Archivos de la Categoría 'Películas años 50'

Ultimátum a la Tierra (The Day the Earth Stood Still, 1951)

Ultimátum a la tierraDirección: Robert Wise
Reparto: Michael Rennie (Klaatu/Carpenter), Patricia Neal (Helen Benson), Hugh Marlowe (Tom Stevens), Sam Jaffe (Prof. Jacob Barnhardt)
Guión: Harry Bates / Edmund H. North
Producción: Julian Blaustein
Fotografía: Leo Tover
Música: Bernard Herrmann
USA 1951

Hoy mismo se estrena el remake de esta película, más de 50 años después de la original, que es de la que os voy a hablar, la de Robert Wise. Viendo el trailer de la nueva, que no creo que pueda ver en pantalla grande a no ser que se mantenga muchas semanas, parece que hay bastantes diferencias entre ambas.

El planteamiento es muy sencillo. Un día, de repente, una nave extraterrestre aparece en el cielo y aterriza en la Tierra. De ella salen un hombre de apariencia humana acompañado de un robusto robot metálico.

El extraterrestre que acaba de aterrizar es herido por una bala, lo que desata la ira del robot, pero se logra mantener la calma y el extraterrestre es llevado a un hospital. Allí, restablecido enseguida de la herida, explica que quiere reunir a todas las naciones de la Tierra para advertirles del mal camino que llevan, que supone una amenaza no sólo para nuestro mundo, sino para otros que nos rodean. Su mensaje es claro, advierte de que de seguir así la Tierra será destruida antes de que suponga una amenaza mayor.

la pareja de monstruitosEn plena guerra fría y con muchos intereses entre medio, reunir a las naciones se hace imposible, por lo que Klaatu, que así se llama el extraterrestre, decide huir y alojarse en un hostal de forma anónima para preparar sus actos en la Tierra. Pero las cosas no saldrán según lo planeado y cuando descubren su identidad, de nuevo su vida se ve en peligro. Sólo su robot, Gort, podrá salvarlo… o destruir el mundo.

Una de las películas de ciencia ficción más míticas del cine. Hoy en día los efectos especiales parecen cutres, pero la situación entre los países y la falta de entendimiento entre ellos que critica entonces y ahora no difiere mucho. Las guerras, los bandos, la destrucción del medio ambiente, las grandes armas, estas y otras amenazas siguen existiendo.

el cachondo de ringo starrAdemás muchas producciones posteriores han bebido de la esencia de esta película, o le han hecho algún homenaje de algún tipo. Me viene a la mente El Ejército de las tinieblas donde usaban la expresión de Klaatu Barada Nikto que esta película ha hecho famosa; en “El Retorno del Jedi” los matones de Jabba se llamaban “Klaatu”, “Barada” y “Nikto”; el Beatle y cinéfilo Ringo Starr sacó un disco, Goodnight Viena con la inequívoca portada que vemos en la foto. Y saliéndonos aún más de lo cinematográfico, la gente de Firefox también lo han homenajeado en su versión 3.0. Al poner en la barra de direcciones “about:robots” aparece un mensaje que comienza por “Gort! Klaatu barada nikto!“, que se han comido en la versión en español cambiándolo por un simplón “Bienvenidos humanos“.

En fin, una joya de la ciencia ficción que está considerada entre las mejores películas del género. Por ejemplo en la lista de IMDB aparece actualmente la nº 21 y el American Film Institute (AFI), también la ha metido en el puesto 5.

Enlace | IMDB

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Fear Itself 1×07 Community – Comunidad

CommunityDirección: Mary Harron
Reparto: Brandon Routh, Shiri Appleby, John Billingsley

Esta serie de Fear Itself se supone que trata de asustar al personal, meter miedo. De momento hemos encontrado capítulos que tratan de vampiros, fantasmas, maldiciones, etc. Pero el terror no siempre viene de cosas sobrenaturales. Una de las cosas que más asustan son aquellas en las que se te viene a la mente la frase tan repetida de: “te puede pasar a ti”.

Así este episodio nos refleja la idílica vida en una comunidad, donde los residentes disfrutan de unas excelentes casas, seguridad, comodidades, influencias, etc. El lugar ideal para que una joven pareja que quiere formar una familia críe a sus hijos.

Por supuesto, lo primero que ven es la parte positiva, pero una vez instalados se dan cuenta de que esta comunidad funciona más como una secta y lo que en principio parecían unos vecinos que le iban a facilitar las cosas se transforman en un grupo al que ellos se tienen que someter.

