Archivos de la Categoría 'Películas 2012'

Le guetteur (Michele Placido 2012)

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Desconozco si esta película francesa del año 2012, Le guetteur, traducida aquí como el Francotirador, se ha llegado a estrenar o no en los cines españoles. Si es así, no nos hemos perdido gran cosa, porque la película es regular tirando a mala o a rematadamente mala, por jugar con términos balísticos.

El título nos saca de dudas enseguida. El protagonista es Kaminski (Matthieu Kassovitz), un francotirador, ya saben, esos hombres (¿hay francotiradoras?) que se asientan en los azoteas y tejados de los inmuebles para disparar tranquilamente, parapetados en su lejanía e invisibilidad.

Kaminski trabaja con un grupo de ladrones, y mientras estos delinquen, él dispara, cubriendo su retirada. La secuencia inicial, rodada en las calles de París, es espectacular, el resto del metraje tedioso, caótico y sonrojante.

Tras la pista de los ladrones está Mattei (Daniel Auteuil) un inspector, cuyo hijo fue un soldado que murió en Afganistán, con apenas 30 años. Sabremos luego que era un tirador de élite, que formaba parte del equipo de Mattei (sí, este es un militar retirado o desertado), que algo sucedió y que el hijo del inspector acabó muerto.

Parece que los tiros van por dilucidar si Mattei dará con Kaminski, si conseguirá echarle el guante, pero no. Por medio se cruza un médico clandestino, un asesino en potencia y en acción que lleva años matando jóvenes mujeres, cuyas acciones salen a la luz cuando un miembro de la banda es herido y acaban en el quirófano clandestino del Doctor Muerte, el cual además de sádico es avaricioso y no puede menos que devanarse los sesos buscando la manera de quedarse con tamaño botín.

A medida que avanza la película el interés proporcionado por la misma se reduce a la mínima expresión, el guión brilla por su ausencia, las secuencias se suceden sin la menor chispa, por más violencia que halla en las mismas, se van mezclando distintos géneros (cine negro, bélico, gore, atracos, asesino en serie), escenas vistas o intuidas en otras películas similares y de ese batiburrillo de esa mezcla tan alocada, no sale nada bueno, salvo la palabra fin, que da conclusión a la película.

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Si el cine francés brilla a veces a gran nivel, ofreciendo películas de acción consistentes, profundas y equilibradas, en otras ocasiones, el resultado como acontece con Le Guetteur, es una película huera, simplona, epidérmica, previsible, pretenciosa e insignificante, donde no hay emoción, ni suspense alguno.

La dirige Michele Placido, responsable de la estupenda Romanzo Criminale, y su hija es Violante Placido, que da vida en el film a Anna, cuyo rostro os sonará de haberla visto en El americano, junto a George Clooney.

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Rec 3 Génesis (Paco Plaza 2012)

Rec 3 génesis cartel pelicula

Película: [Rec]3 Génesis. Dirección: Paco Plaza. País: España. Año: 2012.Duración: 77 min. Género: Terror. Interpretación: Leticia Dolera (Clara),Diego Martín (Koldo), Ismael Martínez (Rafa), Àlex Monner (Adrián), Claire Baschet (Natalia), Jana Soler (Tita hermana Clara), Emilio Mencheta (tío Víctor), Adolf Bataller (Domingo), Dolores Martín (Manoli), Blai Llopis (Quiquín). Guion: Paco Plaza y Luiso Berdejo. Producción: Julio Fernández. Música:Mikel Salas. Fotografía: Pablo Rosso. Montaje: David Gallart. Dirección artística:Gemma Fauría. Vestuario: Olga Rodal

Ahora cuando los guionistas, o el director, el productor, o quien sea, no se decide a hacer una secuela, tiran de precuela, como en este caso. Así nos hallamos ante REC3 la génesis. Pues eso, el origen.

