Archivos de la Categoría 'Películas años 70'

Fascinación crítica película

Fascinación Obsession cartel películaAño: 1976
Dirección: Brian De Palma
Intérpretes: Cliff Robertson, Geneviève Bujold, John Lithgow, Sylvia Kuumba Williams, Wanda Blackman, J. Patrick McNamara.
Guión: Paul Schrader
Música: Bernard Herrmann
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Duración: 98 min.
Género: suspense
País: USA
Título original: Obsession

Sin llegar a ser fascinante como indica su título, Fascinación, si que resulta enigmática y sugerente. La dirigió Brian de Palma hace más de treinta años. Michael es un empresario que ve como una noche su mujer y su hija son secuestradas de su propio domicilio después de una velada.

Pone el caso entonces en manos de la policía, con tal mal fario que el coche en el que van los secuestradores y las dos rehenes se incendia y cae luego al río, muriendo todos.

Pasan los años y Michael el cual precisa ayuda psicológica para asumir la pérdida de su hija y de su mujer Elizabeth realiza un viaje de negocios a Florencia, junto a su socio. Allí visitará la iglesia en la que conoció a la que luego sería su esposa. Curiosamente allí trabaja una joven italiana, Sandra Portinari, como restauradora que guarda un gran parecido con Elizabeth.

Michael no da crédito a lo que ve y decide quedarse allí unos días más. Logra intimar con la joven, a la que pretende y toda vez que la madre de esta muere, se va los Estados Unidos con Michael con idea de contraer matrimonio.
Sandra Portinari sabe que si Michael la quiere a su lado es porque siente así que la llama de su difunta esposa sigue vive y eso le da ánimos y esperanzas para seguir viviendo.

El final dará un giro inesperado y despejará las incognitas que van surgiendo ante nuestros ojos. La rimbombante partitura es obra de Bernard Hermann nominado al Oscar por esta banda sonora, que a mí me ha resultado cargante en extremo.
Como Michael no está muy bien de la azotea, el amor hacia su novia, le llevará al delirio, a pasajes oníricos donde se mezcla realidad y fantasía, donde Brian de Palma, nos hace transitar por el resbaladizo suelo de la irracionalidad y la obsesión que va consumiendo a Michael, empeñado en tener una segunda oportunidad, pues como le dice a Sandra cuando la conoce y hablan de su esposa muerta, dice ser él quien la mató, porque cree que su muerte fue culpa suya y el remordimiento no le dejará vivir en paz, a no ser que surja la posibilidad de enmendar su error.

Me interesó la película porque estaba rodada en Florencia y porque nos dicen se trata de una de las obras maestras de Brian de Palma. Sin tenerla por tal, el suspense y el misterio se dan la mano para pergeñar una historia vibrante, lastrada por un ritmo mortecino que ahoga la emoción en muchos momentos, pero que no impiden que recomiende su visionado.

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portero de noche crítica película

Portero de noche cartel películaTITULO ORIGINAL Il portiere di notte
AÑO 1973
DURACIÓN 115 min.
PAÍS : Italia
DIRECTOR Liliana Cavani
GUIÓN Liliana Cavani & Italo Moscati
MÚSICA Danièle Paris
FOTOGRAFÍA Alfio Contini
REPARTO Charlotte Rampling, Dirk Bogarde, Philippe Leroy, Gabriele Ferzetti, Piero Vidal, Nora Ricci, Isa Miranda, Giuseppe Addobbati

Hay películas que en su día causan conmoción y que luego con el distanciamiento propio del paso de los años, una vez vistas dejan unas sensaciones totalmente opuestas a las del primer visionado. Cambian los tiempos, las sensibilidades, las conciencias, las percepciones.

Portero de noche dio mucho que hablar en su día en los 70. El otro día la visioné en DVD y creo que el adjetivo que mejor la define es que resulta inquietante. El erotismo puede nutrirse de historias diversas tramas: aventuras familiares, una profesora tentadora, una meretriz voluptuosa, un jardinero procaz, o una presa convertida en objeto sexual de un mando del ejército, como es el caso.

Una chica judía presa, extremadamente delgada y macilenta en un campo de concentración se convierte en el objeto de deseo de uno de los oficiales, con el que mantendrá forzadas relaciones sexuales

Finalizada la guerra el oficial encuentra trabajo con una identidad falsa como portero de noche de un hotel.

Una noche llega al hotel un director de orquesta acompañado de una joven. El portero y la joven se miran y se reconocen. El carcelero y la presa se rehuyen ahora como civiles. Ella quiere escapar de allí a toda costa, se ahoga, porque en su cerebro se agolpan los recuerdos como astillas que la desangran, entre veneros de alpechín.

Charlotte Rampling en Portero de NocheEl portero no quiere poner al corriente de esta circunstancia a otros nazis como él, que en todo caso le instarían a deshacerse de ella; sin testigos no hay pruebas, ni cargos, ni cárcel y el proceso no se empañaría.

El caso es que las vejaciones sexuales sufridas por la reclusa han dejado en ella el poso amargo del beso de hiel, de la pulsión masoquista, y guiada por un deseo atávico e irrefrenable, querrá de nuevo ser sometida por su señor, su carcelero, ahora portero de noche.