Así lo que en principio son vecinos torturados o sometidos a escarnio público, se va volviendo hacia ellos, que se ven también subordinados a los componentes de la comunidad y vigilados en todo momento.

En la dirección una mujer, Mary Harron, cuyo mayor éxito ha sido hasta ahora American Psycho, película que también explota el terror humano. El que seguro que os puede sonar más es el protagonista. Se trata de Brandon Routh y seguro que muchos lo habéis visto recientemente como el nuevo Superman.

Fear Itself | 1×01 El Sacrificio | 1×02 Espectro | 1×03 Hombre de Familia | 1×04 En la Salud y en la Enfermedad | 1×05 Comilón | 1×06 El Día de Año Nuevo

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Eva al desnudo crítica película

Eva al desnudoTítulo original: All About Eve
Año: 1950
Duración: 138 min.
Nacionalidad: EE.UU.
Género: Drama
Reparto: Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Gary Merrill, Hugh Marlowe ,Gregory Ratoff
Montaje: Milton R. Krasner
Guión: Mary Orr Joseph L. Mankiewicz
Música: Alfred Newman, Franz Liszt

Cinco décadas y media después de su estreno nada nuevo se puede decir sobre esta película sobre la que se ha vertido ríos de tinta. Es ya considerada un clásico y tiene méritos de sobra para ello. Para mí una película inmortal es aquella que la puedes ver la década que sea y siempre resulta actúal por la vigencia de sus planteamientos. Eva al desnudo es hoy actual y lo que en ella se expone y trata tiene plena vigencia. Cosechó muchos Oscar (seis: Mejor película, Mejor director, Mejor actor de reparto, Mejor guión adaptado, Mejor sonido, Mejor vestuario (blanco y negro)) estuvo nominada en 14 categorías y fue multipremiada. ¿Qué la hace tan especial?. En primer lugar cuando hablamos de actúar, muchas veces se trivializa, y parece que el mero hecho de ponerse delante de una cámara y soltar frases ya fuese actúar y quien lo hace fuera actor. Del mismo modo que aquel que escribiese sobre un folio en blanco por el hecho de escribir se convirtiera en escritor. Si no se transmite algo con lo que se dice con la naturaleza de nuestros gestos, la actúacion no es tal.

Margo, Eva, AddisonBette Davis ya nos tiene acostumbrados a brillantes interpretaciones (¿Qué fue de Baby Jane?) y aquí borda el papel de Margo, una excelsa y laureada actriz de teatro, soberbia y altanera, bien pagada de sí misma la cual ve como a hurtadillas entra en su vida Eve, una chica joven, tierna, dulce, solícita, inteligente y sagaz que a la chita callando irá conquistando el terreno que Margo irá perdiendo. Será por tanto la suya una relación excluyente. Dos personalidades tan contrapuestas acentúan aún más sus naturalezas.

Que una chica vulgar sueñe con ser famosa sin detenerse a reflexionar sobre la moralidad de sus acciones está hoy muy de moda. Vemos como las televisiones se llenan de gente que quiere ser famosa, y está dispuesta a hacer y decir cualquier cosa. Primero la fama y luego todo lo demás, el honor, la dignidad, los principios, la intimidad, etc.
Eve quiere ser como Margo a la cual idolatra, no tanto a ella, como al hecho de ser famosa, de recibir aplausos. Quiere ocupar su trono, y desde que una noche después de una representación tiene la fortuna de entrar en su camerino, su vida cambiará para siempre.
Testigo del cambio que experimenta Eve será el crítico teatral Addison (George Sanders obtuvo el Oscar por este papel) el cual calará a las primeras de cambio a Eve, por la cual siente una especial simpatía. Dado que ambos como él dice son incapaces de amar y ser amados, son ambiciosos e inteligentes.

Cada vez que Margo habla la boca suelta alguna perla. De su boca salen palabras mordaces, sarcásticas, hirientes. No deja títere con cabeza y tanto con su futuro marido, con el director teatral, con Eve o su ayudante, siempre encuentra la frase luminosa, que nos hace reír, emocionarnos, sufrir. Las interpretaciones son brillantes tanto de Bette Davis como de Anne Baxter y a ello contribuye sin lugar a dudas el magnífico guión que pone en boca de los protagonistas frases que cobran una fuerza majestuosa, torrentes de imaginación e inteligencia que salen de lo trillado para buscar páramos fértiles en el lenguaje.

