Archivos de la Categoría 'Drama'

Omar (Hany Abu-Assad, 2013)

Omar

Desde una cómoda y confortable existencia cuesta bastante ponerse en la piel de Omar, el protagonista de esta dura, emotiva y muy recomendable película Palestina.

Ahora que vemos en las noticias que los Palestinos han matado recientemente a cinco israelitas, ya nos tememos lo peor. De nuevo habrá más muertes, más ataques, más crímenes, más destrucción de casas palestinas y más ahogo sobre la franja y más pánico y mayores de dosis miedo para los Israelitas, que han comprobado que tienen al enemigo, ávido de sangre, en casa.

El protagonista es Omar, un joven que trabaja en una panadería y está enamorado de Nadia, la hermana de su amigo de la infancia Tarek. Sueña con vivir con ella, donde sea, pero juntos. El problema es que Omar debe contribuir a la causa palestina, luchar contra el invasor Israelí, aunque sea derramando su sangre, en cuyo caso será un mártir más. Omar junto a Tarek y Amjed, una noche en una excursión nocturna matan en un cuartel a un soldado israelí, valiéndose de un fusil con mira telescópica.

Acción-Reacción. Los Palestinos en esta ocasión golpean y los Israelitas responden con contundencia. Omar es detenido y pecando de pardillo, se ve más pronto que tarde ante la tesitura de tener que colaborar con el enemigo, o de pasar lo que le queda de vida en la cárcel.

Es evidente que para Omar tiene sus riesgos porque si vuelves una de dos: o has soportado lo indecible sin cantar, en cuyo caso es raro que te dejen en libertad, o te has ido de la lengua, eres entonces un traidor y trabajas para el enemigo.

Omar afirma (no puede decir otra cosa), que ha soportado ahí dentro sin cantar. Como sus amigos no ven nada raro entre las filas Israelitas tras la liberación de Omar, se creen la versión a medias, pero Nadia comienza a recelar, al dar por bueno lo que dicen esas voces maledicentes que tildan a su amado de traidor o colaborador. Omar, como los buenos políticos, ni afirma ni desmiente la mayor. Y se marca un plan, un punto de fuga, que me deja para el recuerdo un final impactante.

Buenísimas interpretaciones de la pareja protagonista (Adam Braki/Omar y Leem Lubany/Nadia), en la piel de estos sufridores Romeos Palestinos.

El director, Hany Abu-Assad (Paradise Now) aborda el tema con franqueza, con credibilidad, cargando las tintas en ambos bandos, sin cortarse a la hora de describir la violencia explícita y a menudo gratuita que se gastan los soldados israelitas, como se ve en la escena en la que tres de ellos vejan a Omar, por placer de humillar a alguien desarmado.
No hay buenos ni malos o unos no son más buenos que los otros, sino una situación trágica y dramática que no tiene visos de solucionarse, cuando el caldo de cultivo vemos que borbotea con cada acción violenta perpetrada en cada bando.

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Los jóvenes palestinos con ese muro de la vergüenza frente a sí, parecen animales acorralados, para quienes irse al extranjero o volar por los aires cometiendo un atentado, parece convertirse en sus dos únicas opciones vitales.

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The extraordinary tale of the times table (Laura Alvea, José F. Ortuño 2013)

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Este cuento extraordinario dirigido por Laura Alvea y José F. Ortuño se ha llevado un buen número de premios en los festivales por los que ha pasado.

La película es rara, singular y claustrofóbica, ya que intervienen seis personajes (la pareja que se enamora, sus respectivas madres, la prota cuando era niño y el hijo de ambos), y transcurre dentro de una cosa, muy bien iluminada.

El rollito de la película es tipo Amelie (con la que tampoco comparte mucho más allá de las neuras de una solterona), donde la protagonista es una mujer de cuarenta años que escribe cartas a todo Cristo hasta que un día pulsa la tecla adecuada y al otro lado de la innominada relación epistolar emerge un hombre, igual de raruno que ella. Se escriben mucho, deciden verse, lo pasan bien juntos, viven juntos, se acuestan (para lo que deben ver cómo se hace el amor en un libro), y tienen un hijo y él consigue un trabajo y pasará mucho tiempo fuera de casa, y apenas se ven, y su amor languidece o se deshace y ella no puede críar a su hijo sola porque no está capacitada y cuando los Servicios Sociales se llevan al niño, ella descansa y su marido también, porque todo vuelve a la situación previa al embarazo, y esto de no tener ninguna responsabilidad les pone y les excita y les dará ganas de vivir a los dos, y de comer, y de follar, de nuevo, y colorín colorete este “extraordinario cuento” se ha acabado.