Esta vez la acción discurre en una una boda. Con cámara, nerviosa en mano, en un principio vemos la entrada de los novios en la iglesia, los grupillos de familiares que se forman, lo hortera del vestir de todos ellos (algo extensible a cualquier bodorrio), el tema que el novio, Koldo, canta a su novia, Clara, manifestándole lo mucho que la quiere, para luego trasladarse al sitio donde tiene lugar el banquete nupcial. Allí el tío del novio, a quien ha mordido un perro que parecía muerto, se desploma desde una barandilla para luego darle un bocado cárnico a su mujer. Comienza entonces el caos absoluto, donde la muerte se enseñorea a manos de unos humanos convertidos en otro cosa, algo parecido a unos zoombies que se mueven de forman espasmódica, todos ellos ávidos de carne y sangre ajena. Aquello es el delirio, el infierno en la tierra, muy salvaje. ¿Nada nuevo bajo el sol? , Sí y no. La película tiene su impronta cañí y eso ya es mucho acostumbrado a ver a menudo películas españolas impersonales e indeterminadas.

El acierto de la película, a mi entender, es el humor que destila, con unos momentazos hilarantes, que alivian las secuencias más gore de ese chorreo sanguíneo y de tantos cuerpos mutilados. La novia, Clara (magnífica en su papel la actriz Leticia Dolera), en lugar de achicarse, se crece ante la adversidad, motosierra en mano.

Es mi día, dice una y otra vez, y le falta añadir, “y nadie me lo va a fastidiar”.

A su vez, su amado, va a su encuentro, y lo consiguen, reencontrarse y morir juntos, dejando para el recuerdo una historia de amor muy gore pero al mismo tiempo bonita. La factura técnica de esta producción es impecable.

Detrás de la cámara Paco Plaza, autor del guión junto a Luiso Berdejo.
REC3 me ha ha resultado divertidísima y me he reído un montón, con chascarrillos muy acertados como la presencia de ese hombre apodado Canon (un empleado de la SGAE) o John Esponja, un animador cultural embutido en un traje que asemeja mucho al de la esponja marina. Tema aparte temazos como Gavilán o paloma o Eloise de Tino Casal, que te hacen reír a las primeras de cambio.

Además, para los más apretados de tiempo, comentar que la película sólo dura 80 minutos. Otro tanto a su favor para verla, y disfrutarla.

Sí amigotes, esta precuela, si cuela.

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The seasoning house (Payl Hyett 2012)

The seasoning house
Director: Paul Hyett
Guión: Paul Hyett, Conal Palmer
Elenco: Rosie Day (Angel) Kevin Howarth (Viktor) Sean Pertwee (Goran)
País: Reino Unido
Año: 2012
Duración: 95 minutos
Música: Paul E. Francis
Casting: Manuel Puro
Fotografía: Adam Etherington

Lo que más me sorprende, para mal, de una película como esta, es que la situación que vemos en la película, que es una ficción, pero al mismo tiempo es real, la hayamos asimilado de tal manera, que la podamos ver en una pantalla y no nos indigestamos viéndola, sino que nos quedemos pegados a la pantalla hasta que la misma acaba, entre atontados, hipnotizados y asqueados.

La historia se sitúa en los Balcanes, durante la guerra que tuvo lugar allí en los 90. Unos milicianos campan a sus anchas pegando tiros a diestro y siniestro, con total impunidad, violando mujeres y llevándose presas a otras tantas adolescentes o niñas, con idea de someterlas luego en prostíbulos, bajo un régimen esclavista.

A los golpes, puñetazos, patadas y cuantas otras vejaciones osemos imaginar que reciben de los hombres (más bien bestias), que allí acuden a saciar su apetito sexual con niñas, hay que sumar la sordidez, suciedad podredumbre del ambiente, y las drogas que les inyectan para que de esta manera sean más sumisas, complacientes y finalmente dependientes, entrando en un bucle del que saldrán con los pies por delante, para ser luego alojadas a las afueras del prostíbulo en un montículo, propio de un campo de concentración nazi.

Una de estas adolescentes, sordomuda, de nombre Angel, es el ojito derecho del dueño del lupanar, y esto la libera del trato carnal, realizando otras muchas tareas, como pinchar a las otras niñas y maquillarlas, para que estén presentables. Acomodada en su situación, todo cambia, cuando Angel entabla amistad con una de estas esclavas sexuales, que conoce el lenguaje de signos. Angel echa entonces la vista atrás, dinamita el muro de hormigón donde estaban sepultados sus recuerdos, y decide entonces tomar cartas en el asunto y hacer frente a los agresores: un puñado de
milicianos.

