Con este nuevo proyecto, el Gobierno de La Rioja quiere rendir un homenaje a uno de los más grandes guionistas del cine español. En 2007 fue reconocido con el Galardón de las Artes Riojanas.

La Filmoteca contribuirá a revitalizar la oferta cultural riojana a través del cine y de las artes audiovisuales.

Presentación del Consejero de Educación, Cultura y Turismo, Gonzalo Capellán

Rafael Azcona se lamentaba con negro desparpajo en su Piropito a Logroño de la morriña que le producía llevar ya cuatro años largos fuera de la capital riojana, distancia temporal que le había llevado a aprender a apreciar mejor sus calles, sus paseos, sus bares y cafeterías. Decía Rafael: “¡Qué gran verdad es que sólo al perder las cosas alcanzamos a comprender todo lo estupendo que era poseerlas, demonio!”

Efectivamente, ¡qué gran verdad! Ahora que nuestro recordado paisano lleva cuatro años lejos no ya de Logroño, sino de todo lugar posible, es cuando más se acrecienta la percepción de lo estupendo que era tenerle por estos lares terrenales.

Menos mal que aparte de su recuerdo nos queda su obra, que merece ser revisada desde todos losacercamientos y enfoques que permita. Junto a ella, la afición que el público riojano ha demostrado siempre por disfrutar del séptimo arte, tal como atestiguan los altos niveles de asistencia a los diversos ciclos que se programan en nuestra geografía.

Para atender a estas dos querencias, el Gobierno de La Rioja ha decidido poner en marcha este proyecto cultural, esta filmoteca, en la que pueda establecerse una programación continuada de exhibición fílmica y en la que puedan encardinarse acciones diversas dirigidas a la difusión, preservación y mejor conocimiento del legado cinematográfico no sólo del genial Rafael, sino de otrostantos grandes autores con los que él puede codearse sin sonrojo alguno.

Por añadidura, una sala también muy querida por el público, como es la sala Gonzalo de Berceo, se convierte en punto de referencia principal para este proyecto.

Nos esperan estupendas sesiones de cine. Tan sólo queda que todo el que lo desee vaya ocupando su butaca.

Conoce a Rafael Azcona

Vía | Gobierno de La Rioja

Programación Filmoteca Rafael Azcona Mayo 2012

Programación de mayo

La Filmoteca presenta en el mes de mayo estos dos ciclos de películas:

EUROPA
MIRADAS PERIFÉRICAS. El cine italiano del S. XXI

EUROPA

Martes 8 de mayo 2012, 20:15 h

“Redención. (Tyrannosaur)” Reino Unido. 2011. 91 min. V.O.S.E. Dirección: Paddy Considine

SESION ESPECIAL CON MOTIVO DEL “DIA DE EUROPA”

Miércoles 9 de mayo 2012, 17:15 h

“Arrugas“. España. 2011. 80 min. Dirección: Ignacio Ferreras

Martes 15 de mayo 2012, 20:15 h

“The Turin Horse“. Hungría / Francia / Suiza / Estados Unidos / Alemania. 2011. 146 min. V.O.S.E. Húngaro. Dirección: Béla Tarr

Martes 22 de mayo 2012, 20:15 h

“Las malas hierbas. (Les herbes folles)”. Francia 2009. 104 min. V.O.S.E. Francés. Dirección: Alain Resnais

Martes 29 de mayo 2012, 20:15 h

“El mundo es grande y la felicidad está a la vuelta de la esquina. (Svetat e golyam i spasenie debne otvsyakade)”. Bulgaria 2008. 105 min. V.O.S.E. Búlgaro. Dirección: Stephan Komandarev

MIRADAS PERIFÉRICAS. El cine italiano del S. XXI

Miércoles 9 de mayo 2012, 20:15 h

“L’uomo che verrà”. Italia. 2009. 107 min. V.O.S.E. Dirección: Giorgio Diritti.

Miércoles 16 de mayo 2012, 20:15 h

“Il resto di niente”. Italia. 2003. 103 min. V.O.S.E. Dirección: Antonietta de Lillo.