Un cuento que me ha gustado entre poco y nada.

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Bullhead (Michael R. Roskam 2011)

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Sorpresa mayúscula, para bien, la que me ha deparado el visionado de Bullhead película belga/holandesa , que supuso el debut en la dirección de Michael R. Roskam (ahora tiene en cartelera La entrega, película que ha cosechado muy buenas críticas y que reseñaré en breve), la cual compitió en los Oscar 2012 (lo ganó Nader y Simin, una separación) en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

Bullhead, o cabeza de toro, es la testa del protagonista, Jacky, quien de niño sufre una experiencia atroz, a manos de otro niño. Una experiencia que tendrá efectos inmediatos para Jacky desde ese momento y que de manera insoslayable marcará su existencia posterior, dejándole toda clase de secuelas, no sólo físicas sino psíquicas.

Lo más grandioso de la película, con aires de thriller, además de la acertada creación de atmósferas tanto en las secuencias que tienen lugar en el interior de los inmuebles donde los mafiosos del tráfico de sustancias para el engorde del ganado, se reúnen, de cara a repartirse los canales de distribución, vulnerando cuantas leyes sean necesarias para conseguir sus fines, y de las escenas al aire libre, con inmensas praderas verdes y amarillas, donde pastan las vacas y donde el horizonte se licúa con el cielo, además de todo esto, digo, es la figura de Jacky la que resulta majestuosa en su complejidad.

Jacky hormonado desde niño ha desarrollado un volumen, una musculatura, que le da un aire bestial a su físico (Matthias Schoenaerts ganó 27 kilos y mucho músculo para darle empaque a su personaje), tanto como su mirada acerada, esquiva. La apuesta del director consiste en humanizar a Jacky, en que lleguemos como espectadores a empatizar con él, siendo testigos , no pasivos, de su desgarro existencial, comulgando a su vez con su dolor y su angustia.

La película avanza en el presente, pero vuelve al pasado para darnos algunas de las claves, para mostrarnos cómo era Jacky de niño, cómo era su familia, en qué andaban metidos todos ellos, rodeados siempre de veterinarios y farmacéuticos avispados, dispuestos a engordar las vacas con la sustancias oportunas.

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La historia bebe de una historia real ocurrida en Bélgica en los 90 cuando murió tiroteado un inspector mientras indagaba acerca del tráfico de sustancias ilegales entre los ganaderos locales.

Jacky se las verá en el momento presente con su amigo de la niñez a quien no ha vuelto a ver desde su trágico suceso, el cual ahora adulto es gay, y que trata a su manera de expiar su culpa infantil, ayudando ahora a Jacky a escapar, al tiempo que trabaja como informante de la policía.

La historia negra criminal es un velo que está omnipresente, pero lo importante y fundamental para mí es la historia triste de Jacky, su particular tragedia griega. Verlo meterse para el cuerpo las mismas sustancias que da al ganado, aplicando jeringuillas por todo su cuerpo, me horripila, tanto como la escena con Bruno, su verdugo infantil. Encontramos a su vez algún guiño cómico que tiene que ver con la pluralidad lingüística de Bélgica. La historia se sitúa en Limburg en Flandes Occidental, donde no faltan los puyazos verbales entre los flamencos y los valones (que hablan francés), además algunos personajes hablan en limburgués, dialecto del flamenco, de uso común en esa zona fronteriza sita entre Bélgica, Holanda y Alemania.

Respira la película un halo de angustia, un vapor turbio, cuajado de sordidez, y no puede uno menos que compadecerse de Jacky, de su tragedia, de su impotencia al no poder cuidar de nadie, como ve hacer a diario a las reses con sus crías, la imposibilidad (no buscada) de llevar, a la postre, una vida anodina y normal como el resto, con una mujer, con unos hijos, una impotencia que a menudo solo tiene un salida, casi siempre luctuosa.

