Archivos de la Categoría 'Películas 2003'

Struggle (Ruth Mader 2003)

Struggle poster movieDirector: Ruth Mader
Intérpretes: Aleksandra Justa, Gottfried Breitfuss, Martin Brambach, Margit Wrogel
Título en VO: Struggle
País: Austria
Año: 2003.
Duración: 74 min.
Género: Drama Color o en B/N: Color Guión: Martin Leidenfrost, Barbara Albert Montaje: Niki Mossböck
Fotografía: Bernhard Keller montaje: Niki Mossböck
Escenografía: Ilona Glöckel vestuario: Alexandra Burgstaller, Christine Ludwig
Productor: Ruth Mader, Gabriele Kranzelbinder, Alexander Dumreicher-Ivanceanu
Producción: Amour Fou Filmproduktion, Struggle Films

Struggle plasma con crudeza y sin concesión alguna lo que es la precariedad laboral, o más bien el tener que ganar cada día el jornal como sea. La protagonista es Ewa una mujer polaca de unos treinta años con una hija de diez, que se ofrece a trabajar en lo que sea, ya sea recogiendo fresas en la vecina Austria, o apostándose en el arcén de la carretara donde parará gente que les ofrecerán trabajos de día, como limpiar piscinas, quitar el polvo a figuritas, desmenuzar pavos, etcétera.

Queda muy marcada la diferencia entre los países capitalistas como Austria y los ex-comunistas como Polonia. Apenas unos kilómetros y es retroceder medio siglo. Así que Ewa tira para adelante sin descanso, buscando su sustento al tiempo que vigila de su hija, la cual la acompaña en muchos de sus trabajos.

La película arranca con la pareja en un autobús que va a una ciudad de Austria para recoger fresas a razón de 25 céntimos de euro el kilo, durante seis semanas. Período en el cual dormirán en contenedores prefabricados. Esclarecedor el momento en el que les pasan por el codigo de barras el colgante que llevan. ¿Son personas o productos de un supermercado lo que vemos?.
De eso en España sabemos un rato, pues también hay temporeros que vienen, por ejemplo en La Rioja, a la recogida de la uva, y casos en los telediarios donde a estas personas las tratan peor que si fueran animales. Donde hay alguien explotado está detrás o mejor dicho encima un explotador.

La película busca y encuentra la verosimilitud. Se centra en los detalles, capturando diversos momentos del tiempo, rostros, caras, manos, que permiten asomarnos como espectadores a una realidad que está ahí pero que el cine (convertido en un vehículo de evasión) rehúye. Se logran grandes momentos, como lo estomagante que resulta verla en la fabrica de pollos, en esos procesos tediosos, repetitivos, que vacían la tarea de cualquier creatividad y reducen al ser humano a pieza intercambiable. En otra secuencia mientras Ewa limpia la piscina, el hijo de la dueña de la casa le deja un vaso de agua para salir poco menos que corriendo, dejando muy claro cuales son los límites, los contornos o esferas en la que se mueven, y deben seguir moviéndose cada uno.

Encuentro Struggle igual de cruda, dura y descarnada que la Rosetta de los hermanos Dardenne, donde se daba también cuenta de las grandes fallas existentes en los países desarrollados, donde una joven era capaz de hacer casi de todo por conseguir un trabajo, también con Arcadia, donde la obtención de un trabajo era la excusa del protagonista para cometer actos deleznables. En Struggle, no sucede sin embargo nada anómalo, ni violento. Vivir ya es violento.

La manera tan poco ortodoxa en la que Ewa conoce a un hombre con el que comienza una relación, da fe de que este mundo es raro, complejo, hostil, y frío y gris, pero también que hay lugar para la esperanza, por eso la escena final es un rayo de luz en la oscuridad, con la sonrisa de una niña que no sana pero cura las heridas del día a día.

Contraponer la situación de Ewa a la de su novio, un hombre separado que combate el aburrimiento o nihilismo existencial con practicas sexuales de toda índole, no hace sino hacer más acusado cada postura. ¿Salir de la pobreza para acabar hastiados de nuestras aburridas vidas?.