Los cuerpos se juntarán, el reencuentro esperado y negado por ambos se producirá en fragor de cuerpos, en algarabía de cristales y sangre, de besos y zarpazos, de felaciones, semen y dolor. Se repelen y se atraen y ese juego de las esposas, de las laceraciones, de la sumisión les vuelve locos a los dos nublándoles el entendimiento, dejándoles el estómago vacío, consumiéndolos en su desvarío.

Es Portero de noche una película dura, sin concesiones, desagradable en muchos momentos, donde el tema del holocausto poco aporta al caso, y donde el meollo está en esa relación tormentosa, conflictiva, dolorosa, que enlaza placer y dolor, negación y afirmación en un mismo plano, en un mismo catre.

Algo se remueve en mi interior al verla, un desasosiego, un compadecimiento ante esos seres marcados con la estrella de la derrota, con el cuerpo lacerado e inerte del desengaño, abocados a un final escrito con epitafios de plomo. Un erotismo en todo caso sórdido, de la mano de una Charlotte Rampling, muy delgada, cuyo número vestida con el atuendo de las SS, haría luego las delicias de miles de personas amantes del sado. De hecho hay a quien le gusta correrse orgías vestido de oficial de la SS, mientras le van limpiando con saliva, el cañón a su “recortada”, como hemos leído hace poco en los periódicos.

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Matadero Cinco (Slaughterhouse-Five, 1972)

Matadero 5Director: Geor Roy Hill
Reparto: Michael Sacks (Billy Pilgrim), Ron Liebman (Paul Lazzaro), Eugene Roche (Edgar Derby), Sharon Gans (Valencia Merble Pilgrim), Valerie Perrine (Montana Wildhack)
Guión: Stephen Geller, basado en la novela de Kurt Vonnegut Jr.
Música: Glenn Gould
Fotografía: Miroslav Ondrícek
Montaje: Dede Allen
USA 1972

Hace ya unos años que me leí la novela de Kurt Vonnegut en el que se basa esta película, titulada al igual que la película, pero con un añadido: Matadero Cinco o La Cruzada de los Niños.

Aunque esa novela fue en su época bastante famosa (1969), yo no había oído hablar de ella hasta que no la oí nombrar en los comentarios del DVD de la (recomendable) película Inocencia Interrumpida por el propio director, James Mangold, que afirmaba haberse inspirado en esa novela para los saltos temporales instantáneos que la protagonista (Winona Ryder) da en esa película, así que viendo la versión cinematográfica de Matadero Cinco cierro un círculo literario-cinéfilo muy personal.

Matadero 5Tomando como referencia la novela hay que decir que en ella el propio autor nos habla de su vida y el personaje principal, Billy Pilgrim, llega a cruzarse con él en la mitad de la historia, cosas estas que no ocurren en la película. Y es que el hecho que centra la acción, el bombardeo de Dresde durante la 2ª Guerra Mundial que es vivido en primera persona por Pilgrim, también pilló a Vonnegut allí, fue uno de los supervivientes de aquel terrible suceso en el que fallecieron 135.000 personas.

Posiblemente la novela no fuera más que una excusa del autor para liberar todo lo que aquellas vivencias supusieron en su vida. En la película es la parte de la guerra la que más minutos ocupa, pero tanto en ella como en la novela hay algo diferente y original: la forma de contarlo que tiene el protagonista, Billy Pilgrim.

Sin llegar a explicarse si es un simple trastornado, un enfermo o un visionario, la película nos muestra la vida de este extraño sujeto tal y como él la vive, saltando de un tiempo a otro, de un lugar a otro de su propia línea de vida de forma inconexa e incontrolada. Poco a poco vamos reconstruyendo el puzzle de su existencia sufriendo como él mismo hace los saltos que constantemente se producen. Tan pronto lo vemos en el frente de la 2ª Guerra Mundial como en el momento en que se casa con su mujer, con sus hijos ya mayores o con estos siendo apenas unos chiquillos, acudiendo a una convención o siendo objeto de estudio de los seres atemporales del planeta Tralfamadore, donde es retenido en una cápsula junto a una estrella de Hollywood con la que se procesa un amor mutuo y eterno.

DresdeSon los habitantes de ese planeta, los que le enseñan que no existe el antes ni el después, que el presente, pasado y futuro coexisten haciendo que a pesar de poder vivir tu propia muerte, puedas existir en otro momento y en otro lugar y puedas seguir viviendo.

Sí, puede que resulte extraño el argumento, pero así es como la historia de este peculiar personaje va avanzando. Yo recomendaría antes el libro que la película, pero a pesar de ser difícil de adaptar, creo que se atrapa el principal sentido que el autor le quiso dar y se hace entretenida e interesante. Es más fácil de entender que de explicar. Hay que decir también que como documento histórico quizás no aporte mucha luz sobre el bombardeo de Dresde que critica (que mató al doble de personas que la bomba de Hiroshima, ahí es nada).