Película potente, vibrante e impactante que merece la pena ver, tanto por los espinosos temas que se abordan, como por la sutileza en los matices, en la composición del personaje, Jacky, que pasará (al menos) a la (mi) historia (personal).

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Stella cadente (Luis Miñarro 2014)

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Stella cadente o candente es la primera película de ficción de Lluis Miñarro.

Luis Miñarro es un productor que se ha caracterizado durante todos estos años por sacar adelante películas raras, singulares, extrañas, que encuentran difícil acomodo entre el gran público, y que de no existir tipos como él, serían abortos de películas cogiendo polvo en algún cajón. Películas como cuales os preguntaréis. Ahí van: Honor de cavallería, El muerto y ser feliz, En la ciudad de Sylvia, entre otras muchas.

Decía antes lo de candente porque la película muestra algunas cuantas escenas subidas de tono, como pueden ser unos planos frontales de un pene, un encuentro homosexual, o la masturbación que el secretario de Amadeo lleva a cabo con un melón, que luego irá a parar a la mesa del Rey.

La película es una visión muy particular de lo que pudo ser el reinado de Amadeo de Saboya, que para los menos doctos en Historia, decir que fue rey de España entre 1871 y 1873.
Amadeo llega a España después de que fuera expulsada del trono Isabel II, avalado por el General Prim, el cual poco después sería asesinado. Se inicia la película con la insistencia de Amadeo de ir a ver el cadáver de su valedor. Amadeo llega con muchos planes de futuro, pero las circunstancias mandan y al poco lo vemos enclaustrado entre los muros del castillo, sin salir apenas al exterior, acompañado de su secretario, abatido, triste, aislado, melancólico, luchando contra gigantes, unos gigantes que vendría a ser la idiosincracia de los españoles, a los cuales es difícil o imposible gobernar, afanados estos en guerras intestinas, entre republicanos y monárquicos, en años convulsos en los que Amadeo como Rey, veía sus funciones regias reducidas a firmar los documentos que le ponían sobre la mesa, sin lograr sacar adelante ninguna de las brillantes ideas que tenía en la cabeza a su llegada.

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A fin de aliviar su soledad vendrá de visita de Italia María Victoria, su mujer, la cual se irá descorazonada, poco después, al comprobar el estado de postración en el que se halla su marido, sin capacidad de respuesta, triste ella, al ver a su hombre convertido en un títere de la Historia.

El actor que da vida a Amadeo (la stella cadente del título, esa estrella fugaz) es Alex Brendemühl, especializado en papeles rarunos, brillante en la piel de Amadeo, pues transmite bien su desubicación, su tristeza e impotencia ante lo que le rodea y condiciona su reinado. En papeles menores Lola Dueñas y Bárbara Lennie, como amante y esposa, respectivamente, de Amadeo.

La película es un cajón de sastre donde se mezcla lo histórico decimonónico, con otras escenas eróticas voluptuosas, con momentos pop musicales, con declamaciones teatrales, con fotogramas pictóricos (algunos fotogramas son óleos audiovisuales).

Todo esto como espectador te puede descolocar al salirse Miñarro de lo convencional, pero al mismo tiempo reverdece y oxigena nuestro cine, por lo que tiene de arriesgado, de singular, de independiente, aventurándose por otros caminos, por otras maneras de trabajar la imagen y el texto.

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10.000 noches en cualquier parte (Ramón Salazar 2013)

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Leía recientemente el ensayo de Gasset, La deshumanización del arte, y su concepto del goce artístico, cuando el arte, va más allá de representar la realidad, para ofrecer otra cosa. Viendo esta película, creo que su director, Ramón Salazar, ha hecho una película muy sensorial, que entra por los ojos, con una fotografía que resulta o bien muy luminosa o muy gris, en función de la estación del año en la que viven los personajes, por el oído, pues ciertas escenas, son como susurros, como nanas, como palabras que se van despeñando por nuestros adentros, creando un cosquilleo, e incluso esta película entra por la piel, y a través del tacto nos gustaría también estar ahí, en París, en Madrid en Berlín, viviendo experiencias intensas, viajando en busca de algo, cogiendo la mano del protagonista, rozando con el labio el pezón de la artista.