Ruth Mader dio el salto a la dirección con esta película. La cual por su mensaje, exento de cualquier subrayado, su honestidad y sinceridad, la hace recomendable. No la clasificaría de cine social, porque el término ya ha sido vaciado de contenido. Lo que hay en pantalla no son personajes, sino personas y ahí el cine ya no es solo social sino también humano y conmovedor. Inevitable cuando hay sentimientos en juego.

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Las horas del día (Jaime Rosales 2003)

Las horas del díaDirección: Jaime Rosales.
País: España.
Año: 2003. Duración: 110 min.
Interpretación: Álex Brendemühl (Abel), Vicente Romero (Marcos), Ágata Roca (Tere), María Antonia Martínez (Madre), Pape Monsoriu (Trini), Irene Belza (Carmen), Anna Sahun (María), Isabel Rocati (Taxista), Armando Aguirre (Señor mayor).
Guión: Jaime Rosales y Enric Rufas.
Producción: Jaime Rosales y Ricard Figueras.
Fotografía: Óscar Durán.
Montaje: Nino Martínez Sosa.
Dirección artística: Leo Casamitjana

El crítico de cine Ángel Fernández-Santos escribió sobre Las horas del día, un año antes de su muerte. Recopiladas sus críticas en el libro La mirada encendida, llegó a mis manos, y de sus muchas y estupendas críticas y a resultas de su lectura, me quedé con ganas de ver esta película. No ha sido fácil dar con ella. Finalmente la encontré en la biblioteca de un pueblo del sur de Cantabria y no daba crédito al verla allí sobre la estantería. Así con el botín en el bolsillo me dispuse a verla. No habría mucho más que añadir a lo comentado por Ángel, pero como supongo que son pocos los que habrán leído su libro ahí va.
Jaume Rosales obtuvo el beneplácito de la crítica por su película La soledad, ganadora del Goya a la mejor película en 2007. Posteriormente haría el más difícil todavía con Tiro en la cabeza, una original aproximación a las vísceras del terrorismo, desde la cotidianedad, con personas que alternan sin disonancia el tomarse un txiquito en un bar, con cruzar la frontera y matar con un tiro en la nunca a unos agentes de la ley.

Las horas del día fue el debut en la dirección de Jaume. El premio a la mejor película en la Quincena realizadores del Festival de Cannes en 2003 le dio algo de popularidad, que le permitiría luego su estreno en los cines, haciéndose hueco entre otras producciones más comerciales.

Es imposible no comentar el argumento si queremos valorar la misma, así que quien lea esto se llevará un sorpresa, que de todos modos se explicita mediada la película. El protagonista es un hombre que roza los cuarenta, propietario de una tienda de ropa en horas bajas, que piensa vender y que ocasionalmente mata. No hay nada que explique por qué mata, así que todo son interrogantes que la película no despeja. Era esta la pretensión del director, dado que a los asesinatos en serie cuyos actos quedan prontamente explicados como consecuencia de malos tratos e infancias terribles, hay que sumar otros que matan por placer, por aburrimiento, gente normal y corriente, que sale de su tedio autoimpuesto matando, quizá sintiendo de esta manera que sesgando la vida de los otros, siente la suya más vívida.
La película es rara, en palabras de su propia director, no cabe encasillarla en ningún género y no se lo pone nada fácil al espectador que busque algo dinámico y divertido, porque lo que aquí se cuenta es sobrio, angustiante, aséptico, centrifugando fuera del ánimo de nuestro asesino cualquier sentimiento.

Los encuadres son estáticos, el sonido capta retazos de realidad, los personajes aparecen y desaparecen del encuadre fijo, haciendo todavía más indigesta la experiencia visual, porque Jaume parece tener claro que esta no es una película más de asesinos en serie. Aun rehuyendo de cualquier efectismo, los asesinatos son sobrecogedores; matar es fácil, pero trabajoso y hay que emplearse a fondo, hasta acabar con la vida de esas personas que tienen la desgracia de estar en el momento y en el lugar adecuado. Funcionan bien los actores en especial Brandemuhl, especialista en dotar, en este caso de escasa humanidad, sus personajes. Su hablar lento, su escaso desarrollo intelectual, su empeño en rehuir los conflictos, esconden bajo su piel un psicópata, un enfermo, capaz de soltar bombas de relojería sin pestañear, como le sucede a su amigo el del kiosko el día de su boda.

