Archivos de la Categoría 'Cine Europeo'

Stella cadente (Luis Miñarro 2014)

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Stella cadente o candente es la primera película de ficción de Lluis Miñarro.

Luis Miñarro es un productor que se ha caracterizado durante todos estos años por sacar adelante películas raras, singulares, extrañas, que encuentran difícil acomodo entre el gran público, y que de no existir tipos como él, serían abortos de películas cogiendo polvo en algún cajón. Películas como cuales os preguntaréis. Ahí van: Honor de cavallería, El muerto y ser feliz, En la ciudad de Sylvia, entre otras muchas.

Decía antes lo de candente porque la película muestra algunas cuantas escenas subidas de tono, como pueden ser unos planos frontales de un pene, un encuentro homosexual, o la masturbación que el secretario de Amadeo lleva a cabo con un melón, que luego irá a parar a la mesa del Rey.

La película es una visión muy particular de lo que pudo ser el reinado de Amadeo de Saboya, que para los menos doctos en Historia, decir que fue rey de España entre 1871 y 1873.
Amadeo llega a España después de que fuera expulsada del trono Isabel II, avalado por el General Prim, el cual poco después sería asesinado. Se inicia la película con la insistencia de Amadeo de ir a ver el cadáver de su valedor. Amadeo llega con muchos planes de futuro, pero las circunstancias mandan y al poco lo vemos enclaustrado entre los muros del castillo, sin salir apenas al exterior, acompañado de su secretario, abatido, triste, aislado, melancólico, luchando contra gigantes, unos gigantes que vendría a ser la idiosincracia de los españoles, a los cuales es difícil o imposible gobernar, afanados estos en guerras intestinas, entre republicanos y monárquicos, en años convulsos en los que Amadeo como Rey, veía sus funciones regias reducidas a firmar los documentos que le ponían sobre la mesa, sin lograr sacar adelante ninguna de las brillantes ideas que tenía en la cabeza a su llegada.

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A fin de aliviar su soledad vendrá de visita de Italia María Victoria, su mujer, la cual se irá descorazonada, poco después, al comprobar el estado de postración en el que se halla su marido, sin capacidad de respuesta, triste ella, al ver a su hombre convertido en un títere de la Historia.

El actor que da vida a Amadeo (la stella cadente del título, esa estrella fugaz) es Alex Brendemühl, especializado en papeles rarunos, brillante en la piel de Amadeo, pues transmite bien su desubicación, su tristeza e impotencia ante lo que le rodea y condiciona su reinado. En papeles menores Lola Dueñas y Bárbara Lennie, como amante y esposa, respectivamente, de Amadeo.

La película es un cajón de sastre donde se mezcla lo histórico decimonónico, con otras escenas eróticas voluptuosas, con momentos pop musicales, con declamaciones teatrales, con fotogramas pictóricos (algunos fotogramas son óleos audiovisuales).

Todo esto como espectador te puede descolocar al salirse Miñarro de lo convencional, pero al mismo tiempo reverdece y oxigena nuestro cine, por lo que tiene de arriesgado, de singular, de independiente, aventurándose por otros caminos, por otras maneras de trabajar la imagen y el texto.

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El muerto y ser feliz (Javier Rebollo 2012)

El muerto y ser feliz portada pelicula Javier Rebollo 2012Película: El muerto y ser feliz. Dirección: Javier Rebollo.
Países: España, Argentina y Francia.
Año: 2012. Duración: 94 min.
Género: Comedia negra.
Interpretación: José Sacristán (Santos), Roxana Blanco (Érika), Valeria Alonso, Jorge Jellinek, Lisa Caligaris (Alejandra), Fermí Reixach (Santiago), Vicky Peña, Carlos Lecuona.
Guion: Lola Mayo, Javier Rebollo y Salvador Roselli.
Producción: José Nolla, Lola Mayo, Damián París y Luis Miñarro. Fotografía: Santiago Racaj. Montaje: Ángel Hernández Zoido.
Dirección artística: Miguel Ángel Rebollo.
Vestuario: Marisa Urruti.

Quien busque una película alegre, divertida, personajes simpáticos y ufanos, parajes paradisiacos, diálogos trillados, encuadres perfectos, una fotografía deliciosa, le recomiendo que no vea El muerto y ser féliz.

El muerto al hoyo y el vivo a ver las películas de Rebollo.