Lo que venía siendo un drama dantesco, una bajada y estancia en los infiernos, torna en algo más gore, donde prima la acción, donde chorrea la sangre y la adrenalina al mismo compás y así hasta el final de la cinta que no desvelo, porque es de traca y que me recuerda mucho a otro peliculón, Eden Lake.

Rosie Day (Angel) se come con patatas al resto del elenco. Una acertada mezcla de drama humano y violencia desmedida. Sorprendente, cuanto menos.

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Keep the lights on (Ira Sachs 2012)

Keep the lights on

Película: Keep the lights on. Dirección: Ira Sachs. País: USA. Año: 2012. Duración: 101 min. Género: Drama. Interpretación: Thure Lindhardt (Erik), Zachary Booth (Paul), Sebastian La Cause (Russ), Marilyn Neimark (ella misma), Julianne Nicholson (Claire), Sarah Hess (Katie). Guion: Ira Sachs y Mauricio Zacharias. Producción: Marie Therese Guirgis, Lucas Joaquin e Ira Sachs. Música: Arthur Russell. Fotografía: Thimios Bakatakis. Montaje: Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Amy Williams. Vestuario: Elisabeth Vastola. Distribuidora: Karma Film

Keep the lights on nos cuenta la relación amorosa de dos hombres, Erik y Paul a lo largo de una década. Nada nuevo se puede descubrir en cuestiones amorosas, ya que todas las relaciones nacen y mueren o se mantienen en el tiempo.

Erik, realizador de documentales, se enamora profundamente de Paul, un abogado de éxito, adicto a las drogas, que rehuye el compromiso desde el principio. Erik querrá avanzar en la relación, lo cual, y a la vista de la situación, le hará replantearse si merece la pena seguir, y en el caso de hacerlo a qué precio.

La historia discurre sin altibajos, plasmando con buen pulso, los comienzos de la relación, cómo esta va avanzando y manteniéndose en el tiempo (con saltos en el tiempo, viendo el transcurso de la relación durante diez años), cuando ya ambos conocen las miserias del otro, y deciden seguir juntos, dado el afecto que se profesan.

Erik será el que esté tirando del carro, Paul dejándose querer, pero al mismo tiempo resultando inasible, correoso, buscando destruirse, quizá porque no encuentra otra manera mejor de cortar por lo sano y refugiarse en su independecia, un castillo donde no ondee la bandera del compromiso.

Keep the lights on

Esa complejidad que caracteriza el alma humana, esa riqueza, la contradicción, esa escala de grises, en la que nos movemos a diario, es el gran valor de esta película, con una labor de los actores meritoria, tanto de Thure Lindhart como de Zachary Booth, tanto como la excelente dirección de Ira Sachs.

Más allá de ver en pantalla un amor entre dos hombres (que bien podría ser también entre dos mujeres, o entre personas de distinto sexo), lo que me ha resultado valioso es la sensibilidad que impregna toda la película, el amor del director hacia unos personajes de carne hueso, con los que resulta sencillo empatizar, dado que el amor sin espinas, no es amor.

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Tú y yo (Bernardo Bertolucci 2012)

Io e te

Película: Tú y yo. Título original: Io e te. Dirección: Bernardo Bertolucci. País: Italia. Año: 2012. Duración: 103 min. Género: Drama. Interpretación: Jacopo Olmo Antinori (Lorenzo), Tea Falco (Olivia), Sonia Bergamasco, Veronica Lazar, Tommaso Ragno, Pippo Delbono. Guion: Niccolò Ammaniti, Umberto Contarello, Francesca Marciano y Bernardo Bertolucci; basado en la novela de Niccoló Ammaniti. Producción: Mario Gianani y Lorenzo Milei. Música: Franco Piersanti. Fotografía: Fabio Cianchetti. Montaje: Jacopo Quadri. Diseño de producción: Jean Rabasse. Vestuario: Metka Kosak.