La película me gusta sobre todo por la forma diferente de contarla, en un tono que sin llegar a ser cómico sí que al menos produce la sonrisa su humor negro, viendo al pánfilo de Pilgrim merodeando sin rumbo y sin sentido de un punto a otro de su vida, en unas ocasiones desorientado y en otras más cabal. El maquillaje para envejecerlo de unas escenas a otras está logrado, del jovenzuelo que va a la guerra al hombre maduro o el anciano que llegamos a ver hay diferencias que se hacen creíbles.

la pareja felizLa interpretación del protagonista por parte de Michael Sacks también llega a estar a la altura de las circunstancias. De hecho llegó a estar nominado por ella a un Globo de Oro a lo que sería el Mejor Actor Revelación en nuestros Goyas. Desafortunadamente el resto de sus interpretaciones parece que no calaron tanto y se pasó a los negocios dejando la interpretación. Su compañero de reparto Ron Leibman, que interpreta al pendenciero Paul Lazzaro sí ha tenido una carrera mucho más prolífica y también cabría destacar a su compañera de aventuras espaciales, interpretada por la risueña, trangresora y contundente sex symbol por aquella época y años posteriores, Valerie Perrine, que sólo 2 años más tarde de intervenir aquí sería nominada al Oscar por la excelente Lenny y que también tuvo un papel secundario en las 2 primeras entregas de Superman.

Por cierto, que el enigmático título de la película viene del lugar donde los prisioneros son alojados en la ciudad de Dresde cuando son apresados por los alemanes, un antiguo matadero.

Enlaces | IMDB | Novela

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Se armó la gorda (And Now For Something Completely Different, 1971)

Se armó la gordaDirección: Ian MacNaughton
Reparto: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin, Terry Gilliam, Carol Cleveland, Connie Booth
Guión: Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin, Terry Gilliam
Fotografía: David Muir
Música: Douglas Gamley
Reino Unido, 1971

Es una película por decir algo, porque en realidad han hecho un refrito volviendo a grabar algunos sketches del programa televisivo que protagonizaban, Monty Python’s Flying Circus (que recomiendo mucho más ver que esta pseudopelícula). Hay unos cuantos muy conocidos, como el del ataque con fruta fresca, que tiene incondicionales seguidores, el director de cine al que entrevistan, el chiste más gracioso del mundo que mata de risa o al tío que le venden un loro muerto.

De hecho la película se realizó entre las temporadas 2ª y 3ª de Flying Circus y contiene algunos sketchs que se escribieron para esa 2ª pero no se llegaron a grabar y otros ya vistos, como digo.

Es curioso porque el principal objetivo de la película (primera realizada por los Monty Python) era introducir su humor en los Estados Unidos, pero la película tuvo más éxito en Gran Bretaña, donde ya habían sido vistas la mayoría de las bromas en la tele.

Están vueltos a grabar y cambiados un poco o acortados respecto al programa de la TV, pero son iguales, intercalados con los típicos dibujos animados que, dicho sea de paso, personalmente no me gustan, aunque hay para quienes es lo mejor. Cuestión de gustos.

ser armó la gorda y ahora algo completamente diferenteEl estilo sigue siendo el mismo típico humor inglés de grano grueso, irónico y absurdo. De los que más me han gustado han sido el del programa dedicado a extorsionar y el juego “pare la película”, que tiene su gracia, aunque no deje de ser un humor facilón.

Una de las películas que hicieron bastante años después, El Sentido de la Vida, también tenía esta estructura de sketches seguidos, pero me pareció que tenían más relación entre sí que esta película y me gustó más.

Alguno pensará que soy un canso. Sí, lo soy, pero una vez más, ¿de dónde se han sacado el título de “se armó la gorda”? Así se pierde parte de la gracia del título original. De vez en cuando en la película de repente repiten la frase: “Y ahora algo completamente diferente”. Ese era el título original.

Siendo fan de los Monty Python y habiendo visto las siguientes películas que realizaron y algunos episodios del Flying Circus, esta peli me sabe a poco.

Y teniendo en cuenta que la película acaba a los 3 minutos, aquí es donde debería empezar yo a escribir mi opinión.

Vídeos | Lección de Latín | ¿Qué le debemos a los romanos? | Es el Mesías, muerte al hereje

Diálogo | Las Bienaventuranzas

Cartel | Salvad al Soldado Brian

Parecidos | Brian y el Sr. Cuesta

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Soylent Green: Cuando el Destino Nos Alcance (1973)

Soylent GreenDirección: Richard Fleischer.
Reparto: Charlton Heston (Detective Robert Thorn), Leigh Taylor-Young (Shirl), Chuck Connors (Tab Fielding), Edward G. Robinson (Sol Roth), Joseph Cotten (William R. Simonson), Teniente Hatcher (Brock Peters)
Guión: Stanley R. Greenberg basado en la novela “¡Hagan sitio! ¡Hagan sitio! (Make Room!, Make Room!)” de Harry Harrison
Música: Fred Myrow
Fotografía: Richard H. Kline
USA 1973

Hace bien poco hablé de la película El Último Hombre… Vivo. He de decir que no he es que esté haciendo un recorrido por la filmografía de Charlton Heston, protagonista de ambas, ni por películas basadas en best sellers de la literatura de ciencia-ficción, por que si aquella se basaba en la novela de Richard Matheson Soy Leyenda, esta lo hace en Hagan Sitio, Hagan Sitio, de uno de los grandes del género, Harry Harrison. Pero ya se sabe, lo uno lleva a lo otro…

Había leído muy buenas críticas de la película, así como de la novela en que se basa. Aunque esta no he tenido ocasión aún de leerla, y seguro que cambia bastaste, sí he visto la película, y para mi no ha sido nada emocionante. No sé si influenciado por las últimas películas de ciencia-ficción actuales, tan diferentes, con tanto croma y tanta acción. Esta es de las de la vieja escuela setentera, de cientos de extras y grandes decorados.

