Archivos de la Categoría 'Historia'

Ágora (España, 2009)

ÁgoraDirección: Alejandro Amenábar.
Reparto: Rachel Weisz (Hipatia), Max Minghella (Davo), Oscar Isaac (Orestes), Ashaf Barhom (Amonio), Michael Lonsdale (Teón), Rupert Evans (Sinesio), Homayoun Ershadi (Aspasio), Omar Mostafa (Isidoro), Oshri Cohen (Medoro), Sammy Samir (Cirilo), Richard Durden (Olimpio), Yousef Sweid (Pedro).
Guión: Alejandro Amenábar y Mateo Gil.
Producción: Fernando Bovaira y Álvaro Augustin.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Xavi Giménez.
Montaje: Nacho Ruiz Capillas.
Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas.
Dirección artística: Guy Dyas.
Vestuario: Gabriella Pescucci.
Distribuidora: Hispano Foxfilm
España 2009

Calificar la filmografía de Alejandro Amenábar es imposible ciñiéndose a un género, a un estilo o a unos determinados parámetros. Las películas que componen su (corta) carrera son suficientemente dispares como para no poder calificarlo dentro de una categoría, lo cual interpreto como un halago para él.

Con Ágora Amenábar plantea varias interpretaciones de una misma historia. Algunos simplemente la podrían ver como una historia de amor, además en 2 diferentes vertientes; para otros será una recreación histórica de la Alejandría (proviene de Alejandro, Magno, no Amenábar); habrá para quién sea un alegato a las guerras religiosas; también se pude considerar un biopic o al menos un seguimiento a la vida de la filósofa.

Si alguien busca una de acción o lo que popularmente se conoce como “una de romanos”, esta no es su película. No brilla por tener un ritmo fluido ni por grandes escenas de acción. Haberlas, haylas, pero no es lo más destacable.

Hipatia y OrestesLo que la película cuenta es la vida de la filósofa Hipatia, encarnada por Rachel Weisz. Mejor dicho, lo que cuenta es una parte de su turbulenta vida, siendo profesora en Alejandría, hasta el momento de su muerte.

Como decía antes, hay varios aspectos que se tocan en la película, todos relacionados con Hipatia. Por un lado vemos sus luchas por hacerse un sitio entre la comunidad filosófica y científica de la época, que se lo pone muy difícil por su condición de mujer. Ella quiere ser independiente, no someterse a un esposo que le haga dejar lo que más desea ni a las condiciones sociales de la época. Por suerte cuenta con el apoyo de su padre y el respecto de sus alumnos.

Precisamente uno de sus alumnos Orestes, está prendado por su maestra, a la que, por otra parte, procesa gran respeto. Ella no desea unirse a él de ninguna de las maneras, y se lo hace ver, de forma muy gráfica además, pero a lo largo de los años él demostrará que la sigue amando de forma incondicional. Davus comparte sentimientos hacia Hipatia con él, pero no rivaliza como pretendiente dada su condición de esclavo. Eso sí, también está dispuesto a todo por ella, pero sus circunstancias lo arrastran hacia otros derroteros. Ambos muestran el amor en dos vertientes diferentes, ambos lo tienen complicado aunque por motivos diferentes y entre ellos y su amada se encuentran multitud de obstáculos imposibles de salvar. Los amores imposibles, ese clásico en el cine, la literatura y nuestra vida diaria.

Históricamente la época en la que sucede la trama es suficientemente antigua como para no estar seguros de muchos de los hechos que se cuentan, pero el trabajo de ambientación y la recreación de escenarios es excelente. Es creíble que las cosas sucedieran así, lo cual es suficiente y que la ciudad de Alejandría fuera tal cual nos la muestra Amenábar.

Aparte de todo esto, una de las cosas que más queda después de ver la película es lo absurdo de las religiones. Vemos lo que en esa época se hacía en nombre de Dios y como hoy en día siguen sucediendo cosas similares.

AlejandríaLos cristianos, salidos de la persecución romana, son los que se llevan la peor imagen en este caso. Sus acciones sangrientas, su líderes déspotas y sedientos de poder, no se diferencian de algunos de los hechos que ocurren hoy en día. Por supuesto, todos conocemos la historia de la propia religión cristiana en los años posteriores a los que aquí se cuentan. La guerra santa, las cruzadas, la inquisición, mucho cae sobre las espaladas de esta religión cuyos mandatarios siguen hoy en día dictando lo que sus adeptos deben hacer. Y no creo que sea peor ni mejor que otra, ni que tenga también cosas buenas, pero es que les cuesta aceptar sus errores. Hace bien poco pidió perdón en España por su actuación durante la guerra civil. Relacionado con el tema de la película, la astronomía, fue Juan Pablo II quien retiró la prohibición que recaía aún sobre Galileo, ¡¡más de 3 siglos y medio después!! Así temas como el aborto y el uso de los preservativos, a saber cuando los aceptarán. Y no aprenden, aunque por algo se van perdiendo adeptos.

Una imagen sobre el tema que me ha parecido curiosa es la de los cristianos quemando las obras de la biblioteca de Alejandría, que recuerda a la famosa quema de libros de los nazis en la Bebelplatz de Berlín. La carambola viene de que el papa actual perteneció a las juventudes nazis…

En cualquier caso, la película merece la pena. No creo que sea una obra de las que deja en la historia del cine su huella, a pesar de ser la más cara del cine europeo, pero resulta entretenida y una nueva vuelta de tuerca a la heterogénea filmografía de Alejandro Amenábar.