Miércoles 23 de mayo 2012, 20:15 h

“Sangue vivo”. Italia. 2000. 95 min. V.O.S.E. Dirección: Edoardo Winspeare.

Miércoles 30 de mayo 2012, 20:15 h

“L´aria salata”. Italia. 2006. 87 min. V.O.S.E. Dirección: Alessandro Angelini.

Datos de interés

Las películas se proyectarán en la Sala Gonzalo de Berceo de Logroño, que cuenta con un aforo de 215 butacas.

El precio de las entradas es de 2,5 euros. Las entradas se venderán en taquilla una hora antes del comienzo de la sesión.

Una vez comenzada la sesión no se permitirá la entrada a la sala.

Todas las películas se proyectarán en versión original y subtituladas al castellano si éste no es el idioma de la película.

La programación anunciada podría sufrir variaciones que se anunciarían con anterioridad.

Dirección: David Pinillos.
Países: España, Alemania y Suiza. Año: 2010.
Duración: 90 min.
Género: Drama, romance. Interpretación: Unax Ugalde (Daniel), Nora Tschirner (Hanna), Guilio Berruti (Hugo), Herbert Knaup (Thomas).
Guión: David Pinillos, Juan Carlos Rubio y Paco Cabezas.
Producción: Pedro Uriol. Música: Marcel Vaid.
Fotografía: Aitor Mantxola.
Montaje: Fernando Franco.
Diseño de producción: Mario Suances.
Vestuario: María Manchado

El joven Daniel se traslada a Zurich desde Bilbao, su ciudad natal, a trabajar en el restaurante de un prestigiso chef. Quiere progresar en lo suyo y de paso saldar cuentas con el pasado; sus padres están separados, y alcanzar notoriedad en la restauración es una manera tan buena como cualquier otra de demostrar a su padre que él es alguien.
Intimará prontamente Dnaiel con una de las empleadas en el restaurante, Hanna, la sumiller, una joven alemana que está manteniendo una relación con el chef, que dicho sea de paso está casado.

El trío lo completa el italiano Hugo, un apuesto mozo que ayudará a Daniel a encontrar su camino. Es Bon apetit, una tragicomedia sensible y emotiva, trazada con buen gusto y acierto. Los personajes se mueven perdidos en un laberinto amoroso, en un continuo te quiero, no te quiero, me gustas pero no lo suficiente como para compromoterme contigo. Uno se enamora de quien no conviene, de seres dispuestos a hacerte daño. Es ahí donde la película crece, lejos de los fogones, si bien estos representan su parcela de realidad; las ansias de medrar por parte de un joven con ambición, que busca estrellas, no en el firmamento, sino sobre el papel, en cualquiera de estas guías gastronómicas, que son biblias y haces de luz para mucha gente.

Acertada la pareja protagonista; tanto Unax Ugalde como Nora Tschirner están muy bien en sus papeles. Unax borda el papel de perdedor, desbordado ante las situaciones que vive, sin llegar a controlar apenas nada. Nora transmite fortaleza y debilidad, dan ganas de abrazarla y consolorla, pero también de bailar al son de su alegría, de su afable carácter.

Ahora que muchos jóvenes están saliendo de España forzados por las circunsntancias, a labrarse un porvenir, Bon Apetit, expone lo contrario; personas que se fueron buscando no saben muy bien qué allende sus fronteras, pero que más experimentados y curtidos, buscan en sus lugares de origen, la forma de buscarse la vida, de alcanzar esa armonía y equilibrio que es el trasunto realista de la felicidad.

Bon Apetit como una bomba lapa te hace polvo dentro al tiempo que la ves. Pero no hay sensiblería alguno. Prima el realismo y ahí es donde la película gana muchos más enteros.