A recoger la cosechaEl caso es que aunque la película está ambientada en el año 2022, los avances tecnológicos brillan por su ausencia. O puede que no. El vídeojuego que aparece en una lujosa casa hoy parece de risa, pero en aquellos años ese vídeojuego fue de los primeros en estar disponible en las salas de juegos y en funcionar con monedas. Fue creado por Notan Bushnell, para Nutting Asociates, aunque posteriormente él fundaría una empresa mucho más conocida: Atari.

Pero quitando algunas minucias de este estilo, el futuro que se nos muestra, con la superpoblación como principal problema y el calentamiento global y desaparición de los recursos naturales para rematarlo, es bastante desolador y provoca que la ciudad de Nueva York sea como la actual, pero con más gente andrajosa durmiendo y viviendo en escaleras, coches o en la propia calle.

Con ese telón de fondo, aparece en escena una empresa, Soylent, que crea diferentes productos: galletas, bollos, granulados, pero uno en concreto, muy barato, y por el que la gente pelea para poder sobrevivir: el Soylent Green.

El duro y la chicaPero no, tampoco la acción va en principio por ahí. El leit motiv de la historia es un asesinato que el protagonista, el Detective Robert Thorn (Charlton Heston), tiene que resolver con la ayuda de un vejete que todavía trabaja con él, Sol Roth (Edward G. Robinson). Mientras van investigando y descubriendo pistas, se van dando cuenta de que están metidos en algo más gordo y el Soylent Green, supuestamente hecho de plancton, también tiene mucho que ver en la trama. Y hasta ahí puedo leer, aunque las mentes más despiertas ya podrán adivinar de qué se trata.

El personaje de Heston, una vez más, es el duro de turno, de dudosa moralidad, pero que demuestra tener sentimientos, aquí con su ayudante Robinson y con la chica, que no podía faltar, aunque sea considerada solamente como parte del mobiliario y el propietario de la casa en la que vive pueda elegir quedarse con ella o tirarla a la calle.

Y hablando de los actores, esta es la última película del veterano Edward G. Robinson, famoso por sus papeles de gangster y que falleció de cáncer unos meses antes de verla estrenada. De hecho, cuando la rodó se encontraba ya bastante enfermo y prácticamente sordo. Hay una escena en la que Charlton Heston llora por Edward G. Robinson. Se dice que la escena es tan real como aparenta (tampoco es que Heston haya sido nunca una maravilla para exteriorizar emociones), ya que Heston era el único en el plató que sabía que Robinson estaba a punto de morir en la realidad.

Edward G. RobinsonNo se puede evitar calificar esta entre otras de las películas distópicas y apocalípticas de Charlton Heston en esa época, la parte media de su carrera, que se apuntaba a todas: El Último Hombre… Vivo (1970), El Planeta de los Simios (1968). Estas 3 son las principales en las que se muestran futuros hostiles y poco agradables.

También habría que hablar de la parte “activista” de la película de denuncia de aspectos que ya antes de esos años se estaba hablando y que hoy en día siguen amenazando el futuro: superpoblación, sobreexplotación de los recursos naturales, excesivas diferencias de clases, etc. Eso habrá que hablarlo por otro lado. Las películas de ficción muestran realidades que algún día pueden dejar de ser ficticias, pero deberíamos hacer algo de caso a los documentales que nos hablan de esos mismos temas y sí muestran imágenes reales, como Una Verdad Incoveniente, de Al Gore.

Para terminar, decir que no estoy seguro de que el paso del tiempo habrá añadido valor a esta película, a pesar de, como vemos, tratar temas que siguen siendo relevantes. Más bien ahora puede verse como una producción de Serie B, con mezclas de cine policíaco, ciencia-ficción, algún romance por medio y bajo presupuesto.

Y una curisosidad. Los Simpson también han comido Soylent Green:

Soylent Green

¿Qué tal sabor tendrá mezclándolo con Spam?

P.D.: Por si acaso aún no habéis caído y pensáis ver la peli, no veáis el dibujo de La Camiseta de los Spoilers.

Enlaces | IMDB | Doblaje

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30 Aniversario de Star Wars

Este año se celebró el 30 aniversario de Star Wars, hace ya unos meses. La saga tiene multitud de incondicionales, y me he encontrado este mural hecho por uno de ellos:

Star Wars Wall

Pinchando en la foto podéis ir a la página original de Flickr en la que el autor ha puesto hechos que sucedieron por aquel entonces, 1977 y una extensa, muy extensa, explicación de qué es cada una de las fotos que se ven en el mural.

Para muy fans.

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Aeropuerto crítica película

Aeropuerto cartel películaTITULO ORIGINAL Airport
AÑO 1970 DURACIÓN 137 min.
DIRECTOR George Seaton
GUIÓN George Seaton (Novela: Arthur Hailey)
MÚSICA Alfred Newman
FOTOGRAFÍA Ernest Laszlo
REPARTO Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Helen Hayes, Van Heflin, Mauren Stapleton, Barry Nelson, Dana Wynter, Barbara Hale, Lloyd Nolan
PRODUCTORA Universal

Los amantes (cornudos también) del buen cine, hemos de agradecer que TVE, emita películas que son hoy ya clásicos indiscutibles.
Nos hallamos ante una película de acción trepidante, de catástofres y aviones que pueden volar por los aires en cualquier momento.