Rebollo es director de cine. Lo descubrí con La mujer sin piano. Si la has visto sabrás que Rebollo es especial, que para él, el cine es otra cosa, a lo que significa para el público y para otros muchos directores. Así que o te gusta y te magnetiza o te echa de su lado sin remisión. A mí me ha enganchado. Y me apetece hablar de El muerto y ser feliz porque me ha gustado mucho.

La película es más rara que un perro verde, eso de entrada. Comienza con un señor en un parque, enfocado desde arriba, reducido casi al tamaño de un playmobil, mientras una vez en off nos va narrando lo que sucede. Que una mujer se acerca al caballero para darle morfina.

El caballero de la triste figura no es otro que Santos, quien va camino de palmarla porque en su cuerpo moran tres tumores diferentes. Santos ha sido asesino profesional. Recibe un encargo que no lleva a buen puerto. Y decide poner tierra por miedo.

Estamos en Argentina. Un país que habida cuenta de su extensión es ideal para pergeñar algo parecido a una road-movie.
En una gasolinera, una mujer, Érika, se introduce en el auto, en su asiento trasero. Se baja, se va caminando, es renga, es coja. Luego Santos la acoge en su auto, en su seno, en su vida. Así, casualmente, sin comerlo ni beberlo, Santos que va camino de su extinción y Érika que sólo quiere huir, se abrazan en un recorrido de casi 5000 km por carreteras argentinas, al tiempo que se van conociendo. Un conocimiento respectivo, sútil e inteligente, con unos diálogos y situaciones de las que solo Rebollo es capaz de crear.

Sacristan se muestra patético. Lo vemos apalizado, fofo, desnudo, derrumbado, socavado, en las últimas. A su lado la gran actriz Roxana Blanco (maravillosa en La demora), cuya cara de tristeza y aflicción, te empapa el ánimo como una mortaja. Y así a lo tonto, van pasando los minutos, los kilómetros, la vida, registrado con una fotografía arenosa, sucia, surcando caminos de tierra, poblaciones dejadas de la mano de Dios, donde la gente vive y canta y festeja.

Respecto a la voz en off, es obra de Lola Mayo y Rebollo, los guionistas de la película. Si al principio nos ensanchan lo que vemos y anticipan lo que va a pasar o está pasando al final esa voz en off está tan perdida como todos los demás y ya no logra interpretar ni anticipar nada, porque la sombra acaba anticipando al cuerpo.

El muerto y ser feliz una obra arriesgada, singular, original, creativa y bella.

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Lo imposible (J.A Bayona 2012)

Lo imposible J.A Bayona cartel películaPelícula: Lo imposible. Título original: The impossible. Dirección: J.A. Bayona.
Países: España. Año: 2012. Duración: 107 min. Género: Drama.
Interpretación: Naomi Watts (María), Ewan McGregor (Henry), Tom Holland (Lucas), Samuel Joslin (Thomas), Oaklee Pendergast (Simon), Marta Etura (Simone), Sönke Möhring (Karl), Geraldine Chaplin (mujer mayor). Guion: Sergio S. Sánchez, basado en un argumento de María Belón.
Producción: Belén Atienza, Álvaro Augustín, Enrique López Lavigne y Ghislain Barrois. Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Óscar Faura.
Montaje: Elena Ruiz y Bernat Vilaplana.
Diseño de producción: Eugenio Caballero.
Vestuario: Sparka Lee Hall, Anna Bingemann y María Reyes.

Llevaba yo un tiempo con la burra a vueltas, tratando de ver esta película, la cual de entrada, decir que no me llamaba mucho la atención.
Al final, amigos, hay películas que por A o por B, acabas viendo.
Ayer le llegó la hora a Lo imposible, de J.A Bayona, que tras el exitazo de El Orfanato, asumió dirigir Lo imposible, en la cual recrear los efectos del tsunami acaecido en Tailandia en el año 2004.
Allí, en Tailandia, están de vacaciones, pasando la navidad, una pareja con sus tres hijos, cuando de repente, ven que todo vibra, y sin poder oponer la menor resistencia, el infierno, en forma de masa de agua imparable, un tsunami, barrerá del litoral todo cuanto pilla a su paso.
María y Lucas consiguen sobrevivir milagrosamente. Ella irá al hospital junto a su hijo, ileso. Una vez allí Lucas se afana en encontrar datos que confirmen si el resto de su familia: su padre y sus dos hermanos pequeños están vivos.