Director: Ruth Mader
Intérpretes: Aleksandra Justa, Gottfried Breitfuss, Martin Brambach, Margit Wrogel
Título en VO: Struggle
País: Austria
Año: 2003.
Duración: 74 min.
Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Martin Leidenfrost, Barbara Albert Montaje: Niki Mossböck
Fotografía: Bernhard Keller montaje: Niki Mossböck
Escenografía: Ilona Glöckel vestuario: Alexandra Burgstaller, Christine Ludwig
Productor: Ruth Mader, Gabriele Kranzelbinder, Alexander Dumreicher-Ivanceanu
Producción: Amour Fou Filmproduktion, Struggle Films

Struggle plasma con crudeza y sin concesión alguna lo que es la precariedad laboral, o más bien el tener que ganar cada día el jornal como sea. La protagonista es Ewa una mujer polaca de unos treinta años con una hija de diez, que se ofrece a trabajar en lo que sea, ya sea recogiendo fresas en la vecina Austria, o apostándose en el arcén de la carretara donde parará gente que les ofrecerán trabajos de día, como limpiar piscinas, quitar el polvo a figuritas, desmenuzar pavos, etcétera.

Queda muy marcada la diferencia entre los países capitalistas como Austria y los ex-comunistas como Polonia. Apenas unos kilómetros y es retroceder medio siglo. Así que Ewa tira para adelante sin descanso, buscando su sustento al tiempo que vigila de su hija, la cual la acompaña en muchos de sus trabajos.

La película arranca con la pareja en un autobús que va a una ciudad de Austria para recoger fresas a razón de 25 céntimos de euro el kilo, durante seis semanas. Período en el cual dormirán en contenedores prefabricados. Esclarecedor el momento en el que les pasan por el codigo de barras el colgante que llevan. ¿Son personas o productos de un supermercado lo que vemos?.
De eso en España sabemos un rato, pues también hay temporeros que vienen, por ejemplo en La Rioja, a la recogida de la uva, y casos en los telediarios donde a estas personas las tratan peor que si fueran animales. Donde hay alguien explotado está detrás o mejor dicho encima un explotador.

La película busca y encuentra la verosimilitud. Se centra en los detalles, capturando diversos momentos del tiempo, rostros, caras, manos, que permiten asomarnos como espectadores a una realidad que está ahí pero que el cine (convertido en un vehículo de evasión) rehúye. Se logran grandes momentos, como lo estomagante que resulta verla en la fabrica de pollos, en esos procesos tediosos, repetitivos, que vacían la tarea de cualquier creatividad y reducen al ser humano a pieza intercambiable. En otra secuencia mientras Ewa limpia la piscina, el hijo de la dueña de la casa le deja un vaso de agua para salir poco menos que corriendo, dejando muy claro cuales son los límites, los contornos o esferas en la que se mueven, y deben seguir moviéndose cada uno.

Encuentro Struggle igual de cruda, dura y descarnada que la Rosetta de los hermanos Dardenne, donde se daba también cuenta de las grandes fallas existentes en los países desarrollados, donde una joven era capaz de hacer casi de todo por conseguir un trabajo, también con Arcadia, donde la obtención de un trabajo era la excusa del protagonista para cometer actos deleznables. En Struggle, no sucede sin embargo nada anómalo, ni violento. Vivir ya es violento.

La manera tan poco ortodoxa en la que Ewa conoce a un hombre con el que comienza una relación, da fe de que este mundo es raro, complejo, hostil, y frío y gris, pero también que hay lugar para la esperanza, por eso la escena final es un rayo de luz en la oscuridad, con la sonrisa de una niña que no sana pero cura las heridas del día a día.

Contraponer la situación de Ewa a la de su novio, un hombre separado que combate el aburrimiento o nihilismo existencial con practicas sexuales de toda índole, no hace sino hacer más acusado cada postura. ¿Salir de la pobreza para acabar hastiados de nuestras aburridas vidas?.

Ruth Mader dio el salto a la dirección con esta película. La cual por su mensaje, exento de cualquier subrayado, su honestidad y sinceridad, la hace recomendable. No la clasificaría de cine social, porque el término ya ha sido vaciado de contenido. Lo que hay en pantalla no son personajes, sino personas y ahí el cine ya no es solo social sino también humano y conmovedor. Inevitable cuando hay sentimientos en juego.