La soledad me encantó, Tiro en la cabeza me encandiló y Las horas del día me ha dejado estupefacto. Adjetivos que apenas puedo aplicar a tres películas de un mismo director. Las horas del día, es cine de autor en estado puro. Ejercicio de buen cine. Vía abierta para el conocimiento.

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Héroes 3×21 Into Asylum

Sylar, cabronazo, que malo sigues siendo, jodioTras un episodio desaparecidos, vuelven a la acción Claire y su padre biológico Nathan Petrelli, que después de ser descubierto por Darko ha caído en desgracia. Ambos huyen hacia México en este extraño episodio.

Y digo extraño porque cambia un poco el aspecto habitual y me da la impresión de que han metido también más efectos especiales de los que venían siendo habituales, escasos debido a la crisis mundial, que también afecta a los héroes.

Dentro de lo poco habitual, llegamos a Peter rezando en una iglesia junto a su madre, por lo que el capítulo también tiene sus toques reflexivos.

Otra de las reapariciones es la de Sylar, que vuelve a ser más malo que el más malo, y ese últimamente era Darko, así que se asocia con él para dar con los héroes repartidos por el mundo y quedarse con sus poderes. El que consigue esta vez es el de metamorfosearse, cambiar de aspecto, pudiéndose convertir en cualquier persona.

Héroes Volumen 4 | 3×14 | 3×15 | 3×16 | 3×17 | 3×18 | 3×19 | 3×20

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Mystic River (2003)

Mytic River Dirección: Clint Eastwood.
País: USA. Año: 2003. Duración: 137 min.
Interpretación: Sean Penn (Jimmy Markum), Tim Robbins (Dave Boyle), Kevin Bacon (Sean Devine), Laurence Fishburne (Whitey Powers), Marcia Gay Harden (Celeste Boyle), Laura Linney (Annabeth Markum), Kevin Chapman (Val Savage), Thomas Guiry (Brendan Harris), Emmy Rossum (Katie Markum).
Guión: Brian Helgeland; basado en una novela de Dennis Lehane.
Producción: Robert Lorenz, Judie G. Hoyt y Clint Eastwood.
Música: Clint Eastwood. Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox.
Diseño de producción: Henry Bumstead.
Dirección artística: Jack G. Taylor Jr. Vestuario: Deborah Hopper

La sentencia. “ojo por ojo”, toma cuerpo en esta película de Clint Eastwood.

Vemos como en las calles de un barrio tres niños juegan con sus palos de hockey a la par que las pelotas se les van por las alcantarillas. Un día, uno de estos críos, sube a un coche de unos presuntos policías que a la postre son unos pedófilos que abusan de él, hasta que el niño logra huir.

Luego la acción se sitúa en el presente. Los tres, antaño niños, ahora son adultos y padres de familia.
Jimmy (Sean Penn) tiene tres vástagos. Dave (Tim Robbins) tiene un hijo, y Sean (Kevin Bacon) una niña en camino.

La existencia de estos tres adultos vuelve a confluir de manera turbulenta cuando la hija de Jimmy aparece asesinada violentamente, y Dave fue una de las últimas personas que la vio con vida en un bar. Un perspicaz guión nos hace atar cabos y pergeñar conjeturas y suposiciones que van haciendo que los personajes cobren vida propia en nuestra imaginación, atribuyéndoles hechos que el tiempo confirmará o desmentirá.

Las interpretaciones de ellos: Penn, Robbins, Bacon, así como las de sus respectivas mujeres Marcia Gay Harden (Celeste Boyle), Laura Linney (Annabeth Markum), confirman unos de los mejores trabajos actorales vistos desde hace muchísimo tiempo.

Más allá de ser una película con una vertiente policíaca, en donde el padre de la victima, el presunto asesino y el policía que lleva a cabo la investigación son ahora adultos, que cuando niños jugaban juntos en el barrio, nos sugiere que la vida es una lotería, y que el destino de cualquiera de estos niños hubiese sido diferente de haber sido ellos los que hubiesen subido al coche.

