Archivos de la Categoría 'Cine Usa'

It follows (2014)

It folows

En el género del terror, y en casi todo los géneros fílmicos todo está más que trillado. A pesar de lo anterior, It follows, sin que sorprenda en demasía al espectador curtido en películas terroríficas, al menos éste tendrá la oportunidad de ver un film que mantiene el pulso desde el comienzo, y que gracias a una banda sonora desasosegante, una actriz principal (Maika Monroe) que borda su papel y una historia que bebe de otras muchas películas similares deja un muy buen sabor de boca, cierto regusto a metal, algo acerado y frío.

En su día recuerdo haber visto una película, Fallen, si no recuerdo mal, donde la gente estaba maldita y al tocar a otra persona le transfería su mal. Esto es algo parecido. Un joven se acuesta con una joven y tras el fragor amoroso, su amante le cuenta que ahora el mal anidará en su interior, la perseguirá, hasta que la joven se lo pase a otra persona, por transmisión sexual.

Los seres que acechan a la joven son como fantasmas, con muy mala pinta, que se mueven despacio pero que obligan a la joven a estar siempre al acecho, siempre huyendo, pues si llegasen a alcanzarla la matarían. La joven tiene unas amigas y un amigo, que lejos de verla como una loca, la ayudarán en su plan.

El final (como no podía ser de otro modo) deja abierta la puerta a más secuelas, porque todos sabemos que el MAL nunca acaba.

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Blue Ruin (Jeremy Saulnier 2013)

Blue Ruin

Blue ruin aborda con buena mano algo tan manido y abundante hoy en día como es la venganza.

El protagonista es un hombre de unos treinta y muchos años que vagabundea, viviendo en un coche aparcado, bañándose en el mar, comiendo lo que pilla de los contenedores.

Un día recibe la noticia de que el asesino de sus padres sale de la cárcel y decide tomarse la justicia por su mano y acabar con el exconvicto.

La violencia genera violencia, mediante una espiral donde sabemos cómo empieza pero nunca cómo acaba. Lo cual no nos impide intuir que acabará mal, porque es difícil acotar la violencia desmedida, cuando no sabemos de qué somos capaces, y desconocemos a su vez, cómo reaccionan nuestras víctimas, que acabarán ajustándose a las leyes de acción-reacción.

El tempo de la película es pausado. El protagonista, acostumbrado a vivir en la soledad más absoluta se asombra incluso ante su propia voz y cuando confiesa a su hermana su crimen, ésta, y sus dos hijas pequeñas tendrán que poner pies en polvorosa, dado que los familiares de la víctima, no tienen intención de llamar a la policía, pues quieren resolver el caso a su manera.

El actor que da vida al protagonista Macon Blair parece estar entre asustado y empanado. Lo cual creo que es lo que el director quiere transmitir, porque el personaje podría ser cualquier de nosotros, si un día tenemos la peregrina idea de vengarnos de alguien, sin ser capaces siquiera de disparar con acierto una escopeta de perdigones.

El enfoque singular del director Jeremy Saulnier al abordar la historia, el protagonista apocado, las escenas de suspense y tensión bien elaboradas, el climax onnírico, el ambiente gris, silente,, el humor negro y un guión mínimo pero dilatado hasta la hora media con mucha solvencia, hacen de Blue Ruin una película que sin ser una maravilla la recomiendo pues no engaña a nadie y radiografía muy bien las consecuencias de la violencia expedita a manos de un pobre diablo que no tiene nada nada que perder, más allá de su vida.

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Somos los que somos (Jim Mickle, 2013)

Somos lo que somos

Ayer por la noche vi esta película y no he dormido muy bien. No tengo claro si esto está correlacionado con el atracón de alubias de Anguiano aderezadas con morcilla de Burgos y chorizo de Baños del Río Tobía o si fue por el visionado de esta película la que me estuvo trabajando el subconsciente toda la noche, manteniéndome en suspense hasta la alborada.

Esta película, Somos lo que somos, es la adaptación americana o remake de Somos los que hay, película mexicana del 2010, la cual no he visto.

