóbica, ya que intervienen seis personajes (la pareja que se enamora, sus respectivas madres, la prota cuando era niño y el hijo de ambos), y transcurre dentro de una cosa, muy bien iluminada.

El rollito de la película es tipo Amelie (con la que tampoco comparte mucho más allá de las neuras de una solterona), donde la protagonista es una mujer de cuarenta años que escribe cartas a todo Cristo hasta que un día pulsa la tecla adecuada y al otro lado de la innominada relación epistolar emerge un hombre, igual de raruno que ella. Se escriben mucho, deciden verse, lo pasan bien juntos, viven juntos, se acuestan (para lo que deben ver cómo se hace el amor en un libro), y tienen un hijo y él consigue un trabajo y pasará mucho tiempo fuera de casa, y apenas se ven, y su amor languidece o se deshace y ella no puede críar a su hijo sola porque no está capacitada y cuando los Servicios Sociales se llevan al niño, ella descansa y su marido también, porque todo vuelve a la situación previa al embarazo, y esto de no tener ninguna responsabilidad les pone y les excita y les dará ganas de vivir a los dos, y de comer, y de follar, de nuevo, y colorín colorete este “extraordinario cuento” se ha acabado.

Un cuento que me ha gustado entre poco y nada.

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Stella cadente (Luis Miñarro 2014)

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Stella cadente o candente es la primera película de ficción de Lluis Miñarro.

Luis Miñarro es un productor que se ha caracterizado durante todos estos años por sacar adelante películas raras, singulares, extrañas, que encuentran difícil acomodo entre el gran público, y que de no existir tipos como él, serían abortos de películas cogiendo polvo en algún cajón. Películas como cuales os preguntaréis. Ahí van: Honor de cavallería, El muerto y ser feliz, En la ciudad de Sylvia, entre otras muchas.

Decía antes lo de candente porque la película muestra algunas cuantas escenas subidas de tono, como pueden ser unos planos frontales de un pene, un encuentro homosexual, o la masturbación que el secretario de Amadeo lleva a cabo con un melón, que luego irá a parar a la mesa del Rey.

La película es una visión muy particular de lo que pudo ser el reinado de Amadeo de Saboya, que para los menos doctos en Historia, decir que fue rey de España entre 1871 y 1873.
Amadeo llega a España después de que fuera expulsada del trono Isabel II, avalado por el General Prim, el cual poco después sería asesinado. Se inicia la película con la insistencia de Amadeo de ir a ver el cadáver de su valedor. Amadeo llega con muchos planes de futuro, pero las circunstancias mandan y al poco lo vemos enclaustrado entre los muros del castillo, sin salir apenas al exterior, acompañado de su secretario, abatido, triste, aislado, melancólico, luchando contra gigantes, unos gigantes que vendría a ser la idiosincracia de los españoles, a los cuales es difícil o imposible gobernar, afanados estos en guerras intestinas, entre republicanos y monárquicos, en años convulsos en los que Amadeo como Rey, veía sus funciones regias reducidas a firmar los documentos que le ponían sobre la mesa, sin lograr sacar adelante ninguna de las brillantes ideas que tenía en la cabeza a su llegada.

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A fin de aliviar su soledad vendrá de visita de Italia María Victoria, su mujer, la cual se irá descorazonada, poco después, al comprobar el estado de postración en el que se halla su marido, sin capacidad de respuesta, triste ella, al ver a su hombre convertido en un títere de la Historia.

El actor que da vida a Amadeo (la stella cadente del título, esa estrella fugaz) es Alex Brendemühl, especializado en papeles rarunos, brillante en la piel de Amadeo, pues transmite bien su desubicación, su tristeza e impotencia ante lo que le rodea y condiciona su reinado. En papeles menores Lola Dueñas y Bárbara Lennie, como amante y esposa, respectivamente, de Amadeo.

La película es un cajón de sastre donde se mezcla lo histórico decimonónico, con otras escenas eróticas voluptuosas, con momentos pop musicales, con declamaciones teatrales, con fotogramas pictóricos (algunos fotogramas son óleos audiovisuales).

Todo esto como espectador te puede descolocar al salirse Miñarro de lo convencional, pero al mismo tiempo reverdece y oxigena nuestro cine, por lo que tiene de arriesgado, de singular, de independiente, aventurándose por otros caminos, por otras maneras de trabajar la imagen y el texto.

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Megan Montaner (Huesca, 1987)

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Megan Montaner

Nos rendimos ante el encanto y belleza de la joven actriz Megan Montaner. Comenzó actuando en series de televisión como La pecera de Eva, Amar es para siempre, El Secreto de Puente Viejo, Gran Hotel o Sin identidad.