La película es un desgarro, una emoción, un sentimiento de un joven atormentado que viaja, no sé si física o mentalmente, que debe lidiar con una madre (una maravillosa Susi Sánchez) posesiva, despótica, incestuosa, que anula al chaval, lo borra, lo hiere, lo ningunea, el cual tiene una hermana, a quien su madre también detesta, pero a quienes, a ambos dos, la madre decide no dejar nunca en paz, zaheriéndolos con sus desvaríos y devaneos, creando una dependencia enfermiza y obsesiva.
Me viene en mente esos “Lazos que unen” que cantaba Springsteen. Sí, a veces, es imposible romper con la familia, máxime con una madre.

La película contiene secuencias inolvidables de una arrolladora fuerza lírica, poética, muy visuales, algunas más propias de un spot televisivo, que logran transportarme dentro de la pantalla durante casi dos horas, alucinando con todo cuanto veo, con la mirada de un Álex Gertrudix (un actor único en nuestro cine) que hipnotiza, con una Lola Dueñas, princesa en su mundo de fantasía cual el Anderea de Pequeño Teatro, con Nawja Nimri guardiana de un secreto que la atormenta y que a brochazo limpio sobre un lienzo trata de expiar.

Escenas al aire libre, de fiesta, de comunión espiritual, en azoteas, en autobuses, caminando sobre puentes, desnudos sobre un colchón bañados por luz purpúrea, purificándose en el contacto con el agua. Hay algo mágico en todo esto. La he visto una vez, y voy a volver a verla, sin duda, porque a veces (las menos) una vez no es suficiente, no para entender una obra como esta, sino para disfrutarla en toda su plenitud.

1.536 espectadores han visto esta película estrenada en mayo del presente año, según datos del Ministerio de Cultura. Si alguno caéis por esta blog, ya me diréis qué os parecido esta película tan especial. La puedes ver aquí.

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Locke (Steven Knight 2013)

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Durante 85 mínutos únicamente veremos a un hombre conduciendo. ¿es una road-movie?. Se llama Ivan Locke, va camino del hospital porque va ser padre de un niño, concebido por una mujer con la que Locke se acostó una sóla noche. ¿Rizar el rizo?. Sí mucho. Pero hay más. El día siguiente va ser muy importante en su trabajo porque van a echar cemento en una obra en la que Locke es el responsable. Al poner pies en polvorosa el día antes de la gran cementada, lo cesarán en su puesto. Sí, amigos, el mercado era esto, la trayectoria, papel mojado.

Durante casi una hora y media, camino del hospital, de noche, Locke no hace otra cosa que hablar por el manos libres, con el hombre que le va a sustituir en la obra de extranjis (su segundo de a bordo), con su jefe que le canta las cuarenta por dejarlos tirados, con su mujer, la cual alucina con lo que su “perfecto esposo” le está contando, con el hijo de ambos que la narra un partido que está viendo en televisión, con la enfermera que urge a Locke a que llegue al hospital pronto, pues la parturienta no tiene a nadie más cerca y se hace imperativa su presencia. En definitiva, Locke, mientras conduce y en lenguaje cervantino, irá desfaciendo agravios y enderezando entuertos.

De llamada en llamada, vamos consumiendo los minutos (poco más de 80), los kilómetros, las rayas discontínuas de la carretera, mientras Locke trata de retener su mundo, que va haciendo aguas: perdiendo su puesto, a su mujer, su familia, etcétera.

Quizás el lloro de ese bebe que oímos al final, sea el heraldo de un nuevo mundo, de otra vida, de otra segunda oportunidad, o quizá no, no lo sabremos. Leo que Locke es un documental sobre el rostro de un actor, el de Tom Hardy. Es una buena definición. Leo también que el hombre que sube en el coche es distinto del que baja, también me vale.

Lo que consigue el director y guionista, Steven Knight, no es nada fácil, si no se cuenta con un inteligente guión y un buen actor. Con ambas cosas cuenta Knight así que el resultado es satisfactorio, y angustiante, algo similar a producciones tan asfixiantes como The Descent, La cabina, o Buried.. Por cierto, Luis Tosar está rodando El desconocido, donde la plantan un bomba en el coche y no se puede bajar del mismo si no quiere volar por los aires.