Al comienzo de la película vemos a una mujer que empieza a sangrar por la boca, cae en un pilón y muere ahogada. Luego vemos que esa mujer tenía un marido hosco y raruno y dos hijas que parecen un spin-off de Los Otros, dos jovenes hurañas y taciturnas, que cuando miran parecen estar hablando con los muertos, y en lo que dura uno de sus pestañeos mi Rumba ya me ha recogido toda la casa. Por ejemplo.

Somos lo que somos

Mientras, en el pueblo, siguen desapareciendo jóvenes adolescentes, cuyos cuerpos nunca aparecen. O bien porque se esconden de maravilla, que no es el caso, o bien porque su asesino las mata y las entierra de tal manera que nunca más aparecen, o bien como el Lobo Feroz, se las come.

Sí amigos si habéis visto Canibal, con un fantástico Antonio de la Torre, y os gustó, Somos lo que somos: una familia canibal, os llevará al orgasmo visual.

Tiene la película un tempo lento, y como esa lluvia persistente que dura toda la película, se va creando un clima inhóspito, acerado, gris, amortajado, sórdido y finalmente vomitivo. Casi nada.

Si quéreis pasar un mal rato, que al mismo tiempo es un muy buen rato, echarle un ojo a Somos lo que somos y ataros bien los machos. Yo, de hecho, desde ayer por la noche que la vi, hasta este mediodía, acabé tan estomagado que he aguantado sin comer carne.

Me ha contado un pajarito o pajarraco, no los distingo bien, que habrá una precuela y una secuela de esta película. A ver si tienen suerte y nos la cuelan.

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Nightcrawler (Dan Gilroy 2014)

Nightcrawler


Corran a los cines ahora mismo a ver Nigthcrawler
(merodeador nocturno), no pierdan el tiempo. La película es obra de Dan Gilroy, hasta el momento guionista de películas como The Fall. Con esta película Gilroy se ha salido del tiesto. Pocas películas, de las muchas que visiono, han conseguido tenerme tan absorto, tan subyugado, mezclando en mi interior algo intermedio entre la repulsa y la atracción, como Nightcrawler

Un resultado tan brillante es consecuencia de un magnífico guión y sobre todo de la magistral interpretación de Jake Gyllenhaal en la piel de Lou, un tipo avispado y antisocial que una noche mientras circula con su coche ve un accidente y al acercarse a hocicar descubrirá que grabar imágenes de gente agonizando, envuelta en llamas, tiroteada, mutilada, es un negocio que da dinero, que lo sangriento vende, porque hay millones de telespectadores que fijan su atención a la gran pantalla como mariposas en pos de la luz, cuando en sus pantallas huele a muerte, a sangre.

Dicho y hecho. Lou compra una cámara, sintoniza su radiofrecuencia con la de la policía, contrata a un chico al que paga cuatro duros y los dos juntos, pasan a ocupar su tiempo nocturno transitando las carreteras de Los Ángeles a la búsqueda de algún fatal desenlace.

La ambición desmedida de Lou se topa con la de Nina, quien dirige una cadena de televisión especializada en noticias lo más truculentas posibles. Cuando Nina descubre a Lou, siente que Dios le ha venido a ver, pues éste le muestra sus imágenes con regocijo, sin que todo aquello que le ofrece a Nina le suponga el menor cargo de conciencia, al revés, ya que en el dolor ajeno, ante un cuerpo muerto o agónico, Lou, como todo buen psicópata experimenta algo parecido al placer.

La historia de Lou va cada vez a más hasta un clímax glorioso. Lou y Nina muestran cada uno de ellos la enfermedad de nuestras sociedades modernas, donde a los crímenes, asesinatos, violaciones, accidentes de todo tipo, a manos de asesinos, violadores, criminales, se suman todos aquellos periodistas, presentadores, cámaras de televisión, o simples merodeadores, que tratan de sacar tajada de todo ello, contando con la complicidad del público, de la gente cómo tú y yo, creándose así un triángulo demoniaco y perfecto.

Nightcrawler es ya un película de culto, que espero y deseo no permanezca oculta.