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Malditos Bastardos (Inglourious Basterds, 2009)

Malditos BastardosDirección y guión: Quentin Tarantino.

Reparto: Brad Pitt (teniente Aldo Raine), Diane Kruger (Bridget Von Hammersmark), Mélanie Laurent (Shosanna Dreyfus), Christoph Waltz (coronel Hans Landa), Michael Fassbender (Archie), Daniel Brühl (Frederick Zoller), Eli Roth (Donny), B.J. Novak (Smithson), Til Schweiger (Hugo Stiglitz), Gedeon Burkhard (Wilhelm Wicki), Julie Dreyfus (Francesca Mondino).

Producción: Lawrence Bender.

Fotografía: Bob Richardson.

Montaje: Sally Menke.

Diseño de producción: David Wasco.

Vestuario: Anna B. Sheppard.

USA, alemania, 2009

Tarantino es un tipo que ya con su primera película, Reservoir Dogs, se ganó a un alto número de incondicionales. Con las siguientes éstos fueron aumentando, al igual que su caché, llegando inusualmente pronto a un estatus en el que ha podido hacer lo que ha querido con sus producciones, fuera del corsé del cine americano de los grandes estudios, el conocido como Star System.

De aquellos barros salieron estos lodos, y así Tarantino, años después de aquello se ha atrevido a realizar una película histórica. ¿Quién dijo histórica? No, que nadie se confunda. A pesar de la ambientación en la segunda guerra mundial y del tema de los nazis, lo único que aparece en la película son algunos personajes históricos, retratados de forma histriónica y sin ningún rigor histórico.

La chica de la peliA pesar de que él mismo se diga en boca de su protagonista Brad Pitt que esta puede que sea su obra maestra, yo creo que ni mucho menos. La mordacidad de diálogos y escenas de lucha anteriores, las acciones desternillantes o inverosímiles que pueblan su corta filmografía no tiene en Malditos Bastardos su punto culminante en tantos aspectos como para resultar su mejor trabajo.

En cualquier caso, Tarantino ha hecho una vez más lo que le ha dado la gana y consumar su particular venganza contra esos nazis, siempre malos, a los que Brad Pitt y sus Malditos Bastardos les dan para el pelo.

Y es que de eso trata la película, de una cuadrilla de soldados americanos descendientes de judíos cuya única misión en territorio francés es matar tantos nazis como puedan y a los que el estreno de una película en un cine parisino les pone en bandeja la ocasión de realizarlo, a lo grande.

El chico maloEse transfondo del mundo del cine da pie a Tarantino a poblar su película de aún más referencias cinéfilas. Muchas de ellas son títulos que aparecen en posters o películas que se nombran en diálogos. Otros pasarán más desapercibidos porque es difícil seguir los gustos de Tarantino. Y otros serán más evidentes, aunque el mayor referente son los spaghetti westerns de los que la película copia la estructura y de las que toma prestadas varias canciones para la banda sonora. Incluso de las películas de gansters toma prestados al final a Brad Pitt imitando al Padrino y uno de sus secuaces al Tony Montana de Scarface, el Precio del Poder.

Al contrario que a mi colega Popeye Doyle, las 2 horas y pico de duración no se me hicieron para nada largas. Aunque en algunos momentos la película decaiga, sobre todo cuando hay diálogos que no tienen la mordacidad acostumbrada en Tarantino. Los momentos hiperviolentos y unos cuantos buenos puntos equilibran la balanza, aunque Tarantino debería esmerarse algo más en sucesivos trabajos. Actualmente una de sus metas es pasárselo bien y a buen seguro que lo está consiguiendo, pero algo más de su originalidad anterior, no nos vendría mal.

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La Conjura de El Escorial (The El Escorial Conspiracy, 2008)

La Conjura del EscorialDirección: Antonio del Real.
Reparto: Jason Isaacs (Antonio Pérez), Julia Ormond (princesa de Éboli), Jürgen Prochnow (Espinosa), Jordi Mollà (Mateo Vázquez), Joaquim de Almeida (Juan Escobedo), Juanjo Puigcorbé (Felipe II), Blanca Jara (Damiana), Fabio Testi (duque de Alba), Rosana Pastor (doña Juana de Coello), Pablo Puyol (Insausti), Concha Cuetos (doña Bernardina), Anthony Peck (Tiépolo).
Guión: Manuel Mir, Antonio del Real, Juan Antonio Porto y Marta Rivera de la Cruz.
Producción ejecutiva: María José Muñoz.
Música: Alejandro Vivas Puig.
Fotografía: Carlos Suárez.
Montaje: Teresa Font.
Dirección artística: Luis Vallés.
Vestuario: Javier Artiñano.
España, Italia 2008

Película basada en hechos históricos y ambientada en el s. XVI en aquella España en la que no se ponía el sol. Se trata de una coproducción española e italiana, aunque con un reparto internacional.

El monarca que en esos tiempos gobernaba, Felipe II, es interpretado por Juanjo Puigcorbé. Los intrincados asuntos en Flandes son los que más atormentan al monarca, pero las luchas por el poder entre las Casas de Alba y la de los Mendoza son las que le acarrean problemas más cercanos. El boato de esas épocas es algo que nunca me ha llamado la atención, por lo que mi opinión sobre la película no creo que sea muy a tener en cuenta.

el rey y su escritorioNo me ha parecido tan aburrida como suelen parecerme las películas de este tipo, con las intrigas de palacio como máximo asunto a tratar en las dos horas que dura. A quien le interese la historia la puede encontrar interesante, por los hechos que relata y por la buena recreación de la época y los personajes.

Eso sí, las 5 nominaciones a los Goya 2009 que se entregan este domingo están justificadas, al menos las 4 por los aspectos técnicos: vestuario y maquillaje, un fijo en este tipo de películas en las que se recrean vestimentas y aspecto de la época, por un lado y fotografía y dirección artística por otro, también muy logrados.

La 5ª nominación viene por parte de Rosana Pastor, que es candidata a la Mejor Actriz de Reparto, categoría en la que Penélope Cruz va a hacer difícil que llegue a algo más. En cualquier caso esta nominación sí que me parece un tanto exagerada porque los minutos que la vemos en pantalla, aunque hace un muy buen papel, son mínimos.

el rey y su escritorioEl rodaje se realizó en castellano e inglés y está doblada en la versión estrenada en los cines españoles, no sé si habrá alguna versión original. Las películas españolas dobladas tienen ese defecto, el de ser españolas y estar dobladas, creo que eso lo dice todo.

En la dirección Antonio del Real, director prolífico y que parece tocar todos los palos. En esta película ha “enchufado” a su hija, Blanca Jara, que todavía no es un rostro muy conocido, pero ya veremos si llega a demostrar su validez.

Creo que es imposible no comparar La Conjura de El Escorial con El Capitán Alatriste, como referencia del cine español de los últimos años. Esta me ha parecido mucho mejor, ya que la de Alatriste fue un gran truño, en pocas palabras. Lo único que veo peor es que las escenas de lucha a espada están tan coregrafiadas que los actores marcan cada movimiento de forma excesiva. Lo mismo pasa con Jordi Mollá en cada una de sus frases, parece que esté leyendo.

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Los Girasoles Ciegos (The Blind Sunflowers, 2008)

Los Girasoles CiegosDirección: José Luis Cuerda.
Reparto: Maribel Verdú (Elena), Javier Cámara (Ricardo), Raúl Arévalo (Salvador), Roger Princep (Lorenzo), Irene Escolar (Elenita), Martín Rivas (Lalo), José Ángel Egido (rector).
Guión: Rafael Azcona y José Luis Cuerda; basado en la novela de Alberto Méndez.
Producción: Fernando Bovaira, José Luis Cuerda y Emiliano Otegui.
Música: Lucio Godoy.
Fotografía: Hans Burmann.
Montaje: Nacho Ruiz Capillas.
Dirección artística: Balter Gallart.
Vestuario: Sonia Grande.
España 2008

Película dedicada a Rafael Azcona, nuestro paisano guionista, quizás el mejor guionista español de la historia, fallecido tras escribir este guión, adaptación de una novela de Alberto Méndez, fallecido también recientemente, tras escribirla.

Otro riojano es el protagonista de esta película, Javier Cámara, a quien le da la réplica Maribel Verdú, creo que 2 de los mejores actores actualmente del cine español, que llevan años en el candelero y se mantienen, además de los años que aún les quedan por ofrecernos. Junto a ellos destaca Raúl Arévalo, un joven actor al que en los últimos años hemos visto en papeles muy diferentes.

Arévalo competirá con Cámara en los Goya dentro de un par de semanas en la categoría de Mejor Actor, aunque la nominación de Cámara viene por la película Fuera de Carta. José Ángel Egido también ha sido nominado como actor secundario y la Verdú como Mejor Actriz.

Cuerda y Mari Mari MaribelY todos ellos actúan bajo la dirección de José Luis Cuerda, a quien ya os he contado alguna vez que tengo un apego especial, por lo que me es difícil no aceptar su palabra cuando dice que es la película de la que más orgulloso se siente.

Ambientada en los años de la posguerra, cuenta la historia de un matrimonio, Ricardo (Cámara) y Elena (Verdú), que viven en la ciudad de Orense. Él encerrado en casa para que los franquistas no lo atrapen y ella esquivando las acometidas del joven diácono Salvador (Arévalo), un joven que antes de ser ordenado sacerdote da clases al hijo pequeño del matrimonio y la acosa pensando que es viuda, tras quedarse prendado de ella.

Personajes perdidos en la vida, cada uno con caminos distintos pero que se cruzan en su deambular errático en unos tiempos difíciles en los que velar por los propios intereses no es suficiente.

No he tenido ocasión de leer la novela en que se basa, pero como suele pasar en estos casos, a pesar de las disculpas del director y coguionista por la dificultad de adaptar un denso texto literario, hay muchas cosas que se quedan por el camino.

Aún con todo la historia es interesante, la película tiene un buen ritmo, pero le falta algo de profundidad y los personajes quedan un tanto planos. Lo que le va sucediendo a cada uno de ellos y como acaban todos al final no es algo que adquiera la suficiente relevancia.

Además los americanos ya montan bastantes guerras propias como para interesarse por las de los demás. Aunque España la eligiera para representar al país en los Oscars 2009, no ha sido seleccionada entre las finalistas. También parte de “culpa” hay que echársela al nivel de las competidoras.

Enlaces | La novela | Elegida para los Oscar

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Mi Nombre es Harvey Milk (Milk, 2008)

MilkDirección: Gus Van Sant.
Reparto: Sean Penn (Harvey Milk), James Franco (Scott Smith), Emile Hirsch (Cleve Jones), Josh Brolin (Dan White), Diego Luna (Jack Lira), Alison Pill (Anne Kronenberg), Victor Garber (alcalde Moscone), Denis O’Hare (John Briggs), Joseph Cross (Dick Pabich), Stephen Spinella (Rick Stokes).
Guión: Dustin Lance Black.
Producción: Dan Jinks y Bruce Cohen.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Harris Savides.
Montaje: Elliot Graham.
Diseño de producción: Bill Groom.
Vestuario: Danny Glicker.
USA 2008

A pesar de que en España han tenido que alargar el título para que nos enteremos de qué trata la película, ésta nos cuenta los últimos años de vida de Harvey Milk, un hombre que pasó a la historia tras ser asesinado al haberse convertido en la primera persona gay en ostentar un cargo público de relevancia. Fue en la ciudad de San Francisco, que todavía sigue teniendo un importante movimiento gay.

Desde su llegada al barrio del Castro hasta el momento en que es asesinado, en la película vemos todo lo referente a su vida política, no demasiado larga por culpa de los recelos que levantaba en la conservadora e intransigente sociedad americana puritana de la época.

James FrancoLos hechos que se relatan nos muestran a la perfección la estrechez de mente que provoca, en este caso el asesinato y la privación de derechos elementales de las personas por ser gays, pero pasa lo mismo por la religión, el color de piel o las ideas que se defienden. Lo grave del tema es que actualmente, 30 años después, sigue habiendo gente perseguida y maltratada por lo mismo, y seguimos viendo como la Iglesia, por ejemplo, sigue sintiéndose amenazada porque el matrimonio entre personas del mismo sexo se permita. Parece que “sus” familias se verán por ello truncadas. Al mismo Milk lo oímos decir que él nació en una familia heterosexual, se educó con profesores heterosexuales y en una sociedad heterosexual, y sin embargo “salió” gay. Que se lo hagan mirar algunos intransigentes.

La historia encierra mucho contenido social y está claramente enfocada hacia el activismo que Milk procesaba y muestras su lucha por los derechos de los gays, mejor dicho, porque los gays fueran tratados como personas “normales”, como sus detractores se llamaban a si mismos.

Es algo que nos queda muy lejano como suceso histórico, un personaje al que muchos hasta ahora no conocerían, pero es interesante este pequeño trozo de vida que se nos muestra. En estos casos en que se retratan personajes famosos a los que no conocía, siempre me suele gustar acercarme a la figura real. La película muestra imágenes documentales de algunos actos de la época en San Francisco y algunas imágenes de televisión. Al final se muestran a los verdaderos protagonistas y qué fue de sus vidas. Para conocer más sobre el verdadero Harvey Milk recomiendo el documentar The Times of Harvey Milk, que ganó el Oscar al Mejor Documental en al año 1985.

Penn MilkRepito lo que siempre digo. Varios premios ha ganado ya Sean Penn por esta interpretación y seguro que se lleva los gordos que están por venir: el Globo de Oro en unas horas y el Oscar en unas semanas, pero sigo pensando que “imitar” a un personaje histórico contemporáneo no tiene tanto mérito como “interpretar” uno al que el propio actor le aporte algo. Creo que ya he hablado demasiadas veces de esto, y cuando se nominan los Oscars cada año lo vuelvo a decir, así que no añadiré más. Pese a todo, decir que Penn parece un actor todoterreno, creo que sería capaz de hacer bien cualquier tipo de papel, como lleva ya años demostrándolo con comprometidas interpretaciones.

En el resto del reparto, tratando de la temática que trata, se hace raro ver a James Franco, con una apariencia y un registro muy diferente al habitual. Diego Luna también tiene un personaje curioso, parece encontrarse cómodo en Hollywood donde va acumulando trabajos y puede que no lo encasillen, pero no deja de trabajar en su país, México y en España. Otro que sorprende ver es a Lucas Graabel, nombre que quizás no les diga nada pero que es uno de los ídolos de quinceañeras en High School Musical, donde ya se le veía bastante pluma. Emile Hirsh, que ya destacó el año pasado con Hacia Rutas Salvajes, aparece también muy caracterizado, como para no reconocerlo. ¡Si parece “el pelanas” el del programa de la ETB de Vaya Semanita!

La cuadrilla con el pelanasDejo para el final a Josh Brolin, en las noticias recientemente por armarla en los Premios de la Crítica de Nueva York, con un discurso de agradecimiento un tanto salido de tono, al ser elegido Mejor Actor Secundario. Brolin parece estar metido en todo últimamente: No es País para Viejos, Planet Terror, Dead Girl, En el Valle de Elah, American Ganster, Inmersión Letal, W. donde interpreta a George Bush. El tío se lo curra, y no se le puede negar presencia ante la cámara. Quien sabe, quizás dentro de poco dé el do de pecho con un papel donde realmente destaque. De momento, buen nivel.

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Valkiria (Valkyrie, 2008)

ValkiriaDirección: Bryan Singer.
Reparto: Tom Cruise (Claus Von Stauffenberg), Kenneth Branagh (Henning Von Tresckow), Bill Nighy (Friedrich Olbricht), Tom Wilkinson (Friedrich Fromm), Carice Van Houten (Nina Von Stauffenberg), Eddie Izzard (Erich Fellgiebel), Christian Berkel (Mertz Von Quirnheim), Thomas Kretschmann (Otto Ernst Remer), Terence Stamp (Ludwig Beck), Jamie Parker (Werner Von Haeften).
Guión: Christopher McQuarrie y Nathan Alexander.
Producción: Bryan Singer, Christopher McQuarrie y Gilbert Adler.
Música: John Ottman.
Fotografía: Newton Thomas Sigel.
Montaje: John Ottman.
Diseño de producción: Lilly Kilvert y Patrick Lumb.
Vestuario: Joanna Johnston.
USA, Alemania 2008

Cuando uno se enfrenta a hechos históricos de tal magnitud como el que se cuenta en esta película, bien contados, es fácil encogerse en la butaca expectante por saber como sucedió todo, a pesar de que tengamos claro cual es final.

En ese sentido Valkiria me ha recordado a Titanic. Allí todo el mundo sabía que el barco tenía que acabar hundiéndose y mucha gente muriendo, pero la historia te conseguía atrapar aún así. Aquí sucede algo parecido con el atentado a Hitler que se realiza. Todos sabemos como murió Hitler, tenemos la certeza de que el atentado no tendrá éxito, pero aún así, hay un momento de la película en que consigue tenernos expectantes ante el qué pasará.

Y es que eso es lo que se nos cuenta, uno (de los varios) atentados que sufrió Hitler, 9 meses antes de morir realmente. Uno de los cabecillas, el protagonista de la historia, es el Coronel Claus Von Stauffenberg, interpretado por Tom Cruise, que junto a otros oficiales planea la forma de matar al Führer para librar al mundo de un ser como ese y a Europa de la cruenta guerra. Vemos otros de los atentados que él mismo planificó e intentó y en qué acaba esta operación, conocida como del 20 de Julio o Valkiria, pues esa era la palabra clave en la operación.

ValkiriaRealmente el Plan Valkiria era un plan diseñado por las SS para mantener el control en manos del Führer en caso de verse comprometida la seguridad, pero era lo que ellos querían aprovechar en contra del propio régimen para derrocarlo, acabar con él y con la guerra que se estaba librando.

La historia ha retratado a Stauffenberg como un héroe, por su intento de matar a Hitler, aunque hay dudas, y en la propia película se expresan, de si su oposición era por las atrocidades que se estaban cometiendo o simplemente por una mala planificación táctica de la guerra.

Hay una versión reciente de esta historia realizada para la televisión alemana y de nombre Stauffenberg (de bastante éxito en este país), en la que Sebastian Koch (el intelectual espiado de La vida de los Otros) hacía el papel protagonista. Curiosamente, Carice Van Houten, que interpreta a la mujer de Stauffenberg aquí, es la pareja en la vida real de Koch.

Y hablando del reparto, hay que decir que Cruise lo secunda un terceto de británicos de lujo: Kenneth Branagh, Tom Wilkinson y el que para mí más destaca de todos, Billy Nighy, por su seriedad en un papel alejado de los que más destacan en su filmografía.

Varios problemas ha tenido esta producción, desde el rodaje en Alemania con esvásticas al viento, símbolo allí prohibido, hasta problemas por la religión de Cruise, la cienciología, que ha provocado sus más y sus menos con los descendientes de Stauffenberg.

Tom CruiseEn cualquier caso hay que decir que Tom Cruise es un buen actor. Su filmografía lo deja patente y a pesar de sus affairs religiosos y sus idas de olla en entrevistas y otros eventos públicos, son los medios los que en algún momento han dudado de su profesionalidad, pero es uno de los grandes en Hollywood.

En la película destaca su caracterización y su entregada interpretación. El protagonista tuvo un grave incidente en la guerra que lo dejó bastante maltrecho, como vemos en la película al principio. A partir de ahí vemos a Cruise con su ojo de cristal o un parche en el ojo, y 3 dedos en la única mano que le queda.

También está muy bien realizada la ambientación en la Alemania nazi en plena II Guerra Mundial, a pesar de los problemas de rodar con símbolos como la esvástica, prohibidos, aunque solo en parte. Recientemente he estado en Berlín y en diversos museos te las encuentras, y bien grandes. También vi a un punki con una camiseta en la que la llevaba por la calle, aunque esa es otra historia.

Ha sido una de las películas más esperadas de la temporada. Con los 100 millones de dólares que ha costado, ya veremos como se comporta en taquilla, ya que acaba de estrenarse en Estados Unidos y en las próximas semanas lo hará en el resto del mundo. En España se podrá ver a finales de este mes. Por eso mismo no ha entrado en el tour de premios y a los Oscar parece haber llegado demasiado tarde.

Por cierto, esta puede ser la ración de nazis que nos quitó la nueva de Indiana Jones.

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Hablando de Robots

Ayer hablando de Ultimátum a la Tierra os comentaba como uno de las múltiples homenajes que se han hecho de esta película el curioso huevo de pascua que trae el navegador Firefox. Poniendo about:robots en la barra de navegación obtenemos esta pantalla:

about robots

Como os comentaba, alguna de esas frases vienen de la película Ultimátum a la Tierra, incluyendo la que se ha perdido del paso del original a la traducción española, que decía “Gort! Klaatu barada nikto!” donde ahora dice “¡Bienvenidos humanos!“.

Pero el texto que aparece no sólo hace referencia a Gort, el robot de esa película, sino a otros, como vamos a ver.

- “Bienvenidos Humanos”
Ese saludo podría atribuirse a la película La Fuga de Logan, ya que aparece como tal, aunque supongo que debe aparecer en otras muchas. El nombre del robot: Box.

- “¡Venimos a visitaros en son de paz y con buena voluntad!”
Este sí es el saludo con el que Klaatu y Gort se dirigen a la humanidad en Ultimátum a la Tierra.

- “Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño”
Con esta frase introducen de lleno el reino de Isaac Asimov, el “inventor” de los robots y autor de todo un mundo sobre ellos que otros autores han continuado tras su muerte. En concreto esta es la primera de las famosas 3 leyes de la robótica que todo cerebro positrónico tiene como base de su funcionamiento. Completas son:

1. Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño.
2. Un robot debe obedecer las órdenes que le son dadas por un ser humano, excepto cuando estas órdenes se opongan a la Primera Ley.
3. Un robot debe proteger su propia existencia hasta donde esa protección no entre en conflicto con la Primera o la Segunda Ley.

- “Los robots han visto cosas que vosotros no creeríais”
Hace referencia a uno de los diálogos de un robot humanoide, pellejudo o como quiera llamársele, posiblemente más famoso de la historia del cine. Es algo que dice Roy Batty (interpretado por Rutger Hauer) en la película Blade Runner, basada en la novela Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas, de Philip K. Dick, muy diferente de la película y muy metida con los robots con apariencia “viva”. El monólogo de las lágrimas en la lluvia completo en el que se basa esa frase es este:

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais.
Atacar naves en llamas más allá de Orión.
He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser.
Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia.
Es hora de morir.

- “Los robots son sus amigos de plástico con quien les gustará estar”
Otra novela de la que se ha hecho película está detrás de esta frase, La Guía del Autoestopista Galáctico de Douglas Adams. Os recomiendo la disparatada novela, la película pierde un poco. El mejor robot de los que aparecen aquí se llama Marvin y siguiendo el estilo de toda la historia es un robot peculiar, con sus depresiones y todo.

- “Los robots tienen brillantes culos metálicos que no deben ser chupados”
Más actual que los anteriores, esta frase se basa en una de las que habitualmente suelta el robot Bender, de la serie Futurama.

- “…Y tienen un plan”
Es el final del mensaje introductorio de una serie con robots también como protagonistas, Battlestar Galactica. Los robots a los que hace referencia son los Cylons y la frase proviene de aquí:

Los Cylons fueron creados por el hombre.
Se rebelaron.
Evolucionaron.
Parecen Humanos. Y sienten como… Humanos.
Algunos están programados para creer que son humanos.
Existen muchas copias.
Y tienen un plan.

– Además de estas frases aparece un botón de reintentar, que si lo pulsas se convierte en “Por favor, no pulse este botón otra vez“. Esta “secuencia” también proviene de La Guía del Autoestopista Galáctico donde el ordenador que dirigía la nave, si no recuerdo mal se llamaba Eddie.

Seguro que echáis de menos algún robot, pues no os quedéis con las ganas, para decirlo están los comentarios. A mi me faltan algunos: R2D2 y C3PO, Maria de Metrópolis, Robby el robot de Planeta Prohibido, Terminator, Robocop, nº 5 de cortocircuito, incluso Wall-e o los de la película Robots,… hasta algún Transformer tendría cabida en mi lista o la Melannie Griffith de Cherry 2000. Eso si no consideramos un robot a HAL9000, que controlaba la nave de 2001 o los tecnológicos mamotretos de Matrix, Agente Smith incluido. ¿S1m0n3 era un robot?

En esta página tenéis una buena recopilación de robots para echarle un vistazo. No están todos los que son, pero son todos los que están.

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Corre, Lola, Corre (Lola Rennt, 1998)

Corre Lola correDirección y Guión: Tom Tykwer
Reparto: Franka Potente (Lola), Moritz Bleibtreu (Manni), Herbert Knaup (Padre), Nina Petri (Jutta), Armin Rohde (Sr. Schuster)
Música: Reinhold Heil, Johnny Klimek, Tom Tykwer
Montaje: Mathilde Bonnefoy
Fotografía: Frank Griebe
Alemania, 1998

Qué mejor película para ver tras volver de vacaciones por la ciudad de Berlín (durante las que el blog ha estado algo desatendido), que esta Corre, Lola, Corre, en la que la protagonista se recorre una y otra vez las calles de Berlín a plena carrera de un lado para otro.

En realidad la película no está hecha para enseñarnos Berlín y por eso el que no conozca la ciudad probablemente no reconozca los monumentos más emblemáticos, como pueden ser los restos del muro o la puerta de Brandemburgo. De hecho, algunas de las tomas son muy cercanas a ambos lugares, pero en ningún momento llegamos a verlos. A los que hayan estado también les sorprenderá que en no llegue a verse otro de los edificios más emblemáticos de la ciudad, el enorme pirulí, siempre presente en el skyline de la ciudad y visible desde cualquier punto, pero efectivamente, tampoco aparece.

Aún así, la acción transcurre por algunos puntos conocidos de la ciudad, como la plaza del mercado de los gendarmes, el punte Oberbaumbrücke, junto a la East Side Gallery donde se puede ver el último tramo de muro en pie, decorado en su momento por varios artistas pero ensuciado con pintadas actualmente. También podemos ver el tren elevado de la ciudad (y el metro), la plaza de la Ópera, en la que los nazis realizaron una multitudinaria quema de libros que ellos consideraban prohibidos.