Contrasta la dicotomía entre la familia de Dave y la de Jimmy. Dave tuvo que dejar atrás a ese niño que fue acosado. Tuvo que matarlo, para él ya no existe, solo así logró salir adelante. Por otro lado Jimmy, que de niño ya era movidito pasó por la cárcel, se curtió, endureció su corazón y se mueve en esta jungla de asfalto con valores primitivos.

La familia es lo primero, caiga quien caiga. Y su mujer lo arropa y defienda a capa y espada en esta postura. Por contra, Dave es un ser retraído y extraño que infunde la duda razonable en su mujer, que duda de él.

La fé en Cristo (escena de la comunión), la duda (razonable o simple psicosis en una sociedad marcada por la violencia donde todos parecen tener algo que esconder y razones para desconfiar de todo y de todos), la justicia, la venganza (como solución), la ira (como modo de comportamiento), son todos estos conceptos los que maneja con mano firme Clint Eastwood a lo largo de las dos horas que dura la cinta.

La dureza no está reñida con esos momentos de flaqueza, llorar como expiación del dolor, en los que vemos a un Jimmy compungido, asimilando a su manera la violenta muerte de su hija.

Crítica publicada anteriormente en Pagaelpato

Pd. Si quieres leer una crítica de verdad sobre esta película te recomiendo ir a la página 515-518 del libro “La mirada encendida” de Ángel Fernández-Santos.

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Recién Casados (Just Married, 2003)

Recién casadosDirección: Shawn Levy.
Reparto: Ashton Kutcher (Tom Leezak), Brittany Murphy (Sarah McNerney), Christian Kane (Peter Prentis), David Moscow (Kyle), Monet Mazur (Lauren), David Rasche (Señor McNerney), Thad Luckinbill (Willie McNerney), Taran Killam (Dickie McNerney), Raymond J. Barry (Señor Leezak), Thosi Toda (Yuan).
Guión: Sam Harper.
Producción: Robert Simonds.
Música: Christophe Beck.
Fotografía: Jonathan Brown.
Montaje: Scott Hill y Don Zimmerman.
Diseño de producción: Nina Ruscio.
Dirección artística: Troy Sizemore.
Vestuario: Debra McGuire.
USA 2003

Aquí tenemos a dos actores jóvenes, aunque de sobrada experiencia, cuyos caminos estaban condenados a juntarse, ya que ambos se han especializado en comedias románticas. Ellos son Ashton Kutcher y Brittany Murphy.

Del primero creo haber hablado ya de él en sobradas ocasiones, y no hay nada nuevo que decir, sigue sin ofrecernos esa actuación soberbia que esperamos de él algún día, pero que no llega. No sé como he podido hacer para, además de esta, verme últimamente El Amor es lo que Tiene y Algo Pasa en las Vegas, esperando algo que poder destacar, pero nada, no hay manera. Por cierto, hay que decir que esta Recién Casados es anterior a su mejor actuación, la de El Efecto Mariposa, película del 2004.

la pareja feliz?De ella, Brittany, qué se puede decir. Tiene algo, esa indescriptible cualidad que consigue gustar a la cámara, sin ser un bellezón, y esa facilidad de movimientos que la hace tan agradable. Destacó en su momento con Inocencia Interrumpida y a pesar de su prolífica filmografía desde entonces, no ha conseguido rotundos éxitos. Últimamente la hemos podido oír poniendo voz en algunas películas como Happy Feet o una de las nuevas de Futurama. También esperamos que algún momento nos impresione con una actuación de las que se recuerdan.

No encontraremos nada original en el argumento, ni en el guión, ni en las interpretaciones, historia, ni aspectos técnicos o artísticos de la película, así que no seré yo quien os la recomiende.

Es una historia muy típica, que no se pasa de pastelona, tampoco tiene escenas para reírse a carcajadas ni para llorar a moco tendido. Todo se queda en dosis suaves, lo que la convierte en fácilmente olvidable. El que parece que no olvidó su luna de miel fue el guionista, Sam Harper, porque según aseguró, se basa en su propia luna de miel en Italia. ¿Nos lo creemos? Ya sabemos lo que significa la expresión “basada en hechos reales” en esto del cine.