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Venganza 3 (Olivier Megaton, 2014)

Taken 3

Película: Venganza 3. Título original: Taken 3. AKA: V3nganza. Dirección: Olivier Megaton. País: Francia. Año: 2015. Duración: 109 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Liam Neeson (Bryan Mills), Maggie Grace (Kim), Famke Janssen (Lenore), Forest Whitaker (Franck), Dougray Scott (Stuart). Guion: Luc Besson y Robert Mark Kamen. Producción: Luc Besson. Música: Nathaniel Méchaly. Fotografía: Eric Kres

Los que hayáis visto las dos anteriores películas de esta franquicia, hablamos de Taken, no os equivocaréis con lo que se puede esperar de una película de estas características.

El protagonista es Mills. Su hija Kim está embarazada. Mills vuelve a ver a su ex, Leonore, mientras el marido de ésta, Stuart solicita a Mills que deje de verla, dado que su relación no atraviesa un buen momento, y si del rescoldo amoroso surge de nueva el rebrote de una pasión Stuart estaría perdido. Ejem.

Avanzo. Va spoiler. Leonore, aparece muerta en su domicilio. Cuando allí va Mills se encuentra con el cadáver, aparece la pasma, tratan de deternlo, Mills huye y a partir de ese momento, querrá conocer la identidad del asesino de su ex. Encargado de la investigación está Franck (Whitaker) que no cree que Mills sea culpable, si bien por sí mismo es incapaz de resolver nada.
Luego sabremos que Stuarte estaba en tratos con mafiosos rusos, a uno de los cuales contrata nada menos que para matar a su mujer.

Famke Janssen
Famke Janssen

La película se desarrolla mediante alocadas persecuciones de coches caros, múltiples tiroteos y explosiones, buenas dosis de mamporros, violencia bien dosificada y explícita. La historia que se nos cuenta es mínima, tan previsible como poco original. Neeson sigue haciendo caja con esta franquicia, que para mí se agotó con la primera parte, que esa sí que me gustó. Las demás son más de lo mismo, manejando unos elementos trillados, de los que apenas se puede sacar nada de provecho.

Resulta entretenida y nada más. Dirige Olivier Megaton (Transporter 3, Colombiana, Taken 2, etc).

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Birdman (Alejandro González Iñárritu 2014)

birdman

En Birdman Iñárritu nos presenta a un exitoso actor, Riggan, conocido por dar vida a un héroe propio de las películas de acción, un tal Birdman.

Riggan quiere renunciar al éxito fácil de sus taquilleras producciones y opta por un camino más complicado fijando su empeño en sacar adelante una producción teatral, sobre una obra de Raymond Carver: De qué hablamos cuando hablamos del amor.

Riggan se ve acuciado por una voz interior que se afana en apartarlo de su camino, o paso por el teatro, azuzándolo a hacer lo que bien conoce, lo que sabe que es un éxito, lo que su público le demanda, aquello por lo que se ha hecho famoso, más allá de atender a calidad de las películas. que interpreta.

Es por tanto la película un ir contracorriente, no sólo por parte de Riggan, fantástico Michael Keaton (que no hace nada por no mostrarse tal cual es, un patetismo histriónico el suyo muy humano), sino también por Iñarritu que plantea la película mediante una cámara que no se separa nunca de los personajes, donde siempre hay alguien ocupando un plano, donde la cámara sigue a los personajes por delante, por detrás, cenitalmente, lo cual puede llevarnos a pensar que esta opción llevará al aburrimiento, al cansancio. No es el caso y ese es uno de los muchos méritos de la obra, convirtiendo este falso plano secuencia que es toda la película en una virguería con mucho sentimiento, una pieza de orfebrería audiovisual.

Riggan encarna la contradicción humana, la necesidad de cambiar a través de la superación, de afrontar otros retos, de medirse con otros públicos y hacerlo a lo grande, adaptando, dirigiendo e interpretando la referida obra de Carver.

En su empeño le secunda Sam, una joven actriz que se embaraza de Riggan, otra actriz, Lesley (Naomi Watts, la única que se queda sin nominación a los Oscar) cuyo sueño siempre ha sido estrenar en Broadway, un guaperas, Mike (grande como siempre Edward Norton) y el mismo Riggan en el rol de cornudo que soluciona los problemas a tiros, porque no sabemos de qué hablamos cuando hablamos del amor, y es mucho fácil manifestar los celos, cuando nos levantan a nuestra chica.