Corre Lola CorreVolviendo a la película, la trama es la siguiente: Lola es una activa joven que se dedica junto con su novio Manni a algunos oscuros negocios. En uno de estos él consigue una bolsa con 100.000 marcos (unos 50.000 euros actuales, la peli es del 98) que ha de entregar a su despiadado jefe, pero se la olvida en el metro, donde un vagabundo la recoge y desaparece con ella. Manni llama por teléfono a Lola, que siempre le saca de todos los apuros para exponerle la situación: tienen 20 minutos para conseguir los 100.000 marcos y entragárselos a su mafioso jefe.

Como a Lola le acaban de robar la moto tiene que partir a ayudar a su novio a plena carrera, algo inusual en Berlín, donde la gente vive con calma, donde la densidad de tráfico es ínfima y donde la mayoría de la gente viaja en el transporte público o en bicicleta (o ambas cosas). Por eso es gracioso encontrarse a un ciclista que avanzando en paralelo a ella le intenta vender su bici.

A la primera persona a la que intenta acudir Lola es a su padre, que a su vez tiene otros planes entre manos que le mantienen más ocupado que ayudar a su hija. Manni a su vez está esperando a la llegada de Lola con intenciones de atracar un supermercado si esta se retrasa, por eso la misión de ella es doble: conseguir el dinero y evitar el atraco, a todas luces desastroso.

Lola y las monjitasY ahí es donde entra la originalidad en el planteamiento de la película. Si ya de por sí tiene aspecto de videojuego, nos sorprende que con poco más de una hora de duración, antes de los treinta minutos ya hayamos llegado a lo que parece un desenlace de la historia… pero no, la protagonista tiene una nueva oportunidad y todo vuelve a empezar. Ella hace de nuevo lo mismo, pero los pequeños detalles hacen que la historia tenga diferente recorrido y un desenlace muy distinto. Hasta tres veces se nos cuenta la historia.

Como interpretar el hecho de que las cosas vuelvan a su origen, si es sólo una licencia del autor o si encierra algo más, es algo que cada cual tendrá que valorar. A parte de la historia de Lola y Manni también vemos pequeños retazos de lo que serán las vidas de la gente con la que ella se va cruzando. Es curioso ver como pequeños cambios producen que las cosas varíen en mayor o menor medida y aunque la historia siempre siga un curso similar, hay muchas diferencias en los desenlaces.

También hay que fijarse en el detalle de que cada vez que la historia se repite, los personajes parecen recordar de forma inconsciente algunas de las cosas que han vivido en las anteriores. Son como un pequeño “deja vu” que los deja pensando un momento.

Una Franka Potente que se iniciaba en el cine con esta película y con el pelo rojo es la que encarna a Lola. Su aspecto recuerda al de la protagonista de El 5º Elemento, que tenía el mismo peinado. A partir de aquí la actriz inició una exitosa carrera a nivel internacional que todos conocemos y sigue a buen ritmo. A su compañero de reparto, Moritz Bleibtreu, tampoco le ha ido nada mal. Protagonizó otra película alemana de renombre, El Experimento, y ha participado con papeles menores en algunas producciones americanas como Munich, la reciente Speed Racer, la coproducción española El Destino de Nunik o la también coproducción europea El Elegido. Coincidió de nuevo con Franka Potente en Las Partículas Elementales, donde ganó el Oso de Plata en Berlín como mejor actor.

El grito de LolaOtra película a la que Corre Lola Corre recuerda es a la irreverente Trainspotting, más por su aspecto y las carreras urbanas que por el tema tratado. En cuanto al tema, de las pequeñas variaciones que tienen grandes consecuencias, también podríamos asimilarla a El Efecto Mariposa. Pero el verdadero cinéfilo encontrará unas cuantas referencias a la película Vértigo, del maestro Hitchcock, repartidas a lo largo del film.

Dejando de lado la historia, que no deja de ser simplista, lo que más destaca de la película es su ritmo y el estilo narrativo que encierra, en cada una de las tres historias de forma individual y el conjunto que entre ellas encierran. Quizás como historia no hubiera dado para mucho más que un entretenido cortometraje, pero la forma elegida para llevarla más allá me parece la correcta. Los personajes tienen gancho y la hora y pico que dura no se hace para nada larga. Otra cosa sería tener que seguirle el ritmo a Lola

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La Búsqueda 2: El Diario Secreto (National treasure: Book of secrets, 2007)

la búsquedaDirección: Jon Turteltaub.
Reparto: Nicolas Cage (Ben Gates), Jon Voight (Patrick Gates), Harvey Keitel (agente Sadusky), Ed Harris (Mitch Wilkinson), Diane Kruger (Abigail Chase), Justin Bartha (Riley Poole), Bruce Greenwood (presidente de los Estados Unidos), Helen Mirren (Emily Appleton).
Guión: The Wibberleys; basado en un argumento de The Wibberleys, Ted Elliott y Terry Rossio; basado en los personajes creados por Jim Kouf, Oren Aviv y Charles Segars.
Producción: Jerry Bruckheimer y Jon Turteltaub.
Música: Trevor Rabin.
Fotografía: John Schwartzman y Amir Mokri.
Montaje: William Goldenberg y David Rennie.
Diseño de producción: Dominic Watkins.
Vestuario: Judianna Makovsky.
USA 2007

La segunda parte de una película siempre es una trampa. Hay “falsas” segundas partes, como la reciente Kill Bill, diseñada ya así, o El Señor de los Anillos, que es una historia dividida en tres películas (y en tres libros originalmente), que hay que tratar como una única película.