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Il capitale umano (Paolo Virzí 2013)

Il capitale umano cartel película

Regia: Paolo Virzì Sceneggiatura:Francesco Piccolo, Francesco Bruni, Paolo Virzì
Año: 2014 País: Italia Durata: 109 min Genere: Drama Intérpretes: Fabrizio Bentivoglio, Valeria Bruna Tedeschi, Valeria Golino, Valeria Bruni Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Bebo Storti, Gigio Alberti, Giovanni Anzaldo ,Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli
Ester: Pia Engleberth

Digamos que los ricos también lloran. Partiendo de la base de que los pobres infelices también lo hacen. Este capital humano que da nombre al título de la película y cuyo concepto se explica al final del film, ¿viene a decirnos que no todos somos iguales?. Es evidente que ha habido y habrá siempre clases sociales y que en todas ellas cuecen habas. En la película se mezclan las existencias de personas de distintos estratos.

Por una parte tenemos a una familia, formada por un matrimonio y su hijo adolescente, que viven en un caserón a las afueras de Milán, en una montaña. Su casa es casi un palacio, grande, con piscina climatizada en el sotano, con una habitación para ver películas, y esa clase de cosas que tienen los ricachones. El padre de familia viaja mucho, está metido en mil negocios, y no tiene tiempo ni ganas para atender a su mujer y su hijo. La mujer, a la que el marido trata como una estúpida consentida, se dedica al “dolce far niente” y mantiene algún devaneo sexual con un director que la tachará de diletante ante su caprichosa conducta. El hijo de ambos, es un adolescente, mimado y caprichoso que está enamorada de una joven, cuyos padres son de clase media. El padre de la joven trabaja en una inmobiliaria, y se deja seducir por la vida de oropel que llevan los padres del novio de su hija, y tras mucho dar la tabarra, logrará poner todo lo que tiene y lo que no tiene (gran invento es el préstamo) en un fondo de inversión, que lo dejará pelado, a las primeras de cambio, con un futuro incierto, su mujer embarazada, y él, de padre nuevamente, frisando la cincuentena. La hija de ambos, se cansa del niño pijo y se va al otro lado, hacia un joven con tendencia suicida, del que se enamorada perdidamente, y trata de redimirlo, de darle una oportunidad. Y miren ustedes por donde, lo consiguirá, no sin que haya una buena tragedia por medio.

La película resulta muy luminosa, por sus tonos blanquecinos. Las interpretaciones son decentes, pero el guión me resulta flojo. Creo que abunda en los tópicos, en lo manido y trillado, y ahí se echa en falta algo más original, más creíble y verosimil, sin tener en cuenta esa tendencia al momento definitivo, que se ofrece al ralentí, dándole más enfasis si cabe. Se habrá llevado muchos premios, pero me resulta una película falsa y complaciente, tan burguesa como los personajes que nos presenta.

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El lobo detrás de la puerta (Fernando Coimbra 2013)

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Película: El lobo detrás de la puerta. Título original: O lobo atrás da porta. Dirección y guion: Fernando Coimbra. País: Brasil. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Drama.Interpretación: Leandra Leal (Rosa), Milhem Cortaz (Bernardo), Fabiula Nascimento (Sylvia). Producción: Caio Gullane, Fabiano Gullane, Debnora Ivanov, Gabriel Lacerda, Pablo Torrecillas y Rodrigo Castellar. Fotografía: Lula Carvalho. Montaje: Karen Akerman. Dirección artística: Tiago Marques. Vestuario: Valeria Stefani.

Me alegro de traer para todos vosotros a este rincón virtual una película brasileña muy interesante y recomendable. Se titula El lobo detrás de la puerta y es un thriller dramático muy bien engrasado, de final demoledor.

A Bernardo, el protagonista el echar una canita al aire le sale muy caro. Bernardo está casado y tiene una niña de corta edad, y un buen día se cruza en su camino Rosa, una joven veinteañera con la que se acuesta en un principio y con quien más tarde reincide, sí amigos, la carne es débil y el deseo, insaciable. Al principio, a Bernardo aquello le mola, ya que tiene a su familia y a una joven a la que dobla la edad, con la que tener sexo de sobra y ¿sin compromiso?. El problema viene cuando Rosa, quiere ser algo más que alguien con quien follar y empieza ella también a hacer planes, junto a Bernardo.