La fotografía obra de Emmanuel Lubezki es una auténtica maravilla, con un tratamiento casi pictórico.
Una película de largo aliento, de las que da ganas seguir hablando de ellas a la salida del cine, merced a su complejidad.

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Corazones de acero (David Ayer 2014)

Corazones de acero

Corazones de acero: dura, salvaje y explosiva película dirigida por David Ayer que me ha gustado bastante. Una película de guerra ambientada durante los últimos coletazos de la II Guerra Mundial, cuando los Aliados están ya a punto de llegar a Berlín y ganar la guerra.

Los protagonistas son cinco soldados americanos a bordo de su tanque Fury.

El caos que es toda guerra queda muy bien representado a través de esa metáfora de metal que es un tanque. Desde su interior, los soldados tienen una visión sesgada, parcial, reducida, de cuanto hay su alrededor, donde el enemigo es algo que se mueve entre el humo de las detonaciones.

Algo parecido les sucede a quienes están fuera del tanque, a los soldados que se van desplazando sobre el terreno, tomando colinas, incendiando ciudades, a golpe de plano, sin ser muy conscientes del aporte que su trabajo como soldados tiene para la victoria final.

Uno de los cinco soldados del tanque muere, después de tres años de contienda y Norman, un chaval, mecanógrafo, a su pesar, se convierte en su sustituto. Norman, cándido y bueno, nos permite ver a través de su límpida mirada la brutalidad de la guerra, los cuerpos mutilados, el placer de matar al enemigo, el matar para no morir, la imposibilidad del amor en la guerra, el sexo como mercancía o garantía de supervivencia, etcétera.

Cada uno de ellos se busca la manera de que ese infierno que viven cada día no les afecte demasiado, y no acabar tarados. Al mando de la expedición está Wardaddy (Brad Pitt), que consigue templar los ánimos y mantenerlos unidos, a pesar de que el tanque es un polvorín.

No hay banderas patrióticas, sí mucho barro, sudor, suciedad, campos arrasados, casas incendiadas, muchas explosiones y cascotes y campos anegados de sangre de los muchos muertos. Una película cruda y visceral que no escatima los pormenores de una contienda bélica donde el único objetivo es aniquilar al enemigo. Así que prepararos para ver por ejemplo trozos de cara, lustrando los bajos del tanque.

Aunque el joven sea un héroe, o eso le digan a Norman cuando lo encuentren sano y salvo, eso es lo de menos.
Más que héroes, hubo muchísimos muertos, y sí, hubo quienes estuvieron dispuestos a morir, por defender las vidas de los demás y se fueron al más allá creyendo que hacían lo correcto, que dar su vida en un tanque, en un barco, en un avión o sobre el terreno era la única manera de frenar a Hitler, de parar al ejército alemán, de hacer un mundo más justo y mejor. Y lo consiguieron.

El hecho de hoy escriba esto en castellano y no en alemán es obra suya. Así que gracias a todos los que lucharon y nos regalaron entre otras cosas la libertad que disfrutamos, conquista que desgraciadamente vemos que está en peligro cada día.

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Exodus (Ridley Scott, 2014)

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He visto esta película en el cine y he disfrutado mucho, quizá porque fui a verla sin ninguna expectativa.

A mi lado una señora se comió una docena y media de churros, así que el olor a fritanga fue lo peor de una película que me ha parecido cuando menos divertidísima y que me deja para el recuerdo algunas de las escenas más espectaculares que he tenido la suerte de ver en una pantalla grande, en concreto una, cuando los egipcios van a toda pastilla por una trocha estrecha en el flanco de una montaña, y esta se viene abajo, ante el advenimiento de avalancha brutal en la que se precipitan hombres, caballos y cuádrigas.

Las escenas aéreas a su vez son muy poderosas, tanto como la recreación de las pirámides y sus interiores, donde por una vez, uno no tiene la mala sensación de estar viendo paredes y columnas de corchopan. La escena de la travesía marítima con esa ola en plan tsunami está también muy bien resuelta, al igual que la plasmación en imágenes de las siete plagas, con muy buenos efectos especiales.