Ahora tiene en cartelera Dioses y perros (con Hugo Silva) y pendiente de estreno Por un puñado de besos de David Menkes. Le auguramos un brillante futuro en esta profesión, una actriz, Megan Montaner a tener muy en cuenta a tenor de las interpretaciones tan notables que viene realizando. Creo que va camino de convertirse en la nueva Penélope Cruz (considerada por la revista Esquire la mujer más sexy del mundo)

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10.000 noches en cualquier parte (Ramón Salazar 2013)

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Leía recientemente el ensayo de Gasset, La deshumanización del arte, y su concepto del goce artístico, cuando el arte, va más allá de representar la realidad, para ofrecer otra cosa. Viendo esta película, creo que su director, Ramón Salazar, ha hecho una película muy sensorial, que entra por los ojos, con una fotografía que resulta o bien muy luminosa o muy gris, en función de la estación del año en la que viven los personajes, por el oído, pues ciertas escenas, son como susurros, como nanas, como palabras que se van despeñando por nuestros adentros, creando un cosquilleo, e incluso esta película entra por la piel, y a través del tacto nos gustaría también estar ahí, en París, en Madrid en Berlín, viviendo experiencias intensas, viajando en busca de algo, cogiendo la mano del protagonista, rozando con el labio el pezón de la artista.

La película es un desgarro, una emoción, un sentimiento de un joven atormentado que viaja, no sé si física o mentalmente, que debe lidiar con una madre (una maravillosa Susi Sánchez) posesiva, despótica, incestuosa, que anula al chaval, lo borra, lo hiere, lo ningunea, el cual tiene una hermana, a quien su madre también detesta, pero a quienes, a ambos dos, la madre decide no dejar nunca en paz, zaheriéndolos con sus desvaríos y devaneos, creando una dependencia enfermiza y obsesiva.
Me viene en mente esos “Lazos que unen” que cantaba Springsteen. Sí, a veces, es imposible romper con la familia, máxime con una madre.

La película contiene secuencias inolvidables de una arrolladora fuerza lírica, poética, muy visuales, algunas más propias de un spot televisivo, que logran transportarme dentro de la pantalla durante casi dos horas, alucinando con todo cuanto veo, con la mirada de un Álex Gertrudix (un actor único en nuestro cine) que hipnotiza, con una Lola Dueñas, princesa en su mundo de fantasía cual el Anderea de Pequeño Teatro, con Nawja Nimri guardiana de un secreto que la atormenta y que a brochazo limpio sobre un lienzo trata de expiar.

Escenas al aire libre, de fiesta, de comunión espiritual, en azoteas, en autobuses, caminando sobre puentes, desnudos sobre un colchón bañados por luz purpúrea, purificándose en el contacto con el agua. Hay algo mágico en todo esto. La he visto una vez, y voy a volver a verla, sin duda, porque a veces (las menos) una vez no es suficiente, no para entender una obra como esta, sino para disfrutarla en toda su plenitud.

1.536 espectadores han visto esta película estrenada en mayo del presente año, según datos del Ministerio de Cultura. Si alguno caéis por esta blog, ya me diréis qué os parecido esta película tan especial. La puedes ver aquí.

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La isla mínima (Alberto Rodríguez 2014)

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Película: La isla mínima. Dirección: Alberto Rodríguez. País: España. Año: 2014. Duración: 105 min. Género: Thriller, policiaco. Interpretación: Raúl Arévalo (Pedro), Javier Gutiérrez (Juan), Antonio de la Torre (Rodrigo), Nerea Barros (Rocío), Jesús Castro (Quini), Salva Reina (Jesús), Manolo Solo (periodista), Jesús Carroza. Guion: Rafael Cobos y Alberto Rodríguez. Producción: Mercedes Gamero, José Antonio Félez, Mikel Lejarza, José Sánchez Montes y Mercedes Cantero. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: José M.G. Moyano. Vestuario: Fernando García

Después de la muy notable, vibrante y potente, Grupo 7, su director Alberto Rodríguez (After, 7 vírgenes) vuelve a ofrecernos un peliculón que transcurre en 1980, en las marismas del Guadalquivir, donde se están cometiendo asesinatos de niñas, mientras el asesino campa a sus anchas.

Hasta allá se trasladan dos policías Juan y Pedro. El primero es joven, tiene a su mujer embarazada y no sabe tener la boca cerrada ante una injusticia. Pedro es pequeño pero matón, trabajó durante la dictadura (cinco años atrás) como interrogador en las cloacas del Estado, de maneras expeditivas, violento, todo un figura, con un pasado que trata de ocultar y acallar con pastillas y ginebras y Juan, a su vez, de aflorar, para saber a quién tiene como compañero de viaje, porque no conviene olvidar que tu compañero, tratándose de policías, es la persona que te puede salvar el pellejo llegado el caso. Tendremos ocasión de comprobarlo.