No había en aquellos años en los que se ambiente la película (anteriores al 11-M y al 11-S) que recelar de gente de piel oscura, largas barbas y aspecto árabe, que cogía el avión para hacer turismo o por motivos de trabajo. La acción transcurre a mediados de los años setenta. Nieva mucho y las pistas del aeropuerto de Chicago están impracticables. Un pasajero sospechoso coge un avión rumbo a Roma. Lleva una bomba. El pastel se descubre en el avión y habrá que esperar acontecimientos, que no desvelamos para no aguar la fiesta del espectador.

Lo asombroso del tema es que siendo la película de los años 70, años en los que en España la gente cruzaba la frontera para ir a ver culos y tetas al país Galo, se toquen tomas tan actuales como el aborto, el divorcio, etc.

De hecho, un piloto, casado, está liado con una azafata (la guapísima Jacqueline Bisset), la cual está embarazada. Se plantean tenerlo, abortar o darlo en adopción, con toda la naturalidad. Del mismo modo la mujer del director del aeropuerto visto que su marido dedica más tiempo a su trabajo que a ella y su familia, decide divorciarse de él, al tiempo que le informa que otro hombre ha ocupado ya su lugar (en su cama y en su vida).

Casi 40 años después de su estreno con unos medios limitados (baste ver los efectos especiales), en comparación con la parafernalia a la que estamos acostumbrados hoy en día cuando vemos una película de catastofres, Aeropuerto engancha desde el comienzo, con un ritmo vibrante que nos hace pegarnos a la pantalla, hasta el final. Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, bordan sus interpretaciones, con sus más y sus menos, sobre el desempeño de sus tareas que entran en colisión, merced al musculado guión de George Seaton.

No podemos olvidar a la entrañaba viejecita que se las sabe todas para viajer de balde, con un sinfín de trucos y unos ojos de vivaracha que para sí los quisieran gente con la mitad de años, que aportan a la película el elemento hilarante preciso para aliviar la tensión y descomprimir el ambiente.

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Alternativa 3 (Alternative 3, 1977) [Documental]

Dentro de los Parecidos Razonables entre la realidad y la ficción, hay un género que se queda a medio camino: el de los falsos documentales.

Si el mes pasado hablábamos de otro falso documental, Operación Luna, sobre la llegada del hombre a la luna, hoy traemos este que en su momento trajo mucha cola.

Fue emitido en Junio de 1977 en Inglaterra (en un principio se suponía que sería emitido en el April’s Fools, el día de los inocentes, en Abril, que hubiera tenido más gracia, pero fue postpuesto), en un programa llamado Informe Científico (Science Report) y en España se hizo eco de él el Dr. Jiménez del Oso, que lo emitió doblado en su programa La Puerta del Misterio.

Por si a alguien le interesa, en Google Vídeo lo he podido encontrar en el formato original emitido en España:

El documental trata sobre una oscura trama urdida por los poderes en la sombra. Se supone que los científicos habían llegado a obtener datos que confirmaban que en unos pocos años los recursos naturales de la Tierra se acabarían y el efecto invernadero y la contaminación acabarían con la vida en su superficie.

Demasiado tarde para que la cosa tuviera remedio, se dedicaron a estudiar las diferentes alternativas posibles. La primera, iniciar una vida terrestre pero subterránea fue desechada por inviable, así como la segunda, consistente en modificar de alguna manera la atmósfera y el CO2 que podía causar la muerte de los seres vivos en la Tierra.

Así sólo quedo la Alternativa 3 que da nombre a la operación: intentar buscar otro planeta al que se pudiera trasladar la población terrestre.

Con la carrera espacial como simple tapadera, los gobiernos ruso y americano en coalición crearon una base lunar en la cara oculta de nuestro satélite y se dedicaron a planificar todo desde allí, estudiando el planeta elegido para ello: Marte.

Alternativa 3La opinión pública fue engañada haciéndoles pensar que Marte era un planeta inhóspito, incapaz de albergar vida, pero estos investigadores, tirando del hilo (tras seguir una pista que encuentran investigando para otro reportaje, el de la fuga de cerebros) y siguiendo un reguero de informadores secretos, misteriosos asesinatos y desapasiones repentinas, van recopilando información, llegando incluso a decodificar un vídeo de una de las misiones a Marte en el que se ve que el planeta realmente posee agua, bonitos paisajes e incluso… vida.

Todo lo que nos enseñan y estas teorías conspiratorias las avalan, obviamente, con información real que corrobora todo lo que dicen: tremendas inundaciones, terremotos, sequías, volcanes, el efecto invernadero… todas esas cosas que vemos que suceden año tras año desde hace mucho tiempo.

Es destacable la entrevista a un profesor alarmista que puso sobre aviso en 1957 y no le hicieron caso, pero al que luego tuvieron que pedir ayuda y consejo ante lo que veían que podía ocurrir: la llegada de una nueva era glaciar. También aparece una especie de espía de lo más estrambótico, dispuesto a colaborar pero extrañamente alterado al día siguiente. O un alterado astronauta, que participó en alguna de esas operaciones espaciales y que ahora vive “incómodamente” retirado. Este caso es especialmente hilarante, porque el actor que interpreta a este supuesto astronauta, Shane Rimmer, ha trabajado incluso con Kubrick (Teléfono Rojo) y ha tenido una dilatada carrera en el mundo de la ciencia ficción en cine y televisión, con diferentes papeles hasta la actualidad, participando desde Star Wars hasta Batman Begins.