Entre las nueve películas que optan este año a la mejor película en habla no inglesa (lo cual es una sandez, pues sí que hay películas europeas en ese idioma, luego sería mejor hablar de películas no americanas) hay nada menos que cinco europeas. A saber:

Bullhead, de Michael R. Roskam (Bélgica)
Superclasico de Ole Christian Madsen (Dinamarca)
Pina de Wim Wenders (Alemania, en coproducción con Francia y Reino Unido)
Omar m’a tuer, de Roschdy Zem (candidata ofcial por Marruecos pero de producción francesa)
In Darkness, de Agnieszka Holland (candidata oficial polaca, en coproducción con Alemania, Francia y Canadá).

Las otras cuatro películas que no son europeas son:
Monsieur Lazhar, de Philippe Falardeau (Canadá)
Nader y Simin, una separación, de Asghar Farhadi (Irán)
Warriors of the Rainbow: Seediq Bale, de Wei Te-sheng (Taiwán)
Footnote, de Joseph Cedar (Israel).

El martes 24 enero ya sabremos cuales serán las cinco candidatas a la estatuilla y se anunciarán el resto de nominaciones a los 84° premios de la academia de Hollywood.

La ceremonia de entrega de galardones se celebrará el 26 de febrero en el teatro Kodak de Los Ángeles.

Película: Eva.
Dirección: Kike Maíllo.
Países: España y Francia. Año: 2011.
Duración: 94 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Interpretación: Daniel Brühl (Álex), Claudia Vega (Eva), Marta Etura (Lana), Alberto Ammann (David), Lluís Homar. Guion: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca y Aintza Serra.
Producción ejecutiva: Sergi Casamitjana, Aintza Serra y Lita Roig.
Fotografía: Arnau Valls Colomer.
Montaje: Elena Ruiz. Diseño de producción: Laia Colet.
Vestuario: María Gil.

Teniendo presente que Eva, es la ópera prima de Kike Maíllo (hasta la fecha había dirigido un par de cortometrajes y estaba dedicado a la publicidad al tiempo que participa en la impartición de talleres como docente en la ESCAC), los parabienes que puedo dedicar a esta bella película son ingentes. Lo que resulta más evidente es su cuidada factura, su puesta en escena, que es sencillamente soberbia. A esto añadimos unos personajes muy interesantes, en especial el de Álex, un científico tildado de genio por quienes le conocen, que decide volver a sus raíces, a su hogar, al serle ofrecido un trabajo al que saben que no podrá oponerse. Älex es experto en robótica.

Hay misterio en la historia. Algo le sucedió a Álex, cuando decidió poner tierra por medio y dejar todo patas arriba (como canta Sabina en uno de sus temazos “mi manera de comprometerme, fue darme a la fuga“), pues destrozó el corazón de Lana, que ahora está casada con el hermano de Álex, David, otro científico talentoso, en dura pugna con su hermano. Ya sabemos que las rencillas, odios, celos y afectos mal explicitados dan mucho juego.

No podemos olvidar a la niña que da título a la película, Eva, una niña “encantadora”, divertida, inteligentísima, vivaracha y perspicaz en quien Álex reparará para llevar a cabo su proyecto, o esa es su primera intencion.

Sí, Eva es de ciencia ficción, pero hay tanta humanidad por medio, tantos sentimientos y emociones, que lo tecnológico, lo fantasioso, no es más que un barniz, para hacer aún más grande esta deliciosa película.
Si el cine es un arte que nos debe hacer experimentar sensaciones de todo tipo, viendo Eva, experimenté muchas cosas, desde la carcajada hasta el llanto contenido o distentido según la secuencia.

Director: Richard Berry.
Reparto: Jean Reno (Charly Matteï), Kad Merad (Tony Zacchia), Richard Berry (Aurelio Rampoli), Gabriella Wright (Yasmina Telaa), Marina Foïs, Jean-Pierre Darroussin.
País: Francia.
Género: Acción, Crimen, Thriller.
Duración: 117 Minutos.
Año: 2010
Música original: Klaus Badelt
Fotografía Thomas Hardmeier
Montaje Camille Delamarre