Lo mejor de la película, entre sus muchas cosas favorables es la atmósfera (eso tan difícil de definir y todvía más de lograr y que aquí brilla con intensidad) que crea el director, en esas marismas que resultan un lugar asfixiante, un atolladero del cual muchas jóvenes quieren escapar, porque allí no hay nada que hacer, un lugar cálido, enfermizo, pobre, donde flota en el ambiente caciquil, retrógrado, misógino y servil (a pesar de que los jornaleros que recogen el arroz están en pie de guerra y en huelga) una violencia que no sólo es algo soterrado, sino que como desgraciadamente se ve, aflora, llevándose por delante la vida de niñas de corta edad, a quienes además de asesinarlas, su asesino violenta y viola.

Muy bueno el trabajo que ofrecen Rául Arévalo, alejado de su vis cómica, aquí se muestra taciturno, huraño, abatido, extrañado y asqueado ante lo que ve y Javier Gutiérrez que hace un papelón. Ver cómo le brillan los ojillos antes de soltar la mano, bien vale el precio de la entrada. Entre ellos no hay mucha química, más que nada, porque son planetas en distintas órbitas, pero lo inteligente del guión y la complejidad del alma humana, propicia encuentros imposibles, no olvidamos que corre el año 1980, que la democracia se sostiene con pinzas y que la omnipresencia de los militares todavía flota en el aire.

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En el curso de la investigación llevada a cabo por Pedro y Juan veremos el poder caciquil, a jornaleros reivindicativos, gente que tiene mucho que callar, el trapicheo de tabaco, los abusos de Quini, el guaperas local embaucando a jóvenes a las que luego chantajear, lo autoritario de las posiciones paternas, el desgarro de un pérdida, el ninguneo y menosprecio que sufren las mujeres, etcétera.

Se podía haber sacado aún más partido de las marismas (muy bellas las tomas aéreas), a las cuales se recurre en su tramo final, pero funcionan como un elemento más en la trama, determinante, porque esa humedad, resulta algo pegajoso, de lo que cuesta desprenderse, como una segunda piel, al tiempo que se convierte en un dédalo en el que es fácil perderse.

La acción está muy bien dosificada y la película transita sin calma hacia un final espectacular (y abierto, tipo Zodiac), a medida que el cerco sobre el asesino se vaya estrechando, hasta quedar reducido a la mínima expresión, sobre La Isla Mínima donde concluye.

La isla mínima es un thriller soberbio, contundente, asfixiante, muy negro y violento con una fotografía prodigiosa obra de Alex Catalán. Poner en imágenes algo tan visceral, soterrado, larvado, salvaje y animal, no es fácil. Alberto Rodríguez lo consigue. Hete ahí su logro.

Junto a 8 apellidos vascos, El niño y Torrente 5, La isla mínima va camino de convertirse en otro pelotazo de nuestro cine patrio (recaudó casi un millón de euros el fin de semana de su estreno). Películas tan buenas como esta, no permiten excusas al espectador para no ir a los cines, máxime ahora que hay días en los que las entradas cuestan menos de cuatro euros, con la fiesta del cine a la vuelta de la esquina, los días 27, 28 y 29 de octubre, a razón de 2,90 euros la entrada.

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Rec 3 Génesis (Paco Plaza 2012)

Rec 3 génesis cartel pelicula

Película: [Rec]3 Génesis. Dirección: Paco Plaza. País: España. Año: 2012.Duración: 77 min. Género: Terror. Interpretación: Leticia Dolera (Clara),Diego Martín (Koldo), Ismael Martínez (Rafa), Àlex Monner (Adrián), Claire Baschet (Natalia), Jana Soler (Tita hermana Clara), Emilio Mencheta (tío Víctor), Adolf Bataller (Domingo), Dolores Martín (Manoli), Blai Llopis (Quiquín). Guion: Paco Plaza y Luiso Berdejo. Producción: Julio Fernández. Música:Mikel Salas. Fotografía: Pablo Rosso. Montaje: David Gallart. Dirección artística:Gemma Fauría. Vestuario: Olga Rodal

Ahora cuando los guionistas, o el director, el productor, o quien sea, no se decide a hacer una secuela, tiran de precuela, como en este caso. Así nos hallamos ante REC3 la génesis. Pues eso, el origen.

Esta vez la acción discurre en una una boda. Con cámara, nerviosa en mano, en un principio vemos la entrada de los novios en la iglesia, los grupillos de familiares que se forman, lo hortera del vestir de todos ellos (algo extensible a cualquier bodorrio), el tema que el novio, Koldo, canta a su novia, Clara, manifestándole lo mucho que la quiere, para luego trasladarse al sitio donde tiene lugar el banquete nupcial. Allí el tío del novio, a quien ha mordido un perro que parecía muerto, se desploma desde una barandilla para luego darle un bocado cárnico a su mujer. Comienza entonces el caos absoluto, donde la muerte se enseñorea a manos de unos humanos convertidos en otro cosa, algo parecido a unos zoombies que se mueven de forman espasmódica, todos ellos ávidos de carne y sangre ajena. Aquello es el delirio, el infierno en la tierra, muy salvaje. ¿Nada nuevo bajo el sol? , Sí y no. La película tiene su impronta cañí y eso ya es mucho acostumbrado a ver a menudo películas españolas impersonales e indeterminadas.