Su metraje por encima de las dos horas nos hace disfrutar aún más y cada visionado nos permite descubrir cosas nuevas exprimir los diálogos y saciarnos con su contenido. Desgraciadamente al menos Eve tiene talento y es inteligente y llega a ser una buena actriz. Hoy muchos aspirantes a famosos son imbéciles, ignorantes sin el menor asomo de talento.

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Los 400 Golpes (Les Quatre Cents Coups – François Truffaut – 1959)

Los 400 GolpesDirección: François Truffaut

Reparto: Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decomble, Georges Flamant, Patrick Auffay

Guión: Marcel Moussy & François Truffaut

Música: Jean Constantin

Fotografía: Henri Decae (B/N)

Francia, 1959

Para conmemorar nuestra crítica número 400, que mejor que traer esta película, un auténtico clásico de François Truffaut de 1959, máximo representante y máxima obra de la Nouvelle Vague francesa. Sin pretender llegar a ser tan inmortales como la película, tan trascendentes como el director ni tan importantes como dicha tendencia, simplemente decir que estamos muy contentos de haber llegado hasta este número de películas comentadas cuando llevamos poco más de un año y que esperamos que lo disfrutéis tanto como nosotros.

Dar los 400 golpes significa según el diccionario francés entregarse a cualquier tipo de exceso. La anécdota es que en el guión original de la película aparecía esta expresión, que no lo hace en la versión final.

Anécdotas aparte esta una de las películas que inauguró la llamada Nouvelle Vague (La Nueva Ola) francesa, una corriente artística muy importante en el siglo XX ya que cambiaría las normas narrativas y temáticas del cine, naciendo un nuevo cine de autor a nivel mundial. Fue premiada en Cannes con la mejor dirección y el premio OCIC y nominada al Oscar al mejor guión.

AntoineForma parte de una serie de films semiatobiográficos de Truffaut, junto al cortometraje Antoine y Colette (1962) y los largometrajes Besos Robados (Baises Voles, 1968), Domicilio Conyugal (Domicile Conjugal, 1970) y El Amor en Fuga (L’Amour en Fuite, 1978). En todos ellos el mismo actor, Jean-Pierre Leaud encarnaría al protagonista Antoine Doinel, alter ego de Truffaut.

El guión es del propio Truffaut (también productor con Les Films du Carosse, su productora) y es fruto de la extensión de una idea para un corto, La fuga de Antoine, que es parte de la película, y que luego se alargó hasta dar este fruto gracias a la colaboración como dialoguista de Marcel Moussy.

Entre sus influencias el propio director admite dos claras: las películas Cero en Conducta (Jean Vigo) y Alemania Año Cero (Rossellini). También hay claras referencias a L’Atalante (Jean Vigo) y un toque muy de Hitchcock y de Cocteau, parte de las preferencias Truffaut. Otra de sus predilecciones era el cine americano. Aunque no rodó demasiado en este país: como director la fracasada incursión en la ciencia ficción Fahrenheit 451 (1967), y como actor Encuentros en la Tercera Fase (Steven Spielberg, 1977).

Antoine DoinelEl protagonista en un joven humilde con problemas en la escuela que se trasladan a la familia. Intenta irse de casa y con un amigo se dedica a hacer trastadas y hacer nohor al título de la película. Todo esto termina muy mal para él. Sus profesores y sus padres acaban hartándose y planean para él una educación más recia. Pero eso tampoco aplaca sus ansias de diversión y libertad y el anhelo de ver el mar podrá más que todas las rejas y ataduras que tenga por medio. Así la historia llega a un final abierto, poético y quien sabe si esperanzador.

Este pequeño golfo acaba por resultarnos simpático, pese a su afición a meterse en líos, desde luego mucho más que su duro profesor o su falsa e insensible madre. Todos estos personajes, con sus roles característicos están perfectamente dibujados y transmiten todos los problemas que la propia vida crea a los ojos de un niño y que afectan a él y a los que lo rodean. Esta película refleja un realismo sin tapujos, una historia que le ha podido pasar a cualquier joven, en cual país y en cualquier época, por eso consigue que te identifiques con Antoine Doinel, un joven desencantado que podríamos haber sido cualquiera de nosotros.