Web Oficial | Español | Inglés | IMDB

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Shara de Naomi kawase crítica película

Shara de Naomí KawaseTítulo original: Sharasojyu
Dirección y guión: Naomi Kawase
Producción: Japón.
Año: 2003. Yoshiya Nagasawa, Nikkatsu Corporation, Yomiuri Television.
Fotografía: Yutaka Yamasaki
Montaje: Shotaru Anraku, Naomi Kawase, Tomoh Sanjo
Música original: UA
Reparto: Kohei Fukunaga, Yuka Hyodo, Naomi Kawase, Kanako Higuchi

Shara es la primera película que veo de la directora Naomi Kawase y está claro que poco o nada tiene que ver su estilo con lo que prima en los cines hoy en día. La película apabulla por su frescura, su puesta en escena tranquila, donde la vida y la muerte fluye inexorablemente, sin ánimos planfetarios ni elementos verborreicos que diluyan la emoción.

Es Shara la historia de una perdida, de una tragedia. Luego esa tragedia ha de ser digerida por la familia, los padres y el hermano gemelo. Ante esa perdida cabe el mutismo, la soledad, la huida, como pretende Shun, al enterarse de que han encontrado finalmente el cuerpo de su hermano gemelo. Su padre lo retiene, a la fuerza, obligándose así a lidiar con la realidad, con los problemas.

El niño que la madre de Shun trae en camino quizá no sea la solución pero al menos permitirá olvidar en cierta manera al difunto. Preciosa es la escena del parte, con toda la familia reunida entorno a la parturienta, en ese momento único de generación de vida.

No abundan los diálogos, prima la contención, se dicen las frases justas y a todos ellos, salvo en la escena del baile, les cuesta manfiestar sus sentimientos, ya sea cuando Shun recibe un beso un Yu, y responde con parsimonia sin emocionamiento.

Son muchas las cosas que se dejan fuera de plano, que uno debe interpretar. Hay momentos que pueden confundir, como esos diálogos traidos de nuevo a escena, en el paseo que Shun acomete, hasta el punto donde hace cinco años perdió la pista de su hermano.

Shara destila belleza soterrada, contención, sufrimiento y también esperanza. Todo ello desde la contención, desde la elípsis.

Recomiendo leer la Crítica de Shara en Tren de sombras

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The Office Versión Británica

The office ukTítulo Original: The Office
Dirección y Guión: Ricky Gervais, Stephen Merchant
Reparto: Ricky Gervais (David Brent), Martin Freeman (Tim Canterbury), Mackenzie Crook (Gareth Keenan), Lucy Davis (Dawn Tinsley)
Reino Unido, 2001-2003

Después de ver el remake americano de la serie The Office y quedarme un poquillo defraudado, me ha dado por hacer algo que nunca debe hacerse, y ha sido ver la versión original de la serie, es decir, la británica.

Sabía que no debía hacerlo, y os recomiendo en estos casos que no veáis 2 versiones de una serie o película, sobre todo si la primera que habéis visto no os ha parecido del todo buena, porque las comparaciones son odiosas, y por mucho que la segunda que veáis sea mejor, siempre queda el regustillo.

En este caso hay que decir que ambas versiones tienen a los mismos personajes y las mismas tramas, al menos en esta primera temporada, por lo que la comparación es inevitable.

Ricky GervaisUna de las cosas que menos me había gustado de la versión americana eran las pantomimas del prota, interpretado por Steve Carrell. En la original las payasadas y el estilo son iguales, aunque cambia el actor, que es Rick Gervais, y al ser desconocido se hace más llevadero. Además es uno de los creadores y director de la serie y por si fuera poco, además productor de la americana.

La pareja formada por uno de los jóvenes comerciales y la secretaria, que no son pareja como tal, pero se pasan todo el día flirteando y tonteando, no está tan lograda. En la versión americana tenían mucha más chispa, hacían buena pareja, en esta no tanto. Ella es Lucy Davis, que ha participado en varias series, pero no es muy conocida, y él un cómico inglés algo más conocido, pero al que le falta un punto para ser realmente gracioso. Se llama Martin Freeman y ha hecho películas como La Guía del Autoestopista Galáctico o Love, Actually.

ve y coge la guitarraA su tontorrón rival en la oficina y mano derecha del jefe lo interpreta otro cómico inglés, MacKenzie Crook, de quien el nombre seguro que no dice mucho, pero que seguro recordaréis como uno de los 2 piratas tontorrones de la película Piratas del Caribe, que siempre iban juntos, el larguirucho que siempre perdía el ojo de cristal.

Esta serie, a pesar del éxito, sólo duró 2 temporadas, del 2001 a 2003, más un especial de Navidad de 2 episodios. Como ya os contaba en su momento, a su “hermana” americana parecen haberla querido estirar más y recientemente ha terminado su cuarta temporada, y la quinta ya la tienen entre manos, para empezar a finales del próximo septiembre. También se han hecho versiones en otros países, pero os prometo, que no las veré.

Versión Americana | 1×01 | 1×02 | 1×03 | 1×04 | 1×05 | 1×06

Web Oficial | BBC

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American Splendor (2003)

American SplendorDirección: Shari Springer Berman y Robert Pulcini.
Reparto: Paul Giamatti (Harvey Pekar), Hope Davis (Joyce Brabner), Madylin Sweeten (Danielle Batone), Harvey Pekar (Harvey real), Joyce Brabner (Joyce real), Daniel Tay (Harvey joven), James Urbaniak (Robert Crumb), Judah Friedlander (Toby Radloff), Robert Pulcini (Bob), Larry Jones Myers (Doctor).
Guión: Shari Springer y Robert Pulcini; basado en los cómics de Harvey Pekar y Joyce Brabner.
Producción: Ted Hope.
Música: Mark Suozzo.
Fotografía: Terry Stacey.
Montaje: Robert Pulcini.
Diseño de producción: Thérèse DePrez.
Vestuario: Michael Wilkinson.
USA 2003

En esta época en que las producciones van todas por el mismo camino y siguiendo las mismas pautas, donde las ideas se estiran en interminables sagas y se “copian” otras películas en forma de remakes, parece ser difícil encontrar una idea original. Por eso mismo el cómic es una de las fuentes de las que se está tirando últimamente de forma casi abusiva.

American Splendor lo hace, pero de un cómic muy especial, y además lo cuenta de una forma también diferente, entre el documental y la ficción (basada en la realidad). Ello le da un cierto toque de originalidad, sí, pero es que el material en que se basa lo requería.

Amercian SplendorHe de confesar que no había oído hablar de Harvey Pekar hasta que se hizo esta película, y ni esto ha sido suficiente para que me interese por los cómics que él escribía y que se basaban, mayormente, en sus experiencias personales y sobre todo en su vida. Sus amigos y familiares acaban siendo personajes de sus historias, sus vivencias o su lucha contra el cáncer se convertían en las tramas de sus novelas gráficas. Pekar vio convertid en realidad su sueño de niño de ir vestido normal y ser un personaje de cómic, sin tener que ponerse un traje de Batman o Superman como el resto de niños.

Sinceramente creo que la historia sin más de estos cómics no hubiera dado para hacer una película interesante, pero la forma de contarlo suma enteros al producto final. El propio Pekar que nos va contando cosas a cámara es en sí un personaje que da mucho juego.

La interpretación que hace de él Paul Gamiatti, como un tipo raro, peculiar, gruñón y pesimista es también un punto fuerte y conociendo al personaje real podemos apreciarlo aún más.

Eso es precisamente algo que suelo echar en falta en este tipo de biopics de gente supuestamente famosa pero a los que no conozco. Alguna vez he puesto el ejemplo del documental de la NASA sobre el Apolo XIII y la película que lo recrea, o me viene a la mente, por ejemplo, el caso de Monster, que recrea la vida de la asesina condenada a muerte Aileen Wuornos, de la que viendo la película me hubiera gustado saber algo más para ver cuanto de real hay en la peli.

American SplendorMás a cuento viene la comparación con otra película en que aparecía también Paul Giamatti, Man on the Moon, que cuenta la vida de Andy Kauffman, un cómico muy famoso en los Estados Unidos. Viendo esa película se ven en muchos momentos actuaciones que supuestamente hizo en directo, entrevistas u otros actos en los que aparecen cámaras en las recreaciones, por lo que es de suponer que habrá imágenes reales de todo aquello. Esas cosas son las que se echa de menos ver, o al menos a mí me pasa. En American Splendor tienes ambas cosas, ves al personaje y a la persona real, incluso recreando entrevistas reales.