El acierto de la película, a mi entender, es el humor que destila, con unos momentazos hilarantes, que alivian las secuencias más gore de ese chorreo sanguíneo y de tantos cuerpos mutilados. La novia, Clara (magnífica en su papel la actriz Leticia Dolera), en lugar de achicarse, se crece ante la adversidad, motosierra en mano.

Es mi día, dice una y otra vez, y le falta añadir, “y nadie me lo va a fastidiar”.

A su vez, su amado, va a su encuentro, y lo consiguen, reencontrarse y morir juntos, dejando para el recuerdo una historia de amor muy gore pero al mismo tiempo bonita. La factura técnica de esta producción es impecable.

Detrás de la cámara Paco Plaza, autor del guión junto a Luiso Berdejo.
REC3 me ha ha resultado divertidísima y me he reído un montón, con chascarrillos muy acertados como la presencia de ese hombre apodado Canon (un empleado de la SGAE) o John Esponja, un animador cultural embutido en un traje que asemeja mucho al de la esponja marina. Tema aparte temazos como Gavilán o paloma o Eloise de Tino Casal, que te hacen reír a las primeras de cambio.

Además, para los más apretados de tiempo, comentar que la película sólo dura 80 minutos. Otro tanto a su favor para verla, y disfrutarla.

Sí amigotes, esta precuela, si cuela.

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Seré asesinado (Justin Webster 2013)

Cartel documental Seré asesinado

Título original I will be murdered (Seré asesinado)
Año 2013
Duración 85 min.
País[España] España
Director Justin Webster
Guión Justin Webster
Fotografía Lucas Gath
RepartoDocumentary
Productora Coproducción España-EE.UU-Reino Unido; JWP / Antartida Producciones / Plus Pictures
GéneroDocumental | Crimen

Seré asesinado es un muy recomendable documental sobre el asesinato Rodrigo Rosenberg, acaecido en 2009 en Guatemala, cuando iba en bicicleta en un barrio residencial a pocas cuadras de su hogar.

En Guatemala donde la vida vale poco y se cometen miles de crímenes al año, quedando sin resolver la inmensa mayoría de ellos (el 98%), la muerte de Rodrigo hubiera pasado por alto de no ser, porque poco después del deceso salió a la luz un vídeo en el que Rodrigo confesaba que si alguien estaba viendo ese vídeo es porque había sido asesinado por el Presidente del Gobierno, su secretario y sus secuaces.

¿Blanco y en botella?. ¿Era la muerte de Rodrigo la crónica de una muerte anunciada?.

Se da la palabra al hijo de Rodrigo, que nos cuenta cómo era su padre, la relación tan estrecha que mantuvo con él, pues ambos eran abogados, buscando su vástago la honorabilidad de su padre. Otro de los ejes importantes en la narración es la figura del juez español Carlos Castresana, titular de la Comisión Internacional Contra la Impunidad en Guatemala (Cicig), que se trasladó allí para esclarecer los hechos junto a policías del lugar.

Hay más voces, la de su secretaria, su exmujer, el chofer, un primo y su amigo Luis Mendizabal, a quien le deja el encargo de grabar el vídeo.

Después de que el vídeo de Rodrigo suba a internet, este corre como la pólvora, la gente sale a la calle pidiendo la dimisión de un Presidente asesino, con un país muy dividido entre la izquierda y la derecha, convirtiéndose en una olla a presión.

¿El vídeo parece realista y convincente?. ¿Lo es?. ¿Es todo tan evidente como nos parece a simple vista?. ¿Nos engañan los sentidos como decía Parménides?.

No puedo avanzar más en el desarrollo de la trama porque sería destriparlo y sería injusto. Sólo decir dos cosas.

1º El documental es muy bueno y le lleva a uno a reformularse muchas cosas a medida que vamos avanzando en su desarrollo.

2º ¿qué mueve al ser humano?. Las más de las veces el amor, el odio, y la venganza y a veces, un retorcido sentido de la justicia. Todo eso está presente aquí.

El documental se estrenó en España, pero en Guatemala apenas ha tenido repercusión. Una pena, porque precisamente es allá donde más hace falta estrenar y debatir acerca de cuanto se ve en el documental, pues es de lo más jugoso, al tiempo que no supone que hurgar en una herida abierta.

Los americanos han visto el filón, lo prometedora que es esta historia real, y ya tienen pensado hacer algo de ficción, con estos mimbres.

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