En fin, este documental data de 1977 y no sé cómo estarían las cosas por aquel entonces. Hoy están bastante peor, así que si en aquel momento el desastre era inminente e irreversible, no sé donde podríamos estar ahora.

A los autores hay que reconocerles su fuerza de voluntad, pero los actores para interpretar a los distintos personajes son muy malos. Hay un intento de cámara oculta que resulta patético y la naturalidad de los encuentros con los tipos que les van dando información brilla por su ausencia.

Está bien la idea de que durante todos los años de la Guerra Fría todo se mantuvo en calma porque realmente estaban colaborando en la sombra, seguro que por aquel entonces más de uno lo vería claro, pero al menos hoy en día es difícil que cuele.

Y el supuesto vuelo sobre la superficie de un Marte muy diferente al visto otras veces y muy sospechosamente parecido a la Tierra es de lo más ingenuo, más aún cuando se supone que está grabado en Mayo de 1962, y la odisea de cómo consiguen la cinta, el circuito para descodificarla, etc., digno de una peli de Hitchcock. De hecho creo que la he visto.

En el momento en que se emitió en un programa supuestamente serio, las críticas y la alarma cundió y la cadena de televisión se vio obligada a rectificar seguidamente y reconocer que todo había salido de la imaginación de los guionistas, que era una gran farsa.

Pero como siempre, el misterio continuó, ya que al poco tiempo los autores publicaron un libro en el que aseguraban que todo era rigurosamente cierto, que no se habían inventado nada y todo lo visto era real.

Yo hay sólo veo una luz sobre todo esto, la que refleja la pasta que sacarían con todo ello, sembrando la duda. De todas formas, no vamos a ir a poder ver la cara oculta de la luna para ver si hay allí alguna base de operaciones, así que por la cuenta que nos trae lo mejor sería que nos dedicásemos a intentar cuidar un poco más nuestro planeta, porque igual sí que hay solución todavía.

Más Información | IMDB | Wikipedia

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El Último Hombre … Vivo (The Omega Man, 1971)

The Omega ManDirección: Boris Sagal
Reparto: Charlton Heston (Robert Neville), Anthony Zerbe (Johnatan Mathias), Rosalind Cash (Lisa), Paul Koslo (Dutch), Lincoln Kilpatrick (Zachary)
Guión: John William y Joyce H. Corrington, sobre la novela de Richard Matheson
Producción: Walter Seltzer, para Warner Bros
Música: Ron Grainer
Fotografía: Russell Metty
USA 1971

Tenía que ver esta película por varios motivos. El primero, porque es uno de los clásicos de la ciencia ficción apocalíptica setentera. El segundo, porque se basa en una de las novelas de ciencia ficción también clásicas en su género, firmada por Richard Matheson y escrita en 1958, que he aprovechado para leer en estas vacaciones veraniegas. El tercero, porque se ha vuelto a poner de moda por el esperado remake que está a punto de estrenarse, protagonizado por Will Smith (anteriormente el hombre designado para esta película fue el de Gobernador Schwarzenegger). Tras muchos años y muchos guiones pululando de productora en productora, esta nueva y en apariencia espectacular versión seguro recaudará una buena cantidad cuando se estrene, para lo que tendremos que esperar a finales de año (ya se sabe, la Navidad y las superproducciones, siempre unidas por el interés consumista). Y cuarta y última, porque había leído críticas bastante malas respecto a esta adaptación (justo al contrario que con la novela) y ya se sabe, la curiosidad mató al gato.

(ACTUALIZACIÓN: Crítica de la nueva versión de Soy Leyenda)

Al final tengo que decir que no ha sido para tanto, no es tan mala, aunque los puntos buenos, realmente son bastante buenos, y los malos son igualmente malos, por lo que casi diría que no compensa. El que no la vea no se pierde nada.

Esta película en realidad es un remake de El Último Hombre sobre la Tierra, película que en 1964 protagonizó Vincent Price y ambas están basadas, como decía, en la novela de Richard Matheson titulada Soy Leyenda (I’m Leyend). Con ese nombre de la novela original será con el que se estrene este mismo año la nueva versión de la novela, de la que ya se han presentado algunos trailers impresionantes, título que no había tenido ninguna de las versiones anteriores. Bueno, excepto una supuesta versión española, un corto rodado en 1967 por Mario Gómez Martín y del que no he conseguido encontrar nada excepto la reseña de IMDB al respecto ¿?.

Uno de los malosEn su momento la principal pega que se le puso a esta película es que asumiera tantas diferencias con la novela original, que era mucho más profunda. Además, todos los temas tratados en la época que tuvieran que ver en mayor o menor medida con la Guerra Fría a la que estaban sometidos los norteamericanos y los soviéticos, tenían mucha más trascendencia en una población que vivía atemorizada ante una probable guerra nuclear.