También me ha recordado mucho a la excelente película/documental 24 Four Hours Party People, que sigue la misma premisa de mezclar a los personajes reales con los actores que los interpretan, apareciendo a ratos unos, otros, incluso juntos, más en plan broma, y un estilo semi documental.

Web Oficial | Español | Inglés | IMDB

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Suite habana crítica película

Suite habana cartel películaDirección y guión: Fernando Pérez.
Países: Cuba y España.
Año: 2003.
Duración: 84 min.
Producción: José María Morales y Camilo Vives.
Música: Edesio Alejandro y Ernesto Cisneros.
Fotografía: Raúl Pérez Ureta.
Montaje: Julia Yip.

Hace unos días di mi parecer sobre Madrigal, dirigida por Fernando Pérez. Ahora vuelvo con una película suya de 2003.
Podemos considerarlo como una película sin diálogos, que asemeja un documental. El director sigue durante un día a media docena de personas. Su cámara, sus ojos, ven sus actividades ya sean en el trabajo como en el hogar. Vidas normales, aburridas, tediosas. Pérez, afín al régimen, entre los protagonistas no selecciona balseros, ni revolucionarios. Son gente que ven discursos de Fidel en televisión, escuchan canciones de Silvio Ródriguez y llevan sus vidas sin muchas complicaciones filósoficas, si bien esto es una presunción, ya que el no haber diálogos, ni expresarse, hemos de sacar conclusiones por lo que vemos.

Vemos a un chico con una minusvalía psíquica que va al colegio y el amor que le profesa su padre, arquitecto que deja todo, para ocuparse de su chiquillo. Otros jóvenes quieren ser artistas, lograr una ocupación como actor, otro hace chapuzas y el último arregla la vías del tren. Una señora mayor no tienen ningún sueño. Sea como fuere, en las casas de los protagonistas, abundan los desconchones, reina la austeridad, se bañan con el agua de un cazo y no hay el menor alarde.

Cuando llega la noche, y la película se apaga, los rostros de los protagonistas, muestran todo, menos alegría, más bien está presente, la desesperanza, la frustración, la impotencia, el abatimiento. No hay rabia, ni resentimiento, sino una derrota asimilada, como si sus corazones también con desconchones no desentonasen con cuanto les rodea. Eso me parece a mí, si bien el director seguro que ha querido plasmar todo lo contrario; la honestidad, el tesón, la humildad y la resignación de un pueblo que no se deja doblegar, que sigue luchando, que tiene sueños que cumplir y ama su tierra, por lo que no tiene intención de irse a ninguna parte.

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Tempus Fugit (Enric Folch, 2003)

Tempus FugitDirección: Enric Folch
Reparto: Xavi Mira (Ramón), Neus Asensi (Angie), Irene Montalá (Mónica), William Miller (Andros), Xavier Bertrán (Terrades), Ferrán Frauca (Loco)
Guión: Enric Folch, Albert Espinosa
Producción: Tom Roca, Elisa Plaza, Paco Poch
Dirección Artística: Yasmina Valls
Montaje: Ferrán Roig
Música: Alex Martínez
Idioma: Catalán
España 2003

La locución latina Tempus Fugit hace referencia a lo irremediable del paso del tiempo, algo así como lo que se suele decir de que el tiempo vuela y hay que aprovecharlo.

La película en realidad trata de eso, de aprovechar el momento, de disfrutar del presente para que el futuro sea más prometedor, lo que pasa es que, en un momento dado, la realidad se “pervierte” dando segundas oportunidades a los protagonistas.

Y esa segunda oportunidad se da gracias a los viajes en el tiempo. Sí, porque estamos ante otra película que trata sobre los viajes en el tiempo (algo recurrente de siempre en la literatura y el cine a nivel mundial). De la forma en que se hacen esos viajes, con momentos en los que los “dos yos” de la persona están en el mismo momento conviviendo, recuerda un poco a Primer, aunque también a Regreso al Futuro (con sus “paradojas temporales”), salvando las distancias de presupuesto y efectos especiales. También me viene a la mente El Efecto Mariposa, porque aún sin nombrarlo, realmente es lo que buscan/intentan evitar, la solución para poder cambiar el futuro, aunque aquí no estén tan puteados como el pobre Ashton Kutcher en aquella.