No es tarea fácil presentar como alguien entrañable a un asesino. Este parece ser no obstante el objetivo de L´inmmortel; 22 bullets. El protagonista es Charly, capo local de Marsella, quien un buen día en un aparcamiento es acribillado a balazos por unos encapuchados, recibiendo esos 22 balazos del título. Milagrosamente Charlie sale vivo de la balacera y con unos cuantos remiendos y costurones en su cuerpo y una mano sin sensibilidad, no tardará mucho tiempo en pisar de nuevo la calle. Después del tiroteo Charlie quiere hacer justicia, así que los ocho hombres que formaron parte de la operación tendrán los días contados y esto es lo que se nos cuenta y lo que vemos en la película, como Charlie irá despachando religiosamente en diferentes escenarios y con diversas puestas en escena a los ejecutores del fustrado asesinato.
A fin de revestir a Charlie de algo humanidad, vemos que no está solo, que tiene una mujer y dos hijos, por quienes siente devoción, y por los cuales está dispuesto a hacer cualquier cosa, como si el amor filial estuviera por encima de cualquier otra consideración, igualando a asesinos y a hombres de bien.
Los asesinatos son coreografiados, la violencia tiene pretensiones estéticas, la puesta en escena es videoclipera, con fotografía de colores saturados, los personajes caricaturescos, pero a pesar de todo y de sus casi 120 minutos de duración, y de que no pasará a la historia, aún con todo resulta llevadera, merced a un ritmo trepidante y gracias a Jean Reno, que parece haberse especializado en el género de acción, cuando a primera vista, no parece dar el tipo ni mucho menos (siempre. El otro gangster, con una salud pésima e hipocondriaco es interpretado por Kad Merad, quien a poco me descoyunta el eje pepinar con su película “Bienvenidos al Norte”.

Dirección: Jesús Garay.
País: España. Año: 2009. Duración: 92 min.
Género: Drama
Interpretación: Ariadna Cabrol (Eloïse), Diana Gómez (Asia), Laura Conejero (madre), Bernat Saumell (Nathaniel), Carolina Montoya (Erika), Miranda Makaroff (Norah), Nuria Hosta (Asun).
Guión: Cristina Moncunill.
Producción ejecutiva: José Antonio Pérez Giner.
Música: Carles Cases.
Fotografía: Carles Gusi.
Montaje: Anastasi Rinos.
Diseño de producción: Leo Casamitjana.
Vestuario: Marian Varela.

La película aborda con sensibilidad y belleza el despertar sexual de la joven Asia, que si es azuzada por su madre para que cumpla las reglas sociales y se empareje con el apuesto noviete con quien lleva saliendo unos meses, ella lo que en verdad desea es estar junto a una compañera de clase, una sensual pintora. Esa atracción sexual se plasma con gran sutileza, rehuyendo la sal gruesa, a través de gestos, palabras, caricias, miradas de deseo, dado que Asia actuará como modelo de la pintora, ejerciendo ésta casi un control mental absoluto de la misma (ocupando todos y cada unos de sus pensamientos). Un control sin esclavismo, no obstante, dado que la pintora curtida en amores, con una ruptura en cada puerto, no querrá precipitará el asunto, sabedora de que es tan importante el fin como las etapas previas. Es ella para Elöiseuna Diosa, que le abrirá las puertas a otra forma de amar, para la que quizás a pesar de su juventud y amplitud de miras todavía no esté preparada, sin saber cómo reaccionar ante el día después.

Buena labor interpretativa la ofrecida por la pareja de enamoradas (interpretadas por las jóvenes actrices Ariadna Cabrol y Diana Gómez), como de la madre de Asia (la actriz Laura Conejero) en el rol de una cuarentona con cara de palo y muy mala hostia a quien parece que le jode que su hija sea feliz, insatisfecha como se le ve.

Priman los primeros planos, fijándose el objetivo en esos rostros inmaculados, en cuerpos níveos y turgentes, en labios carnosos, abiertos como fruta madura, esperando ser besados. Ahí aflora un erotismo contenido, gozoso, hermoso, que por definición sugiere más de lo que explicita.

La película se inicia con Asia ingresando gravemente en un hospital, tras haber sufrido un accidente. Allí acudirán su madre y su novio. Luego mediante continuos flash-back veremos cóomo se ha llegado a esa trágica situación.