Quiero atribuir a esa época y a esos motivos el hecho de que la película sea tan ingenua en muchos aspectos. Efectivamente, la situación viene dada por una guerra bacteriológica generada entre la URSS y China (igual que en la novela original) en 1975. La acción comienza en 1977, donde Charlton Heston es un profesor superviviente que en un principio cree estar sólo en el mundo, únicamente rodeado por unos extraños seres mutantes que sobreviven e intentan fulminarlo cada noche. Un tal Matias es su líder en la despoblada ciudad de Los Ángeles y los dirige en sus correrías nocturnas (no soportan la luz) en las que se dedican a destruir todo lo relacionado con la ciencia y ya que han visto al profesor, a fastidiarle un poquillo también.

Resulta que este tipo es el único que ha sobrevivido porque justo antes de todo se había inyectado una vacuna suya experimental (como vemos en alguno de los flashback), mira que casualidad, que le ha hecho inmune, lo malo es que está solo para luchar contra los malos, por lo que aguantará mientras pueda, y cuando ya todo está perdido… como es el bueno, se tiene que librar de alguna absurda y desconcertante forma.

Empecemos por lo bueno de la película. De lo mejor es que va al grano. No gasta el tiempo en mostrarnos como se ha llegado a la desesperada situación en la que se encuentra el protagonista, ni a dar sesudos detalles al respecto. Los posteriores flashbacks explican alguna cosilla, pero desde un primer momento ya vemos a Heston solo por las calles de Los Ángeles, metralleta en mano, aunque aún nos quede por saber qué ha ocurrido realmente.

El inicio es ya muy bueno, con Heston conduciendo por unas sucias calles semidesiertas, al ritmo de una música bucólica, cuando, de repente, y sin venir a cuento, para el coche, saca una metralleta y empieza a disparar a lo que adivinamos como una silueta que vemos a través de la ventana de un edificio… y entran los créditos iniciales mientras él reinicia su marcha por unas calles desiertas… o no tanto, pero sin mucha vida.

Te estiras menos que el portero de un futbolínEntre los aspectos ridículos de la película está “La Familia” de mutantes de Matthias, que es un claro ejemplo de secta, que en este caso se da en situaciones extremas, pero que tenía su germen antes de la hecatombe, como vemos en las ideas que el propio Matthias, sin mucho entusiasmo, da por la televisión en algunos de los flashbacks y por extensión, se da también en nuestros días y en nuestra sociedad, a la vez que nos recuerda pasados oscuros medievales donde todo era mucho más parecido a lo que nos cuenta la película, juicios y condenas incluidos, amparándose en las mentes débiles de la gente desesperada.

En los momentos en que empieza a disparar sin ton ni son, no he podido evitar que viniera a mi mente esa imagen de un Heston bastante más mayor y demacrado, con rostro duro, y elevando un arma en sus manos mientras exclamaba aquello de: “sólo me la quitarán de mis manos frías y muertas” ante su imparciales seguidores de la Asociación del Rifle que él presidía.

Volviendo a las cosas reseñables, son curiosas esas imágenes iniciales a las que hacíamos referencia, y otras que se dan más adelante, de las calles de Los Ángeles vacías, un recurso que después hemos visto repetido en películas como Abre los Ojos (Madrid) y su remake, Vanilla Sky (Nueva York) o recientemente en 28 Semanas Después (Londres), por citar algunas. En el caso de El Último Hombre Vivo, esas escenas tuvieron que ser rodadas durante los fines de semana, a primera hora de la mañana, donde las calles ofrecían prácticamente ese aspecto vacío.

Dentro de las moralejas que hay que sacar de esta historia, aparte de no hacer experimentos con virus mortales, que dejan el planeta hecho unos zorros, es que no siempre los buenos y los malos son tan fáciles de distinguir. Aquí sabemos que el bueno es el Doctor Neville que interpreta Heston y el malo Matthias, el sectario pero supuesto pacifista. Todos quieren acabar con el doctor, mientras él se dedica a repartir estopa a diestro y siniestro. Si realizaran un trailer de esos engañosos que están tan de moda, seguro que no sería difícil hacer parecer al personaje de Heston un Rambo loco y racista dispuesto a erradicar la vida humana de la faz de La Tierra. Sin embargo los fines de Matthias, una vez eliminado él, son de lo más sencillo, natural y pacífico: prácticamente, vivir en paz con la naturaleza, aunque de paso, como cualquier malo que se precie, dominar el mundo y hacer lo que venga en gana.

Por diversas webs se puede leer que la mayor parte de las películas de zombies después de esta son prácticamente iguales. La Noche de los Muertos Vivientes es lo mismo, y 28 Días Después,… lo que pasa es que eligieron zombies en vez de vampiros, pero la mala leche de unos y otros es similar. Cualquiera de ellas, en todo caso, es más recomendable y está mejor realizada, a pesar de que los malos tengan menos inteligencia y vistan peor. Según mi opinión, en la novela sí que se pueden asimilar todos esos zombies a los vampiros de Soy Leyenda, pero la pandilla de monjes albinos que aparecen en El Último Hombre Vivo no tienen similitud con ellas, ni con la novela original.