Una de las escenas que más me ha gustado es en la que Antoine vaga con su mirada por las calles de Paris desde las rejas del furgón policial. Una mirada que revela la inocencia del muchacho, como se encuentra perdido en una situación que le es tan extraña como lo ha sido toda su corta vida. Una expresión que nos muestra el duro encuentro con el mundo que está viviendo. Ve esfumarse la libertad que ansía mientras tiene ante sí las calles en las que se ha sentido libre, aunque no lo suficiente.

Durante otros 20 años el director nos siguió contando la vida y desventuras de este muchacho en otros tres filmes más y un cortometraje, y quien sabe si no hubiésemos seguido viendo sus peripecias de no haberse producido la prematura muerte de Truffaut en 1984 víctima de un tumor cerebral.

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El Crepúsculo de los Dioses (Sunset Boulevard, 1950)

Sunset BulevarTítulo Original: Sunset Blvd.

Director: Billy Wilder

Reparto: William Holden (Joe Gillis), Gloria Swanson (Norma Desmond), Erich von Stroheim (Max von Mayerling), Nancy Olson (Betty Schaefer), Fred Clark (Sheldrake), Lloyd Gough (Morino), Jack Webb (Artie Green), Cecil B. DeMille, Buster Keaton

Guión: Charles Brackett, D. M. Marshman Jr., Billy Wilder

Productor: Charles Brackett

Música: Franz Waxman

Fotografía: John F. Seitz (Blanco y Negro)

Montaje: Doane Harrison, Arthur Schmidt

USA 1950

Sin duda esta película es uno de esos clásicos ineludibles por parte de cualquier cinéfilo que se precie, en España tan conocida por el título con el que se estrenó, El Crepúsculo de los Dioses, como por su original Sunset Boulevard. Dirigida por Billy Wilder (o Dios, que diría Fernando Trueba) de forma exquisita y con una interpretación entregada por parte Gloria Swanson en el mítico papel de Norma Desmond que ha dejado huella en la historia del cine.

Norma DesmondLa historia es cruel y muy realista. En la época en que el cine sonoro empezó a maravillar a los espectadores y parecía que la indrustria del cine estaba en pleno auge, se vivieron historias tan tristes como la que nos cuenta esta película. Muchas de las estrellas que habían destacado en el cine mudo y eran admiradas, vieron sus carreras truncadas. “No me hace falta un guión. Puedo decirlo todo con una mirada”, dice en un momento dado Norma Desmond. Y efectivamente sería así, pero el público, y sobre todo los productores querían explotar las nuevas tecnologías, como siempre, y todos esos actores y actrices quedaron en el olvido.

Esa parte se refleja de manera muy clara en la escena en que la protagonista queda con viejos amigos que al mismo tiempo son viejas estrellas reales de cine mudo de las que el protagonista dice “me parecían figuras de cera”, que son H.B. Warner, Anna Q. Nilsson y el mismísimo Buster Keaton, que realmente tiene cara de estar pasándolo tan mal como en el resto de sus películas. También es muy simbólica la escena en que ella va a un estudio de rodaje y se ve “atacada” por un micrófono al que mira con un gesto de entre miedo y repugnancia. Justo después el hombre que maneja el foco la reconoce y lo enfoca hacia ella, con lo que el resto de personas en el plato la reconocen también y la rodean, sintiendo por un momento de nuevo que ha vuelto la gloria de la disfrutó un día.

Cuando la gente del cine cuenta historias sobre cine suele inspirarse en hechos que si no han sucedido como tal, están basados en situaciones similares, y en este caso la carrera de Gloria Swanson no distaba mucho de la del personaje que interpretaba. Por ejemplo, todas las fotos de la casa de Norma Desmond son en realidad de las promociones de las películas de Gloria Swanson. La película que Norma y el guionista ven en casa de esta, en su cine privado, es una película real, La Reina Nelly (1929), protagonizada por la propia Gloria Swanson y con guión y dirigida por Erich von Stroheim ¡ que interpreta al mayordomo! Por lo tanto, el pasado que confiesa como director de cine este personaje es, en parte, cierto.

Cecil B. DeMilleComo suele pasar en estas películas que hablan del cine dentro del cine, aparecen muchos profesionales haciendo de si mismos. El de más relevancia, sin duda, Cecil B. Demille, que ya había trabajado anteriormente con la Swanson y que tiene un papel secundario en el que aparece rodadando. Realmente lo estaba, la película era “Sansón y Dalila (1949)”.