Lo imposible, o mejor, lo increíble, o Lo insufrible, es que ante un tsunami, los cinco miembros de una familia sobrevivan, máxime cuando dos de ellos eran niños de muy corta edad. Así que Lucas por un lado y Henry por otro tratan de encontrarse, en aquel caos, sin saber ninguno sin el resto de la familia ha sobrevido ha sido pasto del océano. Los damnificados son trasladados a hospitales, y es difícil encontrar a las personas queridas, ni fisicamente, ni tampoco en esos folios que registran a los muertos y heridos.

Al verla tengo la sensación de que la historia que es sobrecogedora, pero que no da mucho de sí. Lo que sucedió fue milagroso, pero la película es muy floja. Cuenta con escenas espectaculares, como la del tsunami, que se lleva la palma, sin discusión, pero el resto de la historia languidece sin remisión, con un guión infumable, para revivir y hacernos aflojar el lagrimal con el reencuentro familiar, para luego verlos a los cinco dejar el país -un barco que se hunde- a lomos de un jet privado que los ponga a buen recaudo.

Lo imposible ha sido un pelotazo en las taquillas. En España ha arrasado como un tsunami y en otros países parecido. Como producto palomitero, sin pretensión alguna, tiene un paso. Quien tenga miras más altas y trate de alimentar su espíritu de alimentos más proteicos, Una pistola en cada mano o El Muerto y ser féliz, son dos propuestas (hay muchas más), que amen de singulares y arriesgadas, dan medida del espíritu humano, no en cuanto a su instinto de supervivencia, que nos empareja a los animales, sino en cuanto a nuestra capacidad para crear.

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Diamond Flash (Carlos Vermut 2011)

Diamond flash poster película Director:Carlos Vermut
Guión: Carlos Vermut
Fotografía: Carlos Vermut
Montaje: Carlos Vermut
País: España
Año: 2011
Género: Thriller existencial
Intérpretes: Ángela Boix, Miquel Insua, Klaus, Rocío León, Eva Llorach, Victória Radonic, Ángela Villar, Petra del Rey, Alba Guerrero, Miguel Noguera, Micaela Quesada, Teresa Soria Ruano, Javier Botet, Maria Cuéllar
Duracion: 128 minutos

Si de una película los críticos comienzan diciendo que no saben muy bien cómo definirla, cómo clasificarla, es que nos encontramos ante algo inasible, líquido, gaseoso, deconstruido, transfronterizo, ambiguo, sugerente y cuantos calificativos se les ocurran, que el idioma castellano es rico.

Diamond Flash es la opera prima de Carlos Vermut proveniente del mundo del cómic, y lo claro, evidente y palmario es que tras verla quien suscribe se ha quedado en standby un buen rato, tratando de encajar las piezas del puzzle, de buscarle sentido a todo lo visto, si bien, como sucede con ciertos libros, y con la vida misma, lo importante y trascendente es el durante, y no tanto el resultado o final. Como una declaración de intenciones una de las protagonistas detesta a esos que quieren entenderlo todo, buscarle a todo un por qué, sin entender que no sabemos nada, ni tenemos porque entenderlo todo, algo que ya Pessoa dejo claro en su Libro del desasosiego.

Lo patente es que el trabajo actoral, mayoritariamente mujeres, es soberbio. Cada cual en su papel lo borda, ya sean las secuestradoras, la madre cuya niña desaparece, la mujer cuya pareja la maltrata, o la argentina que quiere a su lado un hombre que la haga reír.

Como me sucedió cuando vi Tesis, hay flotando en el aire, algo sucio, turbio, desasosegante, que a veces el cine logra transmitir, que sale de la pantalla y hace enrarecer nuestro ánimo, haciendo fuerte nuestro desasosiego. Diamond Flash logra todo esto pero de una manera mucha más enriquecida, potente, expandida, que Tesis. Va más allá de lo visto otras veces. ¿Cache, de Haneke?. Algo de eso hay.

El argumento por tomar algo de tierra y bajar de las nubes de la retórica, consiste en una niña que desaparece en una excursión escolar. Violeta, la madre precisa de una foto para darle al policía que investiga, cuando descubre que no tiene más fotos de su hija que las que le hizo cuando tenía pocos años. Luego aflorarán los traumas infantiles de Violeta, con sus padres, con su hermano, más preocupada esta en saldar deudas con el pasado que en arreglar su incierto presente. Luego vemos a Elena víctima de malos tratos que no quiere denunciar a su pareja, y que para justificarlo ante su amigo le cuenta una historia fantástica. Vemos luego a la niña secuestrada en un edificio abandonada donde dos amantes Juana y Lola se aman y zahieren a partes iguales, entre acusaciones, reproches, justificaciones, masturbaciones orales, y requiebros sentimentales.