La película además entretiene y te deja sin resuello durante las dos horas y media que dura, así que teniendo presente que pagué 5 euros por ver esta película estoy más que satisfecho.

Quien se tomé esto de la religión muy a pecho seguro que echa pestes de la película, tanto como aquel que quiera ver en este producto fílmico una película histórica. Aquí el único rigor, es el rigor mortis, de todos los que mueren, varios miles, en la película.

Para quienes Moisés no les suene de nada les explico muy por encima el argumento. Estamos en el siglo XIV a.C en Egipcio manda Seti, el faraón, tiene un hijo que es un nenazas, de nombre Ramsés, que le sucederá en el trono y un primo de este, Moisés, general de la guardia Real. Un buen día Moisés descubre que es Hebreo, desvela su ascendencia y Ramsés lo manda al exilio. Moisés sube y baja montañas, anda y anda hasta que llega a un poblado y se enamora de una joven con quien tiene un hijo.

Allí se le aparece Dios en forma de niño y entiende entonces que en ese poblado pierde el tiempo porque él está llamado a proezas mayores que ordeñar cabras. Deja a su mujer y a su hijo y regresa a Egipto, donde pasa a convivir con el pueblo hebreo, un pueblo esclavizado por los Egipcios, que los consideran como mano de obra gratuita para la ejecución de sus obras faraónicas y a quienes tratan sin el menor miramiento ni clemencia.

Moisés y sus hombres llevan a cabo acciones de sabotaje y de lucha armada, y su Dios les echa una ayudita mandando a los Egipcios diez plagas. Ramsés que no quería en un principio ceder, ni negociar, al ver a su pequeño hijo muerto, quiere perder de vista a Moisés y a los suyos y les deja ir. Cuando los hebreos están llevando a cabo su éxodo rumbo a su tierra prometida, Ramsés constaste que no puede finalizar las obras sin mano de obra, y decide volver a recuperar a sus esclavos, pero Moisés y los suyos ya han cruzado el Mar Rojo y cuando llegan los hombres de Ramses Dios les manda un tsunami y mueren casi todos ahogados. Moisés pasa a ver su mujer y a su hijo y pide alojamiento para los 400.000 seres humanos que le acompañan, su pueblo. La mujer le mira atónita, pestañea y se encoge de hombros, y luego se lo lleva a la cama a renovar su votos matrimoniales.

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Luego Moisés hará la tabla de la Ley en el Monte Sinaí, cincel en mano, de los Diez Mandamientos y lo dejamos al final de la película en una carreta, rumbo a la Tierra Prometida llevando la tabla en un arca.

Dicen que Moisés murió con 120 años, así que es posible que haya una segunda parte, o no.

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Another me (Isabel Coixet 2014)

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Isabel Coixet pergeña su primera incursión en el género del suspense terrorífico y trata de darle su impronta artesanal. ¿Lo logra?. A ratos.

Cuenta como protagonista con la popular actriz Sophie Turner, que conoceréis de verla en Juego de Tronos dando vida a Sansa Stark. Es una buena elección, porque Sophie es una buena actriz, la cual plasma acertadamente con su físico esa tierra de nadie entre la niñez y la edad adulta, a la sazón llamada adolescencia, embutida en un cuerpo espigado y desgarbado, en continuo tránsito, lo cual queda bien reflejado en los primeros planos que Coixet toma de su rostro.

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La adolescente tiene a su padre cuarentón postrado en una silla de ruedas aquejado de arterioesclerosis múltiple (el esforzado actor Rhys Ifans), y a su madre (Claire Forlani, que de lo operada que está no puede ni reírse ni llorar con credibilidad), convertida a su pesar en viuda sexual en vida, acostándose con el profesor de teatro de su hija (interpretado por el voluptuoso Jonathan Rhys Meyers).

Ante semejante papelón: un padre enfermo y postrero y una madre infiel y adultera, la joven la cual ya está algo paranoica, ve superada su capacidad de resistencia emocional y afectiva, y cree enloquecer al estar convencida y obsesionada con el hecho de que haya otra chica que se hace pasar por ella con idea de volverla loca.
Así verá sombras reflejadas en los túneles por los que transita, una cámara registrará la presencia de su otro yo, etcétera.