La película está rodada en catalán y junto a producciones recientes como 25 kilates o Tres días con la familia, demuestran que Cataluña es un referente para cinéfilos hoy por hoy dentro del territorio nacional. No defraudará a todos aquellos que entienden el amor como un prodigio hermoso, arrebatado, huracanado, capaz de arrasar con todo, dejando los corazones deshojados y la sangre espesa.

Dirección: Mar Coll.
País: España. Año: 2009. Duración: 86 min.
Género: Drama.
Interpretación: Nausicaa Bonnín (Léa), Eduard Fernández (Josep Maria), Philippine Leroy-Beaulieu (Jöelle), Francesc Orella (Toni), Ramón Fontserè (Pere), Aida Oset (Mar), Artur Busquets (Pau), Amalia Sancho (Virginia), Isabel Rocatti (Montse), María Ribera (Laia).
Guión: Mar Coll y Valentina Viso.
Producción ejecutiva: Sergi Casamitjana, Aintza Serra y Lita Roig.
Música: Maikmaier.
Fotografía: Neus Ollé. Montaje: Elena Ruiz.
Dirección artística: Xénia Besora.
Vestuario: Mariel Gimeno-Bayón.

La muerte del abuelo permite reunir a toda la familia. A sus cuatro hijos, cada uno diferente; tenemos al digno sucesor del difunto, de parejo carácter y afán de notoriedad, el buenazo, el que no consigue imponer su voz y la hija levantisca que ajusticia el pasado familiar con un libro que levanta ampollas en el entorno familiar.

Por otra parte están los hijos de estos, los nietos del difunto, que se reúnen merced al luctuoso trance, para pasar unos ratos juntos, ya sea en la barra de un bar, frente a una mesa donde comer o en la casa de veraneo frente al mar, donde despedir al abuelo. Jóvenes que están cursando estudios universitarios. La protagonista que está estudiando en Tolousse y cuyo paso por su tierra (esos tres días con la familia), supondrá todo una maremoto en su corazón, pues si ya la mujer tiene un carácter difícil, la relación que mantienen sus padres, separados, la tirantez con su madre con la que se despacha a sus anchas, su insatisfacción al recibir la negativa de su pareja a vivir con ella, y el trance que supone hacerse adulto y tomar decisiones, la hacen todavía más circunspecta y reconcentrada. Primos que hablan de irse a Managua a ayudar, reducido a meras poses, habitantes de un mundo burgués, acomodado, todos ellos, lo cual no les exime del sufrimiento, como al común de los mortales.

La directora, Mar Coll es una joven catalana nacida en el 81, que pese a su juventud, dirige con mano firme a unos actores y actrices en estado de gracia. Mención aparte para Nausicaa Bonnín y Eduard Fernández (lo cual no es una novedad), y que co-escribe un guión, donde como buena observadora que es seguro que plasma situaciones que a todos nos han llamado la atención, que las habrá vivido en primera persona, ya sabemos que las reuniones familiares dan mucho de sí, donde entran en liza personalidades de lo más dispares, máxime si se dan cita varias generaciones (como sucedía en Remake, de Roger Gual) y que más allá de fijarlo en un corto, pergeña esta película donde afloran mil historias, y donde vale tanto lo que se dice como lo que se omite, pues toda la película está abonada de silencios y miradas impagables.

Sí amigos si morir duele. Vivir también.

Dirección: Daniel Barber.
País: Reino Unido.
Año: 2009.
Duración: 97 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Michael Caine, Emily Mortimer, Charlie Creed-Miles, Ben Drew, Liam Cunningham.
Guión: Gary Young.
Producción: Kris Thyker y Matthew Brown.
Música: Martin Phipps y Ruth Barrett.
Fotografía: Martin Ruhe.
Montaje: Joe Walker.
Diseño de producción: Kave Quinn. Vestuario: Jane Petrie.

A pesar de su edad (77 años) Michael Caine sigue trabajando, actuando. En la película que nos ocupa, Harry Brown, aparece en casi todas y cada una de las escenas del film. Harry vive en una barriada de una gran ciudad, habitada por jóvenes gamberros que llevan al límite su belicosidad, disparando a una mujer frente a su hija de dos años, a quemarropa, como pasatiempo. La situación es irrespirable, pues a la mínima estos vándalos echan mano de las armas, apalizan a la gente, como hordas salvajes a quienes nadie pone freno, dado que la policía se toma esos asuntos como meros trámites administrativos, registrando las denuncias de las vecinas sin hacer nada más.