Gloria Swanson tenía ciertas similitudes con el personaje, como hemos dicho, pero lo cierto es que el papel antes fue ofrecido a las viejas estrellas Mae West y Pola Negri, que lo rechazaron y a Mary Pickford, “la novia de América” y cofundadora de la United Artists (hoy en día propiedad de MGM), que pidió demasiado por el papel. El personaje de Joe Gillis también pasó por varios candidatos, como Montgomery Clift (creo que hubiera sido ideal para él), Fred MacMurray, Gene Kelly y un joven desconocido por entonces llamado Marlon Brando.

Otra curiosidad real. El guión que escriben los 2 personajes de Joe y Betty, que vemos que lleva el título provisional de “Historia de amor sin título” en realidad también existió y habían escrito entre Billy Wilder y Max Kolpé, se tituló “The Blue from the Sky”, y había sido rodado en Alemania (país donde pasó sus primeros años en la industria del cine Wilder, recordemos, de origen centroeuropeo) en 1932 con el título de “Blaue vom Himmel, Das”. Que a Billy Wilder le saliera tan bien esta película tendrá mucho que ver esa vida anterior como guionista y las penurias que debió vivir, las mismas que al protagonista, y por supuesto que fuera uno de los artistas que vivió esa transición del mudo al sonoro, de la que por cierto salió muy bien parado.

El ritmo de la historia está perfectamente llevado y la historia entre la vieja estrella con delirios de grandeza y el guionista trepa se hace creíble (unos Dinio y Marujita de la época, salvando las insalvables distancias), al mismo tiempo que los personajes que pululan en torno a ellos son secundarios de libro, de los que hacen que la historia crezca y que verdaderamente influyen en los cambios en el devenir de los protagonistas, para bien o para mal.

Guionista FlotandoPor si alguno no la ha visto, no desvelaré nada del final, pero quizás sea de las mejores escenas que han puesto el punto final a una película, exceptuando Casablanca, cuya mítica despedida en el aeropuerto es difícil de igualar. También el inicio está entre los más famosos de la historia del cine, con el guionista flotando en la piscina y el narrador en off diciendo aquello de: “Siempre quiso una piscina, y al final la consiguió”. Según Wilder la escena que está incluida en el inicio y el final, en vez del cadáver flotando en la piscina, en un inicio se rodó en una morgue, pero en los pases iniciales a la gente le daba la risa y por eso la cortaron. No sé si alguna edición posterior en DVD se habrá recuperado esas imágenes, pero el propio Wilder afirmó que eran unas de las mejores escenas que había rodado en su vida. Por cierto, que la escena de la piscina está rodada a través de un espejo.

Es curioso, pero el personaje de Norma Desmond, déspota, decadente, orgullosa y maleducada en algunos momentos, va ganándose la simpatía del espectador cuando se va viendo que tiene razones para ser como es, no lo hace conscientemente, y sólo ansía volver a conseguir algo de lo que tuvo en su momento. El mayordomo relata algunos detalles de la grandeza de “la señora” en su momento, como cuando cuenta que “un marajá vino expresamente desde la India para que le diera una media. Después se estranguño con ella”. Aunque en este caso la fama y el calor del público es algo muy magnificado, a menor escala, es lo que desean cualquiera de los ancianos que vemos cada día a nuestro lado y aunque no nos demos cuenta están pidiendo que se les haga un poco de caso, que alguien les escuche y volver a sentirse, ya no admirados, sino simplemente útiles.

Norma DesmondDando la réplica a Gloria Swanson y su entregada interpretación está William Holden, que rezuma frialdad y parsimonia. Ese contraste le viene genial a la historia, porque hace todavía más exagerado cada gesto de la diva y también nos hace que según la película va avanzando lo veamos con peores ojos, porque se está aprovechando de una mujer que no está en sus cabales (de dos mujeres, en realidad, aunque de las dos con sus respectivos consentimientos).

A pesar de que Billy Wilder sea conocido por la parte cómica de su filmografía (otro de los finales más recordados del cine, el de Con Faldas y a lo Loco, también es suyo), aquí nos dejó un auténtica drama, jalonado también de un humor negro muy sutil, que llega a marcar la sonrisa en los labios sin dejarla salir.

Supongo que eso es lo que hace a esta película eterna, el tema que trata es universal, a pesar de estar ambientado en una época y unos escenarios muy determinados. Hay prevista en preproducción una nueva versión con Glenn Close como Norma Desmond, basada en el musical que estrenó Andrew Lloyd Webber en 1993 en Londres y que ya protagonizó Glenn Close en su versión de Broadway poco después.