Io e te, novela escrita por Nicolo Ammaniti fue llevada a la pantalla grande en el 2012 por Bernardo Bertolucci, quien llevaba ya unos cuantos años sin rodar por Italia.

El libro de Ammaniti es muy bueno. Breve pero intenso. Al pasar del papel al fotograma se pierde muchísimo de la materia narrativa que hacía de la obra de Ammaniti algo vibrante, potente y dramático.

El protagonista es Lorenzo, un joven adolescente quien por un lado quiere formar parte del rebaño y al mismo tiempo quiere preservar su individualidad, su espacio, su identidad. Cuando en su instituto llega la Semana Blanca, Lorenzo, se despide de su madre, la cual lo imagina horadando la nieve con sus skies, cuando lo que no sabe es que su hijo estará durante todo ese tiempo escondido en el sotano del inmueble en el que residen.

Al poco de tomar posesión del terreno, de un sotano que tiene las dimensiones de un apartamento de cuarenta metros, con baño y todo, Lorenzo recibe la visita de su hermanastra, Olivia, a la que hace años que no veía.

Io e Te

Como la soledad es muy puñetera y ambos se ven obligados a estar juntos bajo un mismo techo, comienzan las confidencias, los ratos compartidos, la recuperación de la memoria, de los recuerdos, y algo va creándose entre ellos, fortaleciendo esos lazos fraternales, que aunque débiles siempre estuvieron allí, agazapados, esperando su oportunidad. Olivia está enganchanda a las drogas y cuando no se pone, tiene el mono, y le asquea tener al lado a Lorenzo, viéndola en ese estado crítico, patético.

En el libro Ammaniti logra con muy pocas palabras crear un personaje, en la película, a pesar de no ser muy larga, cuesta llegar al personaje, ir más allá de las epidermis, de los granos, del pelo enmarañado, de un cuerpo quebradizo y llegar a ese punto donde se cuecen las emociones y se pergeñan los sentimientos.

Las interpretaciones de Jacopo Olmo Antinori (Lorenzo), Tea Falco (Olivia) son buenas, a pesar de que ambos, son casi nuevos en la profesión. Como una forma de abordar la adolescencia la película resulta interesante. Algo similar a lo que ocurría en 15 años y un día, que sin ser producciones redondas, merecen un visionado.

Trailer de Io e Te

El temazo de David Bowie, Ragazzo solo, ragazza sola.(1970)

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Turistas (Ben Wheatley 2012)

Turistas poster movie -Sightseers-

Película: Turistas (Sightseers). Dirección: Ben Wheatley. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 89 min. Género: Comedia negra. Interpretación: Alice Lowe (Tina), Steve Oram (Chris), Eileen Davies (Carol), Roger Michael, Richard Glover (Martin), Monica Dolan (Janice), Seamus O’Neill, Jonathan Aris (Ian). Guion: Steve Oram y Alice Lowe, con la colaboración de Amy Jump. Producción: Nira Park, Andy Starke y Claire Jones. Música: Jim Williams. Fotografía: Laurie Rose. Montaje: Robin Hill, Amy Jump y Ben Wheatley. Dirección artística: Jane Levick. Vestuario: Rosa Dias. Distribuidora: Festival Film

Tina y Chris llevan unos meses saliendo y se disponen a pasar una semana fuera de sus respectivas casas, ya que Tina vive con su madre la cual no se ha recuperado de la muerte de su perro Poppy.
A pesar de que van camino de los cuarenta, la pareja vive su idilio como si fueran dos adolescentes, y la perspectiva de estar los dos a solas, durante una semana, rulando por tierras británicas con una caravana, por Yorkshire en concreto, les excita.

Todo se tuerce en parte, cuando al echar marcha atrás con la caravana atropellan a un peatón, al que matan en el acto. Quizá se trate de un accidente pero a Chris no le supone ningún problema, pues al atropellado ya se la tenía jurada de antes.

Poco a poco iremos viendo como esta pareja son tal para cual, ambos están locos de atar, y además son violentos, psicopáticos, que disfrutan matando.

Así irán sembrando de cadávares el camino que pisan.