Los protasEs una película realizada para televisión, producida por TV3, con los medios justos y con una idea muy buena y bien llevada en su mayor parte, aunque tenga alguna incongruencia. El sentido del humor compensa la partes en que el guión flojea.

La historia es la que sigue: Ramón, el protagonista, tiene un extraño encuentro con un tío raro que le dice que el mundo va a acabarse si él no hace algo. Al principio no lo cree, pero tras las cosas que va viendo se acaba por convencer de que algo está pasando. Entonces se encuentra una caja de pastillas de él, un medicamento llamado Tempus Fugit que según el prospecto se usa para viajar en el tiempo. Lo prueba y así es, de repente se encuentra que ha viajado un día hacia atrás y tiene la oportunidad de creer al extraño y hacer lo que le dice, ya que él es un viajero temporal que viene de una remota época futura en la que algo se ha modificado del pasado que puede provocar el fin del mundo. Él, un hombre sencillo, ha sido el elegido para evitar la hecatombe.

Bueno, la historia trata sobre eso que tiene que hacer para salvar al mundo, lo que el viajero del futuro llama pequeños ajustes temporales, que no provoquen un “desgarro temporal” de fatales consecuencias, con algunas complicaciones por medio producidas por el vecino seguidor acérrimo del Barça y además con la historia de amor que hay por medio.

En lo tocante al seguidor del Barça, como la película es catalana (y rodada en catalán), aprovechan para autoparodiarse con este vecino que tiene el barcelonismo como una auténtica religión (ese saludo a Cruyff, que está en una especie de altar y el discurso que le da a los japoneses son dos buenos ejemplos). Se pasan un pueblo con la final de la copa de Europa entre el Barça y el Madrid, es tan exagerado que pierde gracia. Y cuando lo cuenta parece un relato de terror, no un partido de fútbol. Cuando el personaje aparece en la película por duplicado el desvarío es aún mayor, su personalidad ha cambiado tras vivir esa final de la copa de Europa y ese segundo yo es el que intenta controlar las dos personalidades: “Tú hazme caso a mí, que soy el mayor”.

Final de la Champions Barcelona 0 Real Madrid 10 en el Estadio OlímpicoLa película en general intenta ser original, la fotografía y la ambientación son alegres, como decía antes, tiene buenas intenciones y material de fondo suficiente para llevarlas bien a cabo, con un sentido del humor que no llego a poder definir, excepto algunos de los chistes, que son facilones, como la noticia del petrolero que ha realizado un vertido en las costas: “ningún animal se ha visto afectado, porque la fauna de la zona ya se había extinguido con un vertido anterior”. O la típica escena cuando ella le está animando a hacer abdominales y él lleva una sudada encima y lo vemos esforzándose por hacer una última. “Vamos, que tú puedes… y… tres”.

Se esfuerzan, pero da para lo que da, aunque haya quien la vea como algo grande.

Entre los actores, la mayor parte son catalanes y seguramente conocidos por allí, pero no para el gran público. Entre los más conocidos destacan sobre todo Neus Asensi, sobradamente conocida, aunque hace tiempo que no la veo en algo destacable y William Miller, un tipo todoterreno, especializado en hacer de extranjero (aquí de otro tiempo, no se sabe si de otro país). En un papel más secundario, pero de importancia en la historia, está Irene Montalá, también catalana, como el resto del reparto, y a la que sí hemos podido ver recientemente en varias películas.

Después de ver Tempus Fugit y tras escribir algo sobre ella, me he dedicado a buscar algo de información y me ha llamado la atención lo poco que hay. Puede que sea normal, ya que es una película hecha para televisión y rodada en catalán, con bajo presupuesto, pero también he visto la cantidad de webs que viven de copiar/pegar una sinopsis de la película y los datos artísticos y técnicos y nada más.

Irene Montalá | Nubes de Verano | Tu Vida en 65′ | Una Casa de Locos

William Miller | Oculto | Teresa, el Cuerpo de Cristo | Yo Soy la Juani

Xavi Mira | Atlas de Geografía Humana

Enlace | IMDB

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