“Todo se andará”, es la frase más oída de la boca de los infieles, en estas situaciones. Así, Bernardo no quiere más compromiso que el que depara un polvo rápido y unas horas de placer.

Rosa, al verse despechada y maltratada por Bernardo obrará en consecuencia.

La película se desarrolla con un flashback que abarca casi toda la película. Comienza con la desaparición de la hija de Bernardo y de su mujer Sylvia, y la presencia de ambos dos en la comisaría charlando con el inspector encargado del caso.

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Cuando Rosa acuda a la comisaría a declarar y dar su versión de la historia es cuando nosotros los espectadores, sabremos con pelos y señales toda la historia.

La historia, algo tan manido como una infidelidad y una venganza se plasma de manera muy real, con unas interpretaciones muy buenas, sobre todo de la actriz Leandra Leal (Río de Janeiro ,1982) y quizá sirva para que alguno, antes de cometer un adulterio se lo piense dos, o tres veces.

El lobo detrás de la puerta supone el debut en la dirección de Fernando Coimbra, película con la cual obtuvo el Premio Horizontes Latinos en el último Festival de San Sebastián.

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Las vidas de Grace (Destin Daniel Cretton 2013)

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Película: Las vidas de Grace. Título original: Short Term 12. Dirección y guion: Destin Daniel Cretton. País: USA. Año: 2013. Duración: 96 min. Género: Drama. Interpretación: Brie Larson (Grace), John Gallagher Jr. (Mason), Kaitlyn Dever (Jayden), Rami Malek (Nate), Lakeith Lee Stanfield (Marcus), Kevin Hernandez (Luis), Melora Walters (Dra. Hendler), Stephanie Beatriz (Jessica), Lydia du Veaux (Kendra). Producción: Joshua Astrachan Asher Goldstein, Maren Olson y Ron Najor. Música: Joel P. West. Fotografía: Brett Pawlak. Montaje: Nat Sanders. Diseño de producción: Rachel Myers. Vestuario: Mirren Gordon-Cozier y Joy Cretton. Distribuidoras: Good Films y La Aventura Audiovisual.

Hacía mucho tiempo que no me emocionaba tanto viendo una pelicula como me ha sucedido con Las vidas de Grace. La película es tan dramática, dura, áspera, luminosa, triste, reconfortante, agria, traumática, como lo son nuestras vidas. Ni más ni menos.

La historia transcurre en un centro de acogida, adonde van a parar jóvenes menores de 18 añoos. Al cargo de ellos están Grace, Mason y un novato que se toma un año sabático en la Universidad para hacerse una idea de lo que es la vida real.
Todos los jóvenes que están allí tienen sus traumas, sus días malos y peores, pero ese lugar les da algo parecido a un hogar, así como cierta estabilidad y seguridad. Resumiendo: un refugio.

Grace que no es ni su madre, ni su hermana, ni una terapeuta, empatiza con ellos en gran medida porque ha pasado por lo mismo que ellos (laceraciones, abusos..), y ha sobrevidido e incluso se le brinda la oportunidad junto a Mason de llevar una existencia normal, que es lo que todos esos jóvenes anhelan, sin padres que les maltraten ni abusen de ellas, sin madres alcohólicas o drogradictas que los abandonen y maltraten, o que les pasen por todos los morros un reguero de novios de una noche.

La historia resulta conmovedora que no sentimentaloide. Hay muchos aspesctos que se tratan, todos ellos con honestidad y sinceridad, de una manera tran franca que te provoca un nudo en la garganta, a menud lejos de los clichés y las frases hechas de productos que tratan de hacer algo parecido.

Con muy bajo presupuesto, una historia potente, dos actores brillantes: genial Brie Larson y John Gallagher Jr, Las vidas de Grace, muestra una realidad, que a menudo el cine (casi siempre complaciente) oculta bajo el ruido y el estrépito palomitero de producciones vacuas y millonarias.

Si queréis perder (en este caso ganar) una hora y media de vuesto tiempo viendo una película sincera, intensa, dramática y a la vez luminosa, Las vidas de Grace es la película. Para mí el cine, el buen cine, es esto.

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12 años de esclavitud (Steve McQueen 2013)

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Película: 12 años de esclavitud. Título original: Twelve years a slave. Dirección: Steve McQueen. Países: USA y Reino Unido. Año: 2013. Duración: 135 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup), Michael Fassbender (Edwin Epps), Benedict Cumberbatch (Ford), Paul Dano (Tibeats), Paul Giamatti (Freeman), Lupita Nyong’o (Patsey), Sarah Paulson (Sra. Epps), Brad Pitt (Bass), Alfre Woodard (Sra. Shaw), Garret Dillahunt (Armsby), Scoot McNairy (Brown). Guion: John Ridley; basado en la autobiografía de Solomon Northup. Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Anthony Katagas, Jeremy Kleiner, Bill Pohlad, Arnon Milchan y Steve McQueen. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Sean Bobbit. Montaje: Joe Walker. Diseño de producción: Adam Stockhausen. Vestuario: Patricia Norris.

Steve McQueen se ha hecho un nombre, por méritos propios, en la meca del cine, tan solo con tres películas: Hunger, Shame y 12 años de esclavitud.

Quienes hayáis visto las dos primeras películas ya sabréis la concepción que tiene Steve sobre el cine.

Sucede a veces, y no es justo, que ciertas películas nos resultan apetecibles, no por sus méritos, sino por que la historia es agradable, balsámica, reconfortante, ya sea un drama o una comedia, o donde sencillamente reina el buen rollo y uno concibe el mundo como un regazo agradable, como un pezón caliente donde alimentarse, a resguardo de un mundo que se desmorona.

Steve aborda en su película 12 años de esclavitud, la historia real de Salomon Northup, un negro libre, que es secuestrado para ser enviado al sur, como esclavo, y caer en manos del negrero Edwin Epps. Brillante de nuevo Michael Fassbender (un actor camaleónico que bien podría ser ya el sucesor de De Niro).

Si juzgamos o criticamos la forma en la que la violencia, la mezquindad, la crueldad con la que el hombre blanco masacró al hombre negro, considerándolo inferior, parejo a cualquier animal, como algo de su propiedad, con quien por tanto podía hacer lo que le viniera en gana, liberando así toda la inmundicia e ignominia que podemos imaginar, la pelícual es impactante y brillante, y algo descompensada, ya que la primera hora es intensa, y el resto, casi la hora final, abunda en lo reiterativo, sin apenas avances, con un ritmo monocorde, que produce cierto cansancio, aliviado por un final, precipitado, pero deseado por todos.

Viendo a Edwin (y a su impasible esposa que además actúa de correa de transmisión y azuzadora) manejar el látigo, desatar su furia desmedida, con un proceder, en las antípodas del decoro y del menor atisbo de humanismo, no cuesta visualizar un campo de concentración cien años después, donde los nazis, al igual que los negreros, considerándose raza superior, no tenían problemas en aniquilar, reemplazando las plantaciones de azúcar o de algodón por campos de concentración o trabajos forzados y masacrar a otros seres humanos (judíos, gitanos, deficientes..), en la consideración de que no eran más que bestias inmundas e ignorantes.

Para llevar a cabo esta tarea, esta exposición cruda del mal, Steve no se corta un pelo en su puesta en escena, por lo que la película es dura de ver, hiriente, lacerante, explícita en su violencia y cruel, tanto como lo es el comportamiento de Edwin y sus testigos mudos. Ver como un latigo restalla la carne humana, abriendo surcos en la piel, no es agradable de ver, el sufrimiento ajeno tampoco.

Mención aparte para la brillante labor interpretativa de Chiwetel Ejiofor, que ayudado por Fassbender ofrecen ambos unas actuaciones soberbias (igual que el resto del reparto que brilla todo él a gran nivel), memorables, que dan a la historia mayor calado y enjundia.

12 años de esclavitud es una lección de historia reciente, no apta para todos los estómagos, que perdurará, como lo hace el buen cine, como monumento fílmico a la crueldad y la ignominia, a todo aquello que no debiera suceder nunca más
.

Y además pude ver la película en pantalla grande, por tan solo, 3.50 euros, en los Cines Moderno de Logroño. La sala estaba casi llena, así que espero que esta iniciativa, cale y tenga una duración superior a dos meses.

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