Pero como digo, una segunda parte se balancea en el terreno peligroso de tener que ser fiel a los personajes y mantener ciertos aspectos de su o sus predecesoras, a poder ser los que le dieron el éxito (no se hacen segundas partes de películas que no han sido un éxito). Como eso es difícil de saber, hay veces en que una segunda parte pierde toda la gracia que tenía la primera porque no han sabido mantener lo necesario. También han de limitar las similitudes, porque sino nos parecerá estar viendo otra vez la misma película.

Cage y KrugerAsí, las segundas partes han de ser más de lo mismo, pero sin ser exactamente lo mismo. Como digo, una trampa en la que te puedes pillar. Hagan lo que hagan siempre habrá un grupo de detractores que digan que se repiten, y al mismo tiempo, alegando los mismos motivos, también estarán los incondicionales a los que todo les parecerá estupendo.

Todo esto para hablar de una segunda parte, esta que nos ocupa, la de La Búsqueda. Uno de los aciertos de la original era esa mezcla de historia y acción que aúna, muy al estilo de Indiana Jones (que los fans me perdonen), aunque este es arqueólogo y tira más al monte, mientras que Ben Gates, el protagonista de La Búsqueda se centra más en la historia de los Estados Unidos, es más patriótico y sus aventuras ocurren en lugares clave de suelo norteamericano. No en vano el título original de National Treasure deja las cosas bastante claras al respecto.

A raíz de lo que hablábamos al principio, se mantiene ese aspecto en la segunda parte. En esta ocasión sus aventuras acabarán por llevar al Monte Rushmore, pero antes pasan por robar a la mismísima reina de Inglaterra en el Palacio de Buckingham o darse un paseo por París donde unos amables gendarmes les ayudan mucho más de lo esperado.

los 3 investigadoresTodo el embrollo empieza cuando reaparece una hoja perdida del diario de John Wilkes Booth, el asesino de Abraham Lincoln, en la que parece incriminar a uno de los antepasados de Ben, que se ve en la obligación de limpiar el apellido de su familia.

En el inicio de la peli vemos una recreación de lo ocurrido en aquellos momentos en que se destruyeron las hojas del diario y del propio asesinato de Lincoln, incluyendo el grito de “sic semper tyrannis” (así siempre a los tiranos). Imposible no recordar una de las películas que hicieron historia en el discurrir del cine en sus inicios, El nacimiento de una nación, de David W. Griffith, que en 1915 también nos mostró como ocurrieron esos mismos hechos, entre otros, en un alarde técnico para aquella época.

La acción es trepidante, eso no se le puede negar, recordando quizás más a Tomb Raider que a Indiana Jones, más aún cuando aparece el padre de Lara Croft, que también es el de Ben Gates, me refiero al actor Jon Voight. Lo único recriminable es que el protagonista haga fácil lo imposible casi sin preparárselo, con 4 planos y un compañero que tiene acceso a todos los sistemas con pinchar un cable. Así lo vemos en esta misma película hacer cosas tan improbables como robar en el Palacio de Buckingham, como decía antes, secuestrar al Presidente de los Estados Unidos, colarse y registrar el Despacho Oval de la Casa Blanca y otras cuantas barbaridades que logra hacer sin despeinarse y al rato de que se le ocurran.

Cage y KrugerEn cuanto al reparto, además de Jon Voight, se mantiene lo esencial de la primera parte, Nicolas Cage sigue siendo el intrépido, eficiente, aventurero y chulesco protagonista. Justin Bartha hace muy bien su papel de torpe, pardillo e infravalorado amigo/ayudante. La alemana Diane Kruger, a pesar de que su personaje y el de Cage están divorciados, vuelve a ser la sombra y la gran mujer detrás del gran hombre, funcionando como apoyo indispensable. El insulso personaje del poli que interpreta Harvey Keitel también se mantiene, aunque es uno de los que podían haber excluido, porque no tiene mucha gracia.

Entre los que se apuntan como nuevos en esta entrega destaca Hellen Mirren, como erudita madre del protagonista, un personaje que puede quedarse, porque la tercera parte, por si quedaban dudas, ya está prevista para 2010. El malo en esta ocasión es un serio Ed Harris que hace bien su papel, aunque me queda ese regustillo tan típico de haberlo visto antes. Con lo buen actor que es, me parece que empieza a repetirse mucho. Para los seguidores de la serie Jericho, verán a Alicia Coppola, la entregada inspectora de hacienda allí, que aquí interpreta a una agente del FBI, pero su aparición es mínima.

Crítica | La Búsqueda (Primera Parte)

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Aniversario de la primera proyección cinematográfica en España

De eso he visto que trata el logotipo especial de Google.es hoy:

Google.es

Efectivamente, la primera proyección cinematográfica en España se produjo, tal día como hoy, 15 de Mayo, del año 1896 y fue gracias a Alexandre Promio (también conocido como Eugéne Promio según algunos datos históricos de la época para esa ocasión), un operador de cámara francés que trabajaba para los mismísimos hermanos Lumière y que trajo a España uno de sus aparatos, conocido como Cinematógrafo. Anda que no ha llovido desde entonces…

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