Harry echa la partida de ajedrez con un abuelete como él, en un bar, quien le cuenta que tiene miedo de esos jóvenes, quienes un día le llenan el buzón de mierda y otro día prenden fuego a bolsas de plástico frente a la puerta de su casa, corriendo el riesgo de morir asfixiado. Ante la pasividad policial el abuelo quiere hacer justicia y le cuenta a Brown que no permanecerá de brazos cruzados.
Brown pierde a su esposa y días después recibe la noticia de que su amigo ha muerto salvajemente asesinado, con heridas de sable y muestras claras de ensañamiento, sin que ninguna de los jóvenes que son llamados a testificar aporten luz a la investigación, enconados en un “sin comentarios”, saliendo libres poco después.

Harry mira el lecho vacío, el cielo gris, visita la casa del difunto, y desde una ventana controla un paso subterráneo donde los jóvenes ejercen su reinado. Harry, observa, archiva y luego ejecuta. De su pasado sabemos que fue militar, en la Armada, y poco más. Harto como está de ver los desmanes y tropelías ejecutados por esa panda de gañanes y con un horizonte vital que se le antoja corto, decide seguir los pasos de su amigo, ejecutando su inacabada venganza personal a modo de justicia.
Las nuevas tecnologías están presentes. De este modo Harry verá con sus ojos sobre la pantalla de un móvil, el final agonizante de su amigo. Lo cual reforzará más si cabe su determinación de llevarse por delante la mayor chusma posible.

Tomarse la justicia por su mano es tema socorrido en el cine; Venganza, La extraña que hay en ti, La zona, Gran Torinio, etc…ya han abordado el tema, y Harry Brown tampoco viene a ofrecer nada nuevo sobre el asunto. Michael Caine está estupendo, como es habitual en él. La historia tiene chispa, y resulta bastante entretenida, viendo a Harry proceder a pesar de su edad y su maltrecha salud, deambulando por ambientes nocturnos (notable la fotografía de Martin Ruhe), besando el suelo en más de una ocasión, haciendo cosas poco propias de un octogenario. No falta violencia explicita, tanto en los crímenes como en la representación de esa olla a presión que es el barrio donde vive Harry ante la presencia policial antidisturbios, mostrada con crudeza. Sin ánimo de ser un fresco social, sí que retrata la vida de muchos jóvenes que sin oficio ni beneficio, hacen del trapicheo, la venta de drogas, y la no escolarización su estilo de vida, embrutecidos por el alcohol y las drogas, cegados por una violencia que los enajena, convertidos en bestias que matan el tiempo matando.

Dirección: Alejandro Amenábar.
Reparto: Rachel Weisz (Hipatia), Max Minghella (Davo), Oscar Isaac (Orestes), Ashaf Barhom (Amonio), Michael Lonsdale (Teón), Rupert Evans (Sinesio), Homayoun Ershadi (Aspasio), Omar Mostafa (Isidoro), Oshri Cohen (Medoro), Sammy Samir (Cirilo), Richard Durden (Olimpio), Yousef Sweid (Pedro).
Guión: Alejandro Amenábar y Mateo Gil.
Producción: Fernando Bovaira y Álvaro Augustin.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Xavi Giménez.
Montaje: Nacho Ruiz Capillas.
Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas.
Dirección artística: Guy Dyas.
Vestuario: Gabriella Pescucci.
Distribuidora: Hispano Foxfilm
España 2009

Calificar la filmografía de Alejandro Amenábar es imposible ciñiéndose a un género, a un estilo o a unos determinados parámetros. Las películas que componen su (corta) carrera son suficientemente dispares como para no poder calificarlo dentro de una categoría, lo cual interpreto como un halago para él.