Como broche, Enriqueta, una mujer de rostro perturbador, que se reconoce bruja, sin ser creída por cuantos hombres se citan con ella, la cual quiere que la hagan reír, lo cual resulta curioso viendo la cara de palo que muestra la muchacha.

Las presencias masculinas son mínimas, más allá del hermano de Violeta y del superhéroe del film.

En la búsqueda de titulares pomposos de esta película oiremos parabienes increíbles, y al mismo tiempo, y por contra descréditos de todo tipo. Lejos de especulaciones estériles, Diamond Flash es una película interesante, entretenida, desconcertante y recomendable, donde el suelo tiembla y tremola bajo un suelo firme cuajado de incertidumbres. Un firme devenido en arenas movedizas donde nada hay previsible y la expectación es total. ¿Se puede pedir más, en una sociedad marcada por una cultura esterilizada, envada al vacío y con fecha de caducidad?.

Carlos Vermut
ejerce de Juan Palomo pues dirige, guioniza, y se encarga del montaje y la fotografía de la película. Lo trascendente no es esto, lo importante es que todo lo hace bien, porque los diálogos son precisos, certeros, concisos, la fotografía es magnética y el montaje tiene un ritmo endiablado que hasta los momentos más calmos, resultan trepidantes.

De momento la película solo está disponible en el portal de cine Filmin.

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La caída (Freefall Dominic Savage 2009)

La caída cartel películaDirector: Dominic Savage
Guión: Dominic Savage,
Título original:Freefall
Duración: 90 minutos
Género: Drama financiero
Año: 2009
País: Gran Bretaña
Elenco: Aidan Gillen , Dominic Cooper , Joseph Mawle , Rosamund Pike

A pesar de la que está cayendo ahí fuera hace unos añitos, el cine (salvo algunos documentales como Inside Job o Too big to fail) no ha entrado de lleno a abordar los porqués y las consecuencias de esta crisis financiera mundial que vivimos desde 2009. En España, Cinco metros cuadrados, reflejaba la situación de una pareja que compraba una casa en la costa y se quedaba a dos velas, porque la constructora no llegaba a construir nada, y al final todo el dinero dado lo tenían que considerar a fondo pérdido.

En esta producción británica que data del 2009, lo que vemos es un drama humano sustentado en tres patas. Una de ellas es la vida que lleva un gurú financiero, para el que su vida es su trabajo, su despacho con vistas al Támesis, su gasolina el hecho de comprar y vender productos financieros, tóxicos o no, por todo el mundo, aprovechando las ventajas de un mundo liberalizado, sin restricciones, donde poder emplumar un producto a cualquier persona del mundo, para que así consuma, gaste, adquiera y sea féliz, como si una cosa fuera consecuencia de lo otro.

Otro personaje es un vendedor de hipótecas, que va urbanización por urbanización, cual encantador de serpientes, vendiendo sueños e ilusiones, captando a esos que quieren mejorar, prosperar, cambiar de barrio, de casa, de vida, como si el hecho de cambiar una casa por otra cambiara algo las cosas.

Finalmente tenemos una pareja que decide suscribir una hipóteca, porque él es amigo del colegio de quien le vende la hipóteca, y guiado por la buena fe, cree que su amigo de la infancia le está haciendo un favor, nada más alejado de la realidad, dado que cual vérdugo lo único que este hace es ponerle, a su amigo, y a cuantos incautos encuentra por el camino es una soga el cuello.

De una manera muy gráfica, sin banales peroratas ni sentimentalismos la película entra de lleno en el fondo del asunto, en el corazón del drama, sin aspavientos, con solvencia y buen hacer y al igual que hay quien es consciente de que todo se ha acabado, la vida y el trabajo, otros serán capaces de reinventarse sobre la marcha para seguir vendiendo lo que se tercie; sean hipótecas descuento o placas solares. Lejos de maniqueísmos cada cual reconoce su parte de culpa: codicia, ese deseo vehementes de adquirir bienes.

Desear lo que no se puede tener. ¿Vivir por encima de nuestras posibilidades?. Decía Sampedro, que si un banco te da una hipóteca no vives por encima de tus posibilidades, dado que la hipóteca te posibilita comprar la cosa. El problema es cuando el agente inmobiliario que te vende la hipóteca, no te da toda la información sobre el producto, te miente, te estafa, o a sabiendas de que nunca podrás hacer frente a la hipòteca, te la ofrece, cobra su comisión y aquí paz y después gloria. El sistema financiero está podrido, la burbuja inmobiliaria que ellos alimentaron día a día, les ha estallado en la cara, pero ahora sus errores los vamos a pagar entre todas, sea con dinero públicos, rescates europeos, etcétera.

Lo decía Robe: Va a subir la marea y se lo va a llevar todo, no veas si noto la fuerza.

La marea ha subido pero muchos a pesar de haber tragado mucha agua no han querido entender nada.

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La horda (Yannick Dahan Benjamin Rocher 2009)

La horda cartel peliculaDirección: Yannick Dahan y Benjamin Rocher.
País: Francia.
Año: 2009.
Duración: 97 min.
Género: Terror.
Interpretación: Claude Perron, Jean-Pierre Martins, Eriq Ebouaney, Aurélien Recoing, Yves Pignot. Guión: Arnaud Bordas, Yannick Dahan, Stéphane Moassakis, Nicolas Peutafaillit y Benjamin Rocher. Producción: Raphaël Rocher.
Música: Christopher Lennertz.
Fotografía: Julien Meurice.
Montaje: Dimitri Amar.
Diseño de producción: Jérémie Streliski.
Vestuario: Priscilla Van Sprengel.

El cuerpo de un hombre aparece tirado en una cuneta, asesinado, con las manos atadas en la espalda. Sobre la loma, un hombre mira el cadáver de su amigo con los ojos arrasados reconcomido en su fuero interno por la sed de venganza. Resulta que el asesinado es un poli, y cuatro de sus compañeros, deciden vengar su muerte, dado que ellos son una “hermandad”. Tras apalizar a un hombre, logran conocer el paradero de los que mataron a su amigo, que residen en un bloque en la periferia y deciden hacerles una visita y no de cortesía.

Allí irán los cuatro en misión especial y secreta. El tiro les sale por la culata, o más bien les estalla en plena jeta pues no tardan mucho en perder un efectivo y el éxito de su misión pende de un hilo.

Hasta ahí algo convencional: el deseo de venganza es tan propio de la naturaleza humana como la bondad, los celos, la alegría o la tristeza. Lo que deja de ser convencional es cuando de repente se oyen unos ruidos salvajes, monstruosos. Lo que se avecina no son los refuerzos de los polis, que no hay, sino Zoombies. Como es clásico en el género, los zoombies, no sé porque motivo, siempre se mueven frenéticos hacia todas las partes, retorciéndose como si tuvieran dolor de tripas, arman mucho jaleo, siempre tienen sed de sangre y hambre de carne humana, no les afectan las balas y mueren cuando les arrancan o revientan la cabeza, en resumen, la retahíla de tópicos zoombicos que hemos visto cienes de veces.

Ante la inopinada presencia de los zoombies, los policías y los cacos dejan de lado sus rencillas, y llegan a la conclusión de que tiene más posibilidades de éxito si están juntos que si actúan por su cuenta. Así que se juntan los tres polis y los tres cacos y deciden buscar una salida al edificio en cuyas inmediaciones pululan los zoombies.

La película es bruta a más no poder. La sangre impregna cada resquicio del inmueble; paredes, techos, barandillas, ventanas, pomos, etc, la barbarie enajena a los protagonistas y su belicosidad corre próxima al paroxismo. En ese bacanal de sangre, surge un personaje que es lo mejor del film, un abuelete que hacha en mano les va dando para el pelo a los zoombies. Tras haber combatido en Vietnam, tiene ahora la ocasión de recordar esos “Glory Days”, que diría El Boss, y desempolvar todo un arsenal a la espera de ser empleado en una gran ocasión como la presente.

De las motivaciones de los personajes no sabremos mucho porque los tiros no van por ahí, sino que van destinados a hacer picadillo a los zoombies. El ritmo de la película es frenético, no hay tregua, lo brutal y lo gore se dan la mano en un orgía de sangre y violencia explícita que lejos de repeler engancha, aunque esto depende de gustos.

El cine francés sigue ofreciendo interesantes producciones de terror: Haute Tension o Vertige son dos ejemplos.

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Filmoteca Rafael Azcona en Logroño Programación mayo 2012 Sala Gonzalo de Berceo

Con este nuevo proyecto, el Gobierno de La Rioja quiere rendir un homenaje a uno de los más grandes guionistas del cine español. En 2007 fue reconocido con el Galardón de las Artes Riojanas.

La Filmoteca contribuirá a revitalizar la oferta cultural riojana a través del cine y de las artes audiovisuales.

Presentación del Consejero de Educación, Cultura y Turismo, Gonzalo Capellán

Rafael Azcona se lamentaba con negro desparpajo en su Piropito a Logroño de la morriña que le producía llevar ya cuatro años largos fuera de la capital riojana, distancia temporal que le había llevado a aprender a apreciar mejor sus calles, sus paseos, sus bares y cafeterías. Decía Rafael: “¡Qué gran verdad es que sólo al perder las cosas alcanzamos a comprender todo lo estupendo que era poseerlas, demonio!”

Efectivamente, ¡qué gran verdad! Ahora que nuestro recordado paisano lleva cuatro años lejos no ya de Logroño, sino de todo lugar posible, es cuando más se acrecienta la percepción de lo estupendo que era tenerle por estos lares terrenales.

Menos mal que aparte de su recuerdo nos queda su obra, que merece ser revisada desde todos losacercamientos y enfoques que permita. Junto a ella, la afición que el público riojano ha demostrado siempre por disfrutar del séptimo arte, tal como atestiguan los altos niveles de asistencia a los diversos ciclos que se programan en nuestra geografía.

Para atender a estas dos querencias, el Gobierno de La Rioja ha decidido poner en marcha este proyecto cultural, esta filmoteca, en la que pueda establecerse una programación continuada de exhibición fílmica y en la que puedan encardinarse acciones diversas dirigidas a la difusión, preservación y mejor conocimiento del legado cinematográfico no sólo del genial Rafael, sino de otrostantos grandes autores con los que él puede codearse sin sonrojo alguno.

Por añadidura, una sala también muy querida por el público, como es la sala Gonzalo de Berceo, se convierte en punto de referencia principal para este proyecto.

Nos esperan estupendas sesiones de cine. Tan sólo queda que todo el que lo desee vaya ocupando su butaca.

Conoce a Rafael Azcona

Vía | Gobierno de La Rioja

Programación Filmoteca Rafael Azcona Mayo 2012

Programación de mayo

La Filmoteca presenta en el mes de mayo estos dos ciclos de películas:

EUROPA
MIRADAS PERIFÉRICAS. El cine italiano del S. XXI


EUROPA

Martes 8 de mayo 2012, 20:15 h

Redención. (Tyrannosaur)” Reino Unido. 2011. 91 min. V.O.S.E. Dirección: Paddy Considine

SESION ESPECIAL CON MOTIVO DEL “DIA DE EUROPA”

Miércoles 9 de mayo 2012, 17:15 h

Arrugas“. España. 2011. 80 min. Dirección: Ignacio Ferreras

Martes 15 de mayo 2012, 20:15 h

The Turin Horse“. Hungría / Francia / Suiza / Estados Unidos / Alemania. 2011. 146 min. V.O.S.E. Húngaro. Dirección: Béla Tarr

Martes 22 de mayo 2012, 20:15 h

“Las malas hierbas. (Les herbes folles)”. Francia 2009. 104 min. V.O.S.E. Francés. Dirección: Alain Resnais

Martes 29 de mayo 2012, 20:15 h

“El mundo es grande y la felicidad está a la vuelta de la esquina. (Svetat e golyam i spasenie debne otvsyakade)”. Bulgaria 2008. 105 min. V.O.S.E. Búlgaro. Dirección: Stephan Komandarev

MIRADAS PERIFÉRICAS. El cine italiano del S. XXI

Miércoles 9 de mayo 2012, 20:15 h

“L’uomo che verrà”. Italia. 2009. 107 min. V.O.S.E. Dirección: Giorgio Diritti.

Miércoles 16 de mayo 2012, 20:15 h

“Il resto di niente”. Italia. 2003. 103 min. V.O.S.E. Dirección: Antonietta de Lillo.

Miércoles 23 de mayo 2012, 20:15 h

“Sangue vivo”. Italia. 2000. 95 min. V.O.S.E. Dirección: Edoardo Winspeare.

Miércoles 30 de mayo 2012, 20:15 h

“L´aria salata”. Italia. 2006. 87 min. V.O.S.E. Dirección: Alessandro Angelini.

Datos de interés

Las películas se proyectarán en la Sala Gonzalo de Berceo de Logroño, que cuenta con un aforo de 215 butacas.

El precio de las entradas es de 2,5 euros. Las entradas se venderán en taquilla una hora antes del comienzo de la sesión.