Por sacarle un defecto, decir que hay una escena muy clara, donde él se inclina sobre la cama de ella, en la que se ve la sombra del equipo de grabación de forma algo más que evidente.

La Pareja ¿Feliz?Las conclusiones que se pueden sacar de la historia son muchas, yendo más allá de la historia que cuenta. Por un lado está la crítica a las personas que saben ver la realidad que ocurre a su lado, como Norma Desmond; por otro los que están dispuestos a cualquier cosa con tal de conseguir el éxito, que vemos en el guionista; también está el servilismo voluntario al que se somete el mayordomo, fruto de su admiración ciega por esa mujer, por la que está dipuesto también a todo; otro vértice del polígono son aquellos que ejercen el poder, para los que las personas no son más que números que cuadrar en sus cuentas personales; quedaría también la joven guionista que con su candidez acaba por ser apaleada por todos los sitios; y la conclusión final, debería ser que hay que adaptarse a los tiempos y a las circunstancias y que tan fácil es estar en la cumbre un día, como al siguiente volver a caer al escalón más bajo.

En su época, al no dejar muy bien a la industria del cine, se cuenta que el mandamás de la Metro (y de Hollywood, por ende), Louis B. Mayer le soltó una retahíla de insultos que acabaron con un contundente: “¡Es usted un cabrón! Ha desprestigiado a la industria del cine. Ha mordido la mano que le convirtió en alguien y que además le dio de comer. Deberían alquitranarle, emplumarle y arrojarle del país”, a lo que Wilder respondió con un seco y tajante: “Que te jodan”.

Y para terminar, algunos spoilers, así que el que no quiera, que no siga leyendo:

Aviso: Spoiler!


1.- Esta película cuenta lo que por entonces se llamaba un crimen pasional, que hoy en día es violencia de género. El mismo perro con distinto collar.

2.- Es muy simbólico que el narrador de la historia sea un hombre que esta muerto desde la primera escena de la película, pues es justo lo que se pasa a la protagonista, es también una muerta que no quiere reconocer que lo está, aunque en su caso lo es artísticamente.

Enlaces | IMDB | Wikipedia

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La balada de Narayama

La balada Narayama Keisuke KinoshitaDirector: Keisuke Kinoshita
Año: 1958
País: Japón.
Título Original: Narayama Bushiko
Intérpretes:
Kinuyo Tanaka …. Orin
Teiji Takahashi …. Tatsuhei
Yûko Mochizuki …. Tamayan
Danko Ichikawa …. Kesakichi
Keiko Ogasawara …. Matsu-yan
Seiji Miyaguchi …. Matayan

En un pequeño pueblo perdido del Japón, los abueletes cuando van a cumplir los setenta años, cogen los bártulos y se van al Narayama, a la cima del monte, para morir, hay poco que comer y ya no resultan útiles. Granny es una abuelilla del pueblo, que se encuentra bien de salud e incluso mantiene todos los dientes, pero como va a cumplir los 70, tiene ya en mente la marcha al Narayama. Su hijo Tastuehi padece y sufre por ello. No quiere verla partir, perderla de su lado.

La historia se rueda en decorados, bien logrados, con gran oficio en el manejo de los colores y los diferentes ambientes, y la recreación de los paisajes, montañas, aldeas, bosques y también del Narayama. Si en España la gente que ronda los 70, se diera el piro a un monte, a la Sierra del Guadarrama por ejemplo, nos quedábamos de golpe y porrazo sin casi cuatro millones de personas, ahí es nada.

Keisuke saca adelante un proyecto entretenido, de gran riqueza visual, una suerte de circo, con cánticos y bailes, en donde los personajes a veces exageran sus movimientos, resultando paródicos. Lo que resulta machacón es la música que suena sin cesar, esos cánticos que se elevan sobre el sonido del Ukelele. La película no hace concesiones al sentimentalismo (basta ver la escena en la que la anciana se hace un estropicio en la boca para malograr su hasta entonces perfecta dentadura, lo cual no gusta a los Dioses) y al final el hijo debe asumir la muerte voluntaria de su madre, e incluso la lleva en los hombros hasta la cima de la montaña, en donde se encontrará con los Dioses.
Es una de las primeras películas que se rodó en Japón en color. El director falleció en 1998.

En 1983 Imamura hizo una versión de La Baldada de Narayama.

La Balada del Narayama de Imamura | Ventana Indiscreta

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