No falta el humor negro, y mucha violencia explícita y sexo salvaje. Los protagonistas hacen unas interpretaciones muy buenas, tanto que sí, que parecen que ambos están realmente zumbados.

El final es de traca.

Una película singular, una apuesta inteligente e interesante, bizarra, salvaje y gamberra, no apta para todos los públicos, que me ha gustado, en su sencillez.

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El chico del periódico (Lee Daniels 2012)

Paperboy poster movie

Película: El chico del periódico. Título original: The paperboy.
Dirección: Lee Daniels. País: USA. Año: 2012. Duración: 107 min.
Género: Thriller. Interpretación: Matthew McConaughey (Ward Jansen),
Zac Efron (Jack Jansen), John Cusack (Hillary van Wetter), Nicole Kidman
(Charlotte Bless), Scott Glenn (W.W. Jansen), David Oyelowo (Yardley), Macy Gray
(Anita). Guion: Lee Daniels y Pete Dexter; basado
en la novela homónima de Peter Dexter. Producción: Ed Cathell III, Lee
Daniels, Cassian Elwes y Hilary Shor. Música: Mario Grigorov.
Fotografía: Roberto Schaefer. Montaje: Joe Klotz.
Diseño de producción: Daniel T. Dorrance.
Vestuario: Caroline Eselin.

Todo en El chico del periódico respira un aire enfermizo y esa es la gran baza de la película ambientada en las proximidades de una ciénaga, en Florida, en el sudeste americano, en uno de esos sitios desagradables para vivir, donde hace un calor asfixiante y húmedo, donde los caimanes campan a sus anchas y donde un cuerpo sería devorado en menos que canta un gallo.

Y ahí tenemos una miríada de personas, desquiciadas, traumadas. La convivencia entre negros y blancos sigue siendo problemática. Estamos a mediados de los años 60. Ward, vuelve a su pueblo para demostrar la inocencia de Hillary, un preso que fue a la trena acusado de asesinar al sheriff local. Allí vive el padre de Ward con su nueva esposa y su hermano pequeño, Jack, que escribe para el periódico local. Ward trabaja para un periódico de Miami y le gusta ir hasta el final, pero su afán por hocicar y husmear le supondrá más de un problema.

Charlotte es una cuarentona, una barbie que se cartea con la mitad de los presos de EEUU y se queda prendada de la pluma de Hillary. Ambos quieren que esa relación epistolar devenga en otra cosa, pero para ello es preciso demostrar la inocencia de Hillary, sacarlo de la cárcel para que pueda demostrarle a Charlotte lo que siente por ella. Jack es un joven apuesto que queda prendado de la voluptuosidad y fogosidad de Charlotte a quien ve como una Diosa del amor y del sexo, dado que para ella tirarse a un hombre es algo normal.

Al lado de Ward tenemos a un negro Yardley con quien Jack no hace buenas migas, porque al primero le sale su vena racista cuando se mosquea.

Desvelar si Hillary mató al sheriff o no viene a ser lo de menos. Lo de más, es el ambiente, la complejidad de los personajes, lo turbios que estos son, de ahí que uno no pueda menos que sorprenderse con lo visto ante esa degradación corporal y espiritual, plasmada en secuencias brutales, como la eyaculación soterrada de Hillary en la cárcel mientras Charlotte le hace una mamada telepática, o los polvos que vendrán después, brutales, con una Charlotte (Kidman) fogosa y temerosa, que busca y rechaza lo que recibe, o un Ward que tiene un historia inconfesa, que luego sabremos, donde reinará de nuevo la violencia desmedida.

Que El chico del periódico ofrece algo diferente es evidente, que esa mezcla de amor, sexo, lujuria, violencia, degradación, logra funcionar también. No es apta para todos los estómagos, pero aún estando a un tris de resultar una parodia de sí misma, me ha gustado. Además, las interpretaciones que nos ofrecen Kidman, Cusack, McConaughey o el esforzado Efron, están muy por encima de la media y distan mucho de lo que vienen haciendo hasta la fecha.

La película fue un fiasco en las taquillas americanas. Pero, eso no nos importa.

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El lado bueno de las cosas (David O. Russell 2012)

El lado bueno de las cosas poster moviePelícula: El lado bueno de las cosas. Título original: Silver linings playbook.
Dirección: David O. Russell. País: USA.
Año: 2012. Duración: 122 min.
Género: Comedia dramática, romance.
Interpretación: Bradley Cooper (Pat), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Sr. Pat), Jacki Weaver (Dolores), Chris Tucker (Danny), Julia Stiles (Veronica), Shea Whigham (Jake), John Ortiz (Ronnie).
Guion: David O. Russell; basado en la novela de Matthew Quick.
Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Masanobu Takayanagi.
Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers.
Diseño de producción: Judy Becker.
Vestuario: Mark Bridged

Si una película de estas características compite, como así ocurrió, en la última edición de los Oscar vamos listos (vaya por delante de todos modos que a mi los Oscar siempre me ha parecido un negocio de marketing que para nada reconoce las mejores películas). El lado bueno de las cosas es entretenida y poco más. Este producto fílmico es un híbrido de comedia, drama y amor con terapia de por medio. Pat, pasa unos cuantos meses a la sombra, recluido en un hospital psiquiátrico. Ha estado allá ingresado porque pilló a su mujer en la ducha con otro hombre, al que Pat molió a golpes. Una vez fuera Pat, ha logrado encauzar su agresividad, mantener a raya su bipolaridad y sus instintos de todo tipo, o eso se figura él, y ahora tratará de recuperar el amor de su mujer, la cual tiene una orden de alejamiento en su contra.

En esa cruzada hacia el reencuentro en la vida de Pat entra Tiffany, hermana de la mujer de un amigo de Pat, la cual mantiene relación con la mujer de Pat. Ambos llegan a un acuerdo ella le ayuda, si él a su vez la ayuda. Sí quid pro quo. Si Pat participa en un concurso de baile con Tiffany, ésta le entregará a la mujer de Pat una misiva escrita por éste.

Como no puede ser de otro modo entre Tiffany y Pat surge la llama del amor. Cada uno tiene lo suyo. Tiffany se abre, y se muestra franca, asumiendo su personalidad, sus claros y sus sombras. Pat en un principio no, pero al final tiene que caer del burro y asumir lo evidente, que Tiffany le pone (inevitable a la vista de los bailes que se traen y de la patente voluptuosidad de la actriz que encarna a Tiffany, Jennifer Lawrence (que a sus 22 años ya atesora unos cúantos y merecidos éxitos en su carrera con actriz. Por esta película se llevo el Oscar y en Winter´s bone estuvo nominada)

Las películas en las que la gente habla y habla sin parar para no decir nada me aburren. Así el primer tercio de la película me resultó aburrido a más no poder, sufriendo esa cháchara banal, que no conducía a ninguna parte. Luego, ese enfoque dramático y el entrecruzamiento de esas taras, defectos y viacrucis personales, no me calan, porque no me los trago. Comienzo, eso sí, a disfrutar cuando aflora el humor gamberro, fresco y limpio. Y no me queda menos que bañar mi rostro de lágrimas cuando llega el final, precioso por otra parte.

El balance de la película arroja un saldo cero. Esto es, ni fú ni fa. Nada estrepitosamente malo, ni una película a recordar. El lado bueno de las cosas, ofrece una variante más a esas historias de amor que acaban bien, dotando a los personajes de unos matices poco habituales en una producción de estas características, donde Robert De Niro confirma de nuevo que la última interpretación notable que nos ofreció fue en Casino.

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Halle Berry – Marea Letal 2012

Halle Berry

Ya tenemos en nuestros cines Marea Letal (2012), la última película protagonizada por Halle Berry. John Stockwell dirigió a Jessica Alba en Inmersión Letal y en un alarde de originalidad, Halle Berry se enfunda ahora su bikini, luce palmito y se sumerge a su vez en aguas rodeadas de tiburones, en este película que lleva por título Marea Letal y que no es una secuela de la anterior, pero a priori, se me antoja igual de infumable. Si es la marea la que es letal o bien los tiburones habrá que pasar por taquilla y verla para salir de dudas.