El último hombre... vivoAdemás hay que decir que en efectos especiales se han gastado menos que un ciego en novelas. El presupuesto que se manejó fue bastante bajo y supongo que la mayoría se la llevaría el prota. El resto del dinero se lo han gastado en lentillas blancas, polvos de talco y hacer fogatas. Tampoco se han esmerado, según parece, en ser fieles a la novela original, más bien al contrario, la han vapuleado sin compasión. Otro aspecto que demuestra el poco entusiasmo: el doble cuando va en la moto se nota a la legua, supongo que es lo que tenían en los años 70, pero no está de más intentar disimularlo un poco o al menos que se parezca algo más al actor.

Cuando aparecen “el resto de humanos” da la impresión de que de un momento a otro va a aparecer por una esquina Austin Powers y se van a poner todos a bailar a un ritmo de música guatequero. Bueno, eso con la chica, el chico parece salido de Hair o la película de Woodstock que Heston ve en un cine al inicio de la historia mientras piensa en voz alta: “Ya no se hacen películas como las de antes” (véase la doble ironía).

Lo que más me ha gustado es esa importancia que cobra la ciudad a pesar de estar vacía, o precisamente por eso, la colorida fotografía, que por ejemplo se acentúa en ese principio con el coche rojo sangre conducido a toda velocidad por las calles, pero también resulta algo ridículo en los trajes de los “buenos”, que pretenden contrastar con la patética apariencia de los “malos”, con sus estrambóticas tunas y sus gafas de sol. El traje con chorreras que se pone Heston o los que luce su compañera, parecen fuera de lugar, así como la recargada decoración de su apartamento.

Yo soy muy simple, me reí cuando Heston dice: “la policía nunca está cuando se la necesita”, pero la psicología del personaje no creo que esté muy bien llevada. En la novela se le ve más desesperado, aquí se entretiene en hacer bromas, aunque intentar en cualquier sentido comparar la novela y la película, con lo diferentes que son, es absurdo. Tan solo tienen en común la base inicial del hombre aislado entre muertos vivientes.

Simples actos como hablar con el vendedor de coches y arrancar su calendario de 1975 o sentarse sólo en el cine a ver la película sobre el concierto de Woodstock o al salir del cine, cuando oye sonar todos los teléfonos, dan una idea del estado en que se encuentra el personaje. Pero entonces aparecen los encapuchados y lo joden todo, hablando claro.

Después se empiezan a recordar escenas de la guerra bactereológica chino-rusa que se supone fue el origen y la causa de la infección que ha convertido a los humanos en esa especie de zombies/vampiros mutantes y se pierde todo lo que se había iniciado, centrándose la trama en la tortuosa relación entre Neville y el malvado y patético Matthias.

Aquí os dejo el trailer, donde le podemos ver a Heston con su compañero de ajedrez, Julio César y en algunas de sus correrías con los miembros de “la familia”, y no son mafiosos. Incluso se adivina su idilio con la chica de color, algo que por aquella época no era muy común. Las relaciones interraciales no estaban a la orden del día. Eso sí, dura 3 minutos pero jode la película entera, si no lo he hecho yo ya con mis comentarios…

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La conversación crítica película

La conversación crítica películaAño: 1974
Dirección: Francis Ford Coppola
Intérpretes: Gene Hackman, John Cazale, Allen Garfield, Frederic Forrest, Cindy Williams, Harrison Ford.
Guión: Francis Ford Coppola
Música: David Shire
Fotografía: Bill Butler
Duración: 109 min.
País: USA
Género: Drama, Thriller

El mismo año que Coppola presenta la segunda parte de El padrino estrena a su vez La Conversación. Ambas películas fueron seleccionadas a los Oscar como mejor película. La primera se llevó el Oscar y la segunda la Palma de Cannes.
Esta película es como un puzzle o un cuadro que a primeras te deja indiferente, pero que tras un estudio minucioso se van apreciendo las distintas capas y texturas. En este caso es la conversación del inicio a la que se vuelve una y otra vez, y cuyo significado va cambiando hasta un final sorprendente.

Lo mejor logrado, es el clima de suspense y el climax final, angustiante, merced a una meritoria actuación de Gene Hackman, el cual da vida a Harry Caul un ser introvertido y acomplejado que teme comunicarse con los otros, contarles algo de su vida y que se pone muy nervioso cuando alguien le hace preguntas personales tan triviales como en qué trabaja, o qué le gusta hacer en su tiempo libre, lo cual hace que una mujer de la que está enamorado ponga pies en polvorosa o bajo tierra.

En la conversación inicial graban la charla de una pareja. La grabación se hace a cambio de una buena suma de dinero. A medida que Harry va depurando la grabación comprueba que hay algo turbio en ella, algo que no huele bien, y Harry que ya está curado de espanto, porque después de una grabación suya, tres miembros de una familia fueron degollados no sabe qué hacer, si dar parte o callarse.

La pregunta es qué parte de responsabilidad tiene él en esas muertes. Del mismo modo cabe preguntarse hoy que papel juegan muchos periodistas del corazón juegan en el infortunio de muchos famosetes del tres al cuarto, que renuncian a su intimidad a cambio de dinero y luego ya no pueden poner freno y se ven acosados reivincado estos su derecho a informar.

Hackman años más tarde interpretaría un personaje obsesionado con la seguridad en Enemigo público donde se las sabía todas para escapar del gran hermano que osaba controlar sus movimientos. En La conversación no lo tiene tan fácil y al final tras poner todo patas arriba sigue como al comienzo, ya que el virus de la soledad y el miedo ya forma parte de él, y no precisa de micros.

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