Pero no, la joven podría estar loca de atar, pero no lo está, al conocer que su madre estuvo embarazada de dos gemelas. Una de la dos tuvo que morir para que la otra salvara la vida y ahora desde el más allá (sí, amiguetes, el paso siempre vuelve) la muerta quiere cobrarse la vida de alguien vivo, y pasar a formar parte de ella. Y de eso va la película. Lo más misterioso además de ese otro yo es el tratamiento de la adolescencia: la ebullición de las hormonas, la adopción de las primeras decisiones, las primeras relaciones sexuales, la necesidad se ser aceptado por el rebaño o no ser al menos rechazado, el ir dando forma a una personalidad, a un carácter, a una forma de ser, nada fácil para la joven, habida cuenta de su situación familiar y emocional.

Coixet logra en algún momento salirse de lo previsible, pero al final ni ofrece nada nuevo ni la película tiene nada que la haga memorable, ya que las escenas se organizan sin consistencia, sin lograr una historia bien cimentada, devenida en un pasatiempo que se ven sin esfuerzo ni recompensa.

Sin contar con los títulos de créditos la película dura 72 minutos. Suficientes.

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Annabelle (John R. Leonetti 2014)

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La capacidad de sorpresa del espectador ante el visionado de esta película es mínima y viene además condicionada porque no hace falta ser un lince para imaginar lo que le va a pasar a la pareja protagonista, una vez que una muñeca diabólica entre en su hogar, para hacerles pasar un infierno en la tierra.

La mujer, Mia, hace colección de muñecas y hay una que se le resiste, hasta que al final su esforzado marido, John, consigue (!en qué hora!) hacerse con la misma y comprársela a su esposa, que no cabe de gozo ante semejante presente.

La noche del regalo, una pareja de vecinos, sufren una crisis nerviosa y a punto están de acabar con nuestra pareja protagonista. La vecina antes de morir deja algo de sangre en la muñeca. Sí, amigos, de esta manera, el diablo pasa a formar parte de la muñeca, porque la pareja vecinal, para más señas, estaba practicando un rito satánico.

A partir de ese momento Mia las pasará putas, para entendernos. Su marido es médico y por tanto no le ve el pelo, al pasar éste todo el santo día en el hospital. Además Mía está embarazada y con el ataque de los vecinos satánicos, cuchillada incluida, a un tris está de abortar. Tras ese espantoso acontecimiento deciden mudarse de casa. ¿Se solucionarán así todos sus males?. No.

La muñeca, la cual había ido a parar a un contenedor, aparece milagrosamente, en el fondo de una caja, cuando hacen la mudanza. La pesadilla, pues, sigue. Y cuando tengan al niño, Mía sufrirá por ella y por su retoño, en un inmueble que resulta muy bonito, rococó, con un vestíbulo muy elegante, pero que a su vez está dotado de todos esos elementos que acojonarían al más templado: ascensores añosos cuyos botones no atienden a nuestra petición, luces tremolantes que fallan cuando más las necesitamos prendidas, calderas y calefactores que emiten ruidos quejumbrosos y fantasmales, y sótanos tenebrosos y espectrales a los que no bajaría uno ni por todo el oro del mundo.

Pasan a formar parte y enriquecer la historia un cura, que ve todo aquello como algo tan sencillo de explicar cómo que la muñeca es diabólica, y decide llevársela del hogar para exorcizarla y una mujer negra, que tiene una librería y está llamada a cumplir un gran sacrificio catártico, como se verá (si lográis acabarla y no os vais por la pata abajo antes de su conclusión).

annabelle

La cara de la muñeca acojona, sí, cuando Mía baja al sotano y no puede subir, la escena chorrea adrenalina, pero salvo ese par de detalles, el resto es tan manido y convencional que se da la paradoja que al tiempo que ves la película, te aterrorizas y te duermes al mismo tiempo, y mientras siesteas y cabeceas, ves muñecas diabólicas que se parecen mucho a las de la pantalla.

Si vais al cine a verla, no hagáis como en Francia y la liéis parda. Ser buenos y ejemplares, por amor de Dios, que para conductas diabólicas ya está la muñeca de marras.

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