Lo claro es que Halle Berry a sus 46 años atesora una belleza fuera de lo normal. Una actriz que nos ha ofrecido interpretaciones notables (Monster´s ball, Cosas que perdimos en el fuego) con otros productos palomiteros de apenas transcendencia (X-Men, Catwoman, Gothika…). Marea Letal, es la película en la cual surgió la chispa adecuada, la que ha puesto juntos en el camino a Halle Berry y a Olivier Martínez, que ahora, de hecho son pareja, de hecho. Halle Berry está embarazada de tres meses. Enhorabuena.

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El legado de Bourne (Tony Gilroy 2012)

El legado de Bourne poster películaPelícula: El legado de Bourne.
Título original: The Bourne legacy.
Dirección: Tony Gilroy.
País: USA.
Año: 2012.
Duración: 135 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Jeremy Renner (Aaron Cross), Rachel Weisz (Dra. Marta Shearing), Edward Norton (coronel Eric Byer), Joan Allen (Pamela Landy), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch), Oscar Isaac (Nº 3), Stacy Keach (almirante Turso), Scott Glenn (Ezra Kramer), David Strathairn (Noah Vosen), Donna Murphy (Dita). Guion: Tony Gilroy y Dan Gilroy; basado en la novela de Eric van Lustbader, inspirada a su vez en los personajes creados por Robert Ludlum.
Producción: Patrick Crowley, Frank Marshall, Ben Smith y Jeffrey M. Weiner. Música: James Newton Howard.
Fotografía: Robert Elswit.
Montaje: John Gilroy.
Diseño de producción: Kevin Thompson.
Vestuario: Shay Cunliffe

Me gustaban mucho más las películas que interpretaba Matt Damon. La saga Bourne sigue, pero pierde fuelle. El actor Jeremy Rener reemplaza a Damon. Ahora tenemos al agente Aaron Cross en lugar de a Bourne. Ambos comparten cualidades. Los dos está sobradamente preparados para sobrevivir desahogadamente en entornos volatiles y hostiles. A Aaron lo vemos en una región fría en la cresta de una montaña nevada. Enseguida nos enteramos de que lo están buscando, una agencia del Gobierno de los EEUU para darle pasaporte al más allá.

El Coronel Eric Byer es ese delfín blanco dispuesto a hacer cualquier cosa para preservar la seguridad nacional, eliminando a quien haga falta, enemigos y amigos, si estos saben cosas que no deben saber y menos aún propalar. Así que el programa en el que estuvo operativo Bourne va a ser desmantelado, y esto implica asesinar a todos los agentes. Aaron logra salvar el pellejo y para su supervivencia jugará un papel determinante unirse a la Dra. Marta Shearing, quien contralaba a los agentes como Aaron sin saber qué es lo que estos hacían ahí fuera. Cuando un compañero de la Doctora se líe a tiros en el laboratorio llevándose a cinco compañeros por delante, saltarán todas las alarmas y la Doctora se situará en el punto de mira. Debe ser eliminada. Lo cual no supondría ningún problema para los sicarios gubernamentales si no estuviera por allí rondando Aaron, que la salva, la rescata, la protege, la pasea y hasta le ofrece una vida en común. Ahí es nada.

La película resulta larga, convencional, previsible y en demasiados momentos tediosa. Sus más de dos horas dilatan en el tiempo sin necesidad una historia que no da demasiado de sí. Las películas de acción, como la que nos ocupa, deben ofrecer eso, acción, y se consigue en momentos muy determinados. Cuando tienen lugar las persecuciones en moto o coche, o las huidas corriendo por las calles de Manila, la película gana enteros. Cuando tratan de darle ciertas cargas de profundidad, la película pierde fuelle, y algunas secuencias como la de las pastillas de colores, parecen más propias de dos ancianos en una Residencia que de un Super Agente.

El Legado Bourne incorpora actores y actrices de peso como Edward Norton, Scott Glenn, David Strathairn y Rachel Weisz. Me resulta una maniobra para seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro. El resultado aporta momentos trepidantes, pero en conjunto resulta descafeinada, larga y tediosa.

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