Con Ágora Amenábar plantea varias interpretaciones de una misma historia. Algunos simplemente la podrían ver como una historia de amor, además en 2 diferentes vertientes; para otros será una recreación histórica de la Alejandría (proviene de Alejandro, Magno, no Amenábar); habrá para quién sea un alegato a las guerras religiosas; también se pude considerar un biopic o al menos un seguimiento a la vida de la filósofa.

Si alguien busca una de acción o lo que popularmente se conoce como “una de romanos”, esta no es su película. No brilla por tener un ritmo fluido ni por grandes escenas de acción. Haberlas, haylas, pero no es lo más destacable.

Lo que la película cuenta es la vida de la filósofa Hipatia, encarnada por Rachel Weisz. Mejor dicho, lo que cuenta es una parte de su turbulenta vida, siendo profesora en Alejandría, hasta el momento de su muerte.

Como decía antes, hay varios aspectos que se tocan en la película, todos relacionados con Hipatia. Por un lado vemos sus luchas por hacerse un sitio entre la comunidad filosófica y científica de la época, que se lo pone muy difícil por su condición de mujer. Ella quiere ser independiente, no someterse a un esposo que le haga dejar lo que más desea ni a las condiciones sociales de la época. Por suerte cuenta con el apoyo de su padre y el respecto de sus alumnos.

Precisamente uno de sus alumnos Orestes, está prendado por su maestra, a la que, por otra parte, procesa gran respeto. Ella no desea unirse a él de ninguna de las maneras, y se lo hace ver, de forma muy gráfica además, pero a lo largo de los años él demostrará que la sigue amando de forma incondicional. Davus comparte sentimientos hacia Hipatia con él, pero no rivaliza como pretendiente dada su condición de esclavo. Eso sí, también está dispuesto a todo por ella, pero sus circunstancias lo arrastran hacia otros derroteros. Ambos muestran el amor en dos vertientes diferentes, ambos lo tienen complicado aunque por motivos diferentes y entre ellos y su amada se encuentran multitud de obstáculos imposibles de salvar. Los amores imposibles, ese clásico en el cine, la literatura y nuestra vida diaria.

Históricamente la época en la que sucede la trama es suficientemente antigua como para no estar seguros de muchos de los hechos que se cuentan, pero el trabajo de ambientación y la recreación de escenarios es excelente. Es creíble que las cosas sucedieran así, lo cual es suficiente y que la ciudad de Alejandría fuera tal cual nos la muestra Amenábar.

Aparte de todo esto, una de las cosas que más queda después de ver la película es lo absurdo de las religiones. Vemos lo que en esa época se hacía en nombre de Dios y como hoy en día siguen sucediendo cosas similares.

Los cristianos, salidos de la persecución romana, son los que se llevan la peor imagen en este caso. Sus acciones sangrientas, su líderes déspotas y sedientos de poder, no se diferencian de algunos de los hechos que ocurren hoy en día. Por supuesto, todos conocemos la historia de la propia religión cristiana en los años posteriores a los que aquí se cuentan. La guerra santa, las cruzadas, la inquisición, mucho cae sobre las espaladas de esta religión cuyos mandatarios siguen hoy en día dictando lo que sus adeptos deben hacer. Y no creo que sea peor ni mejor que otra, ni que tenga también cosas buenas, pero es que les cuesta aceptar sus errores. Hace bien poco pidió perdón en España por su actuación durante la guerra civil. Relacionado con el tema de la película, la astronomía, fue Juan Pablo II quien retiró la prohibición que recaía aún sobre Galileo, ¡¡más de 3 siglos y medio después!! Así temas como el aborto y el uso de los preservativos, a saber cuando los aceptarán. Y no aprenden, aunque por algo se van perdiendo adeptos.

Una imagen sobre el tema que me ha parecido curiosa es la de los cristianos quemando las obras de la biblioteca de Alejandría, que recuerda a la famosa quema de libros de los nazis en la Bebelplatz de Berlín. La carambola viene de que el papa actual perteneció a las juventudes nazis…

En cualquier caso, la película merece la pena. No creo que sea una obra de las que deja en la historia del cine su huella, a pesar de ser la más cara del cine europeo, pero resulta entretenida y una nueva vuelta de tuerca a la heterogénea filmografía de Alejandro Amenábar.

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