Una vez comenzada la sesión no se permitirá la entrada a la sala.

Todas las películas se proyectarán en versión original y subtituladas al castellano si éste no es el idioma de la película.

La programación anunciada podría sufrir variaciones que se anunciarían con anterioridad.

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Bon apetit (David Pinillos 2010)

Bon apetit cartel películaDirección: David Pinillos.
Países: España, Alemania y Suiza. Año: 2010.
Duración: 90 min.
Género: Drama, romance. Interpretación: Unax Ugalde (Daniel), Nora Tschirner (Hanna), Guilio Berruti (Hugo), Herbert Knaup (Thomas).
Guión: David Pinillos, Juan Carlos Rubio y Paco Cabezas.
Producción: Pedro Uriol. Música: Marcel Vaid.
Fotografía: Aitor Mantxola.
Montaje: Fernando Franco.
Diseño de producción: Mario Suances.
Vestuario: María Manchado

El joven Daniel se traslada a Zurich desde Bilbao, su ciudad natal, a trabajar en el restaurante de un prestigiso chef. Quiere progresar en lo suyo y de paso saldar cuentas con el pasado; sus padres están separados, y alcanzar notoriedad en la restauración es una manera tan buena como cualquier otra de demostrar a su padre que él es alguien.
Intimará prontamente Dnaiel con una de las empleadas en el restaurante, Hanna, la sumiller, una joven alemana que está manteniendo una relación con el chef, que dicho sea de paso está casado.

El trío lo completa el italiano Hugo, un apuesto mozo que ayudará a Daniel a encontrar su camino. Es Bon apetit, una tragicomedia sensible y emotiva, trazada con buen gusto y acierto. Los personajes se mueven perdidos en un laberinto amoroso, en un continuo te quiero, no te quiero, me gustas pero no lo suficiente como para compromoterme contigo. Uno se enamora de quien no conviene, de seres dispuestos a hacerte daño. Es ahí donde la película crece, lejos de los fogones, si bien estos representan su parcela de realidad; las ansias de medrar por parte de un joven con ambición, que busca estrellas, no en el firmamento, sino sobre el papel, en cualquiera de estas guías gastronómicas, que son biblias y haces de luz para mucha gente.

Acertada la pareja protagonista; tanto Unax Ugalde como Nora Tschirner están muy bien en sus papeles. Unax borda el papel de perdedor, desbordado ante las situaciones que vive, sin llegar a controlar apenas nada. Nora transmite fortaleza y debilidad, dan ganas de abrazarla y consolorla, pero también de bailar al son de su alegría, de su afable carácter.

Ahora que muchos jóvenes están saliendo de España forzados por las circunsntancias, a labrarse un porvenir, Bon Apetit, expone lo contrario; personas que se fueron buscando no saben muy bien qué allende sus fronteras, pero que más experimentados y curtidos, buscan en sus lugares de origen, la forma de buscarse la vida, de alcanzar esa armonía y equilibrio que es el trasunto realista de la felicidad.

Bon Apetit como una bomba lapa te hace polvo dentro al tiempo que la ves. Pero no hay sensiblería alguno. Prima el realismo y ahí es donde la película gana muchos más enteros.

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Struggle (Ruth Mader 2003)

Struggle poster movieDirector: Ruth Mader
Intérpretes: Aleksandra Justa, Gottfried Breitfuss, Martin Brambach, Margit Wrogel
Título en VO: Struggle
País: Austria
Año: 2003.
Duración: 74 min.
Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Martin Leidenfrost, Barbara Albert Montaje: Niki Mossböck
Fotografía: Bernhard Keller montaje: Niki Mossböck
Escenografía: Ilona Glöckel vestuario: Alexandra Burgstaller, Christine Ludwig
Productor: Ruth Mader, Gabriele Kranzelbinder, Alexander Dumreicher-Ivanceanu
Producción: Amour Fou Filmproduktion, Struggle Films

Struggle plasma con crudeza y sin concesión alguna lo que es la precariedad laboral, o más bien el tener que ganar cada día el jornal como sea. La protagonista es Ewa una mujer polaca de unos treinta años con una hija de diez, que se ofrece a trabajar en lo que sea, ya sea recogiendo fresas en la vecina Austria, o apostándose en el arcén de la carretara donde parará gente que les ofrecerán trabajos de día, como limpiar piscinas, quitar el polvo a figuritas, desmenuzar pavos, etcétera.

Queda muy marcada la diferencia entre los países capitalistas como Austria y los ex-comunistas como Polonia. Apenas unos kilómetros y es retroceder medio siglo. Así que Ewa tira para adelante sin descanso, buscando su sustento al tiempo que vigila de su hija, la cual la acompaña en muchos de sus trabajos.

La película arranca con la pareja en un autobús que va a una ciudad de Austria para recoger fresas a razón de 25 céntimos de euro el kilo, durante seis semanas. Período en el cual dormirán en contenedores prefabricados. Esclarecedor el momento en el que les pasan por el codigo de barras el colgante que llevan. ¿Son personas o productos de un supermercado lo que vemos?.
De eso en España sabemos un rato, pues también hay temporeros que vienen, por ejemplo en La Rioja, a la recogida de la uva, y casos en los telediarios donde a estas personas las tratan peor que si fueran animales. Donde hay alguien explotado está detrás o mejor dicho encima un explotador.

La película busca y encuentra la verosimilitud. Se centra en los detalles, capturando diversos momentos del tiempo, rostros, caras, manos, que permiten asomarnos como espectadores a una realidad que está ahí pero que el cine (convertido en un vehículo de evasión) rehúye. Se logran grandes momentos, como lo estomagante que resulta verla en la fabrica de pollos, en esos procesos tediosos, repetitivos, que vacían la tarea de cualquier creatividad y reducen al ser humano a pieza intercambiable. En otra secuencia mientras Ewa limpia la piscina, el hijo de la dueña de la casa le deja un vaso de agua para salir poco menos que corriendo, dejando muy claro cuales son los límites, los contornos o esferas en la que se mueven, y deben seguir moviéndose cada uno.

Encuentro Struggle igual de cruda, dura y descarnada que la Rosetta de los hermanos Dardenne, donde se daba también cuenta de las grandes fallas existentes en los países desarrollados, donde una joven era capaz de hacer casi de todo por conseguir un trabajo, también con Arcadia, donde la obtención de un trabajo era la excusa del protagonista para cometer actos deleznables. En Struggle, no sucede sin embargo nada anómalo, ni violento. Vivir ya es violento.

La manera tan poco ortodoxa en la que Ewa conoce a un hombre con el que comienza una relación, da fe de que este mundo es raro, complejo, hostil, y frío y gris, pero también que hay lugar para la esperanza, por eso la escena final es un rayo de luz en la oscuridad, con la sonrisa de una niña que no sana pero cura las heridas del día a día.

Contraponer la situación de Ewa a la de su novio, un hombre separado que combate el aburrimiento o nihilismo existencial con practicas sexuales de toda índole, no hace sino hacer más acusado cada postura. ¿Salir de la pobreza para acabar hastiados de nuestras aburridas vidas?.

Ruth Mader dio el salto a la dirección con esta película. La cual por su mensaje, exento de cualquier subrayado, su honestidad y sinceridad, la hace recomendable. No la clasificaría de cine social, porque el término ya ha sido vaciado de contenido. Lo que hay en pantalla no son personajes, sino personas y ahí el cine ya no es solo social sino también humano y conmovedor. Inevitable cuando hay sentimientos en juego.

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El Cine Europeo huele a Oscar

Entre las nueve películas que optan este año a la mejor película en habla no inglesa (lo cual es una sandez, pues sí que hay películas europeas en ese idioma, luego sería mejor hablar de películas no americanas) hay nada menos que cinco europeas. A saber:

Bullhead, de Michael R. Roskam (Bélgica)
Superclasico de Ole Christian Madsen (Dinamarca)
Pina de Wim Wenders (Alemania, en coproducción con Francia y Reino Unido)
Omar m’a tuer, de Roschdy Zem (candidata ofcial por Marruecos pero de producción francesa)
In Darkness, de Agnieszka Holland (candidata oficial polaca, en coproducción con Alemania, Francia y Canadá).

Las otras cuatro películas que no son europeas son:
Monsieur Lazhar, de Philippe Falardeau (Canadá)
Nader y Simin, una separación, de Asghar Farhadi (Irán)
Warriors of the Rainbow: Seediq Bale, de Wei Te-sheng (Taiwán)
Footnote, de Joseph Cedar (Israel).

El martes 24 enero ya sabremos cuales serán las cinco candidatas a la estatuilla y se anunciarán el resto de nominaciones a los 84° premios de la academia de Hollywood.

La ceremonia de entrega de galardones se celebrará el 26 de febrero en el teatro Kodak de Los Ángeles.

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