TITULO ORIGINALCruising
AÑO 1980
DURACIÓN 106 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR William Friedkin
GUIÓN William Friedkin
MÚSICA Jack Nitzsche
FOTOGRAFÍA James A. Contner
REPARTO Al Pacino, Paul Sorvino, Karen Allen, Richard Cox, Joe Spinell, Don Scardino

Steve es un ambicioso policía que quiere llegar a ser inspector. El Capitán Edelson le ofrece un caso. Deberá internarse en el ambiente gay nocturno de la ciudad de Nueva York para atrapar a un asesino en serie que en las últimas semanas ha despachado a media docena de clientes de estos locales.

A Steve su nuevo oficio de infiltrado le cuesta, dada su condición heterosexual y no puede contarle nada a su pareja, Nancy, y la cosa se va enfriando entre ellos con el paso del tiempo corriendo el riesgo de irse todo al traste.

Steve alquilará un apartamente en la zona de la movida. Cogerá sus jeans ajustados, sus camisetas negras de camionero y adoptará sus poses más gay a fin de que el asesino se fije en él.

Al no conocer estos ambientes, no puedo afirmar si el escenario representado en esos “locales de cuero” son creíbles o no, pero lo cierto es que allí todos los presentes tienen algo que “dar o recibir“, prestos al roce, al frote, a la caricia, y al poco palique, pues suelen tener a menudo la boca llena. Todos buscan sexo, de una manera explícita, sin conversaciones estériles que no acaben en un catre, y también hay tiempo para el cuerpo a cuerpo o para exploraciones anales con el puño y demás variantes que harán las delicias de los amantes de este tipo de prácticas sexuales. El ambiente gay a algunos espectadores les desagradará, pero a mi me pareció sórdido, además los caretos de los allí presentes son propios de asesinos o de maniacos sexuales, así que irse con ellos parece una apuesta arriesgada, máxime si muchos llevan cuchillos y entre los objetos que portan se cuentan las esposas y las cuerdas, con las que poder hacer sado.

A mí “Cruising” no me ha resultado lenta, y me ha gustado, tanto su ritmo, su sordidez como el desarrollo de la historia. El marco, “el ambiente gay” resulta desasosegante, y funciona bien como película de intriga. Además, su final abierto, atiende más a mostrar una situación, la peligrosidad de ciertos encuentros sexuales con tipos capaces de lo peor, que a mostrar un asesino que se nos presente a las primeras de cambio y nos dediquemos a seguir sus actos maniacos.

Han pasado casi tres décadas desde su estreno, y me parece que sería una apuesta arriesgada en su día y lo seguiría siendo hoy, pues pocas películas policiacas (y no policiacas), cuentan con la temática gay como telón de fondo donde situar a los personajes, y de hecho se podrían contar con los dedos de una mano las películas similares que llegan a la gran pantalla, máxime con actores populares como Al Pacino (que por aquel entonces ya había protagonizado dos partes de El Padrino), Paul Sorvino, o Karen Allen (Starman).

El director y guionista de Cruising es William Friedkin (La presa, Bug)

Al Pacino | Insomnio | El mercader de Venecia | 88 minutos | Asesinato justo

Dirección: Clint Eastwood
Reparto: Clint Eastwood, Marsha Mason, Everett McGill, Bo Svenson, Mario Van Peebles, Moses Gunn, Tom Villard
Guión: James Carabatsos
Música: Lennie Niehaus
Fotografía: Jack N. Green
USA, 1986

En la historia del cine hay películas que se proponían mucho y se quedaron en nada y que paradójicamente por ello se recuerda, y hay otras que sin pretender gran cosa han logrado hacerse un hueco en ese gran recuerdo colectivo.

En el caso de El Sargento de Hierro, si uno busca frases famosas de películas seguro que se encuentra unas cuantas del guasón del protagonista, como aquella en la que se presenta a sus chicos: “Soy el Sargento de artillería Highway: He bebido más cerveza, he meado más sangre, he echado más polvos y he chafado más huevos que todos vosotros juntos, capullos.”

Y quien mejor que un duro entre los duros para interpretarlo, Clint Eastwood, con su cara de palo típica. Ya sabéis que Eastwood sólo tiene 2 registros: con sombrero y sin sombrero. Aquí usa el de sin sombrero y se mete en la piel de una especie de Harry el Sucio perteneciente al ejército, siempre metiéndose en broncas, con un problema en lo que a la cadena de mando se refiere y tratando de meter en vereda a una cuadrilla de mocosos holgazanes a los que tiene que adiestrar para la guerra.

Frases y situaciones ingeniosas, un poco de mala leche, la rectitud del ejército americano,… y una historia de amor metida con calzador que suaviza un poco la dureza de la historia, es lo que ofrece esta película, todo ello en las dosis apropiadas y sin nada que cambiara la historia del cine, excepto dejarnos a un personaje excéntrico, desproporcionado, maleducado y ocurrente, vamos, de los que uno no quiere tener como vecino.

Si alguno se toma al pie de la letra las cosas que suceden en esta película quizás vea ensalzados valores no muy ensalzables, todo aquello del macho (americano en este caso, no ibérico) malhablado, pendenciero, mujeriego y duro de pelar. No hay que tomarse las cosas de forma tan seria. Muchas películas de guerra son antibelicistas, y esta podría ser una de ellas y este sargento tocapelotas y algo capullo no puede ser ejemplo de comportamiento para nadie, ¿o alguno queréis ser como él de mayor? La peli hay que tomársela a guasa, reírse con las frasecitas de marras que suelta el tipo cada poco y ya está.

Hablando de películas de guerra y similares, yo le encuentro muchas similitudes con La Chaqueta Metálica. Salvando las distancias, en ambas tenemos a unos sargentos de hierro, de hecho cuentan que Clint Eastwood fue la primera opción para interpretar al Sargento Hartman, pero se negó por la dureza del personaje. Un acierto a la postre, pues se nos reveló a Lee Emery como el hombre hecho para ese personaje.

Las dos películas se reparten entre la instrucción en la primera parte y la guerra en la segunda. En La Chaqueta Metálica la parte de la guerra es más amplia, pero en El Sargento de Hierro también está presente.

Entre los actores secundarios el que más minutos tiene es Mario Van Puebles, un tipo al que no logro identificar muy bien. Es famosete por películas de tipo duro, pero no recuerdo ni una sola a destacar… supongo que será porque no la ha hecho, pero mi memoria es frágil y revisando su filmografía no lo recuerdo en ninguna de ellas, así que si alguno quiere dejar su impronta en los comentarios destacando las aptitudes artísticas de este ser humano, para ello los tiene. Si no hay nadie que lo haga, lo entenderé.

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Título original: Rendez-vous
Director: André Téchiné
Año:1985
Duración: 1 hora 20 minutos
País: Francia
Categoria: Drama, Romántica
GUIÓN Olivier Assayas, André Téchiné
MÚSICA Philippe Sarde
FOTOGRAFÍA Renato Berta
Reparto: Juliette Binoche, Lambert Wilson, Wadeck Stanczak, Jean-Louis Trintignant, Dominique Lavanant, Anne Wiazemsky

Más de 20 años tiene esta joyita del cine galo. Llama la atención la sexualidad de la película. Una Juliette Binoche de poco más de 20 años que muestra su cuerpo desnudo una y otra vez, desnudando igualmente su alma.

Ella, Nina, es una actriz joven que se ha trasladado a Paris, no le gusta dormir sola y no le cuesta encontrar hombres con los que pasar la noche, los mismos que luego le reprochan y escupen su sexualidad patente y su procacidad.

Nina dejará a su actual pareja para mudarse a un caserón destartalado que le consigue, Paulot, el empleado de una inmobiliaria que cae enamorado de Nina y su fogosidad. Casualmente Nina no quiere saber nada de él en cuestión sexual, porque lo quiere demasiado y quiere ofrecerle su corazón, no su cuerpo, manteniéndolo a pan y agua.

El tercero en cuestión es el hombre que comparte piso con Paulot, un apuesto joven, también actor atormentado por la muerte de su amada.
El actor desea a Nina y esta le acepta, pero él muere poco después y Nina tratará de sobreponerse a la tragedia.

Finalmente aparece un director teatral amigo del actor que ofrecerá a Nina el papel de Julieta en la representación de la obra de Shakspeare.

En los ochenta minutos que dura, no hay tregua, ni concesiones al amodorramiento, espoleado el interés por una sexualidad explícita que incluye una felación de Nina a Paulot con la que esta salda su deuda con su interesado benefactor.
Lambert Wilson borda su papel de actor atormentado, depresivo que solo encontrará alivio con su propia muerte.

Los celos, la posesión espiritual del otro, el amor loco, los malos entendidos, el sentimiento de culpa, el suicidio como expiación, son algunos de los temás presentes en la obra, abordados con rotundidad y unas interpretaciones que hacen creible y vigorosa esta histoia dramática.

Dirección y Guión: Savage Steve Holland
Reparto: John Cusack, David Ogden Stiers, Kim Darby, Demian Slade, Amanda Wyss, Curtis Armstrong, Scooter Stevens, Diane Franklin, Vincent Schiavelli
Música: Rupert Hine
Fotografía: Isidore Mankofsky
USA 1985

Hace más de 20 que John Cusack protagonizó esta película, y cuando lo vemos en algunas de sus apariciones actuales (1408, por ejemplo), se le ve más mayor, pero no parece que hayan pasado tantos años. Así de bien se conserva, además de mantener su gran presencia ante una cámara, ya sea una interpretación más dramática o más cómica, como es el caso que nos ocupa.

Y eso que el argumento no es para echarse a reír, ya que cuenta las desventuras de un tipo al que su novia le deja y decide que no hay manera de sobrellevarlo, únicamente ve el suicidio como salida. Desde la primera escena de la película, viendo como tiene forrada la habitación o el armario con fotos de su chica, nos podemos imaginar lo que supone para él perderla. Aún así sus intentos de suicidio son poco convincentes y accidentados.

Obviamente el tono en que se cuenta hace que la cosa no sea tan melodramática como otros títulos (me viene a la cabeza la formidable Wilbur se quiere suicidar, tan distinta a esta) y los devaneos suicidas del protagonista son para echarse unas risas a gusto.

Para intentar reconquistar a su chica tendrá que ganar al chulo con el que se ha ido, el capitán del equipo de esquí, retándole al un descenso arriesgado por una colina. Para ello contará con la ayuda del pazcuato de su amigo Charles y de una chica francesa de intercambio, con la que “acercará mucho posiciones”.

El caso es que todo esto en la película no se cuenta de una manera normal, sino con unos toques surrealistas que hacen de ella una rareza muy recomendable.

Por ejemplo, podemos ver al amigo esnifando gelatina o pensando en esnifarse toda la nieve de la colina (en sentido literal, nieve de la que cae del cielo), las coloridas y extrañas comidas de la madre son imprevisibles y los detalles en cada escena son para verlos con detenimiento.

Pero hay personajes que llaman la atención. Por ejemplo, el desquiciado chaval que reparte los periódicos, que tras atormentar al padre todos los días, se pasa media película persiguiendo al protagonista gritándole: “¡Quiero mis 2 dólares!”, ya que un día no le paga el precio de los periódicos. Incluso llega a juntarse toda la camarilla de repartidores, que parecen los ángeles del infierno, con sus bicis detrás del prota.

Es curioso también el callado hermano pequeño, un genio que se dedica a las cosas más inverosímiles, desde fabricar un mortífero láser, ligarse a chicas de dudosa reputación o construirse una lanzadera espacial.

También se repite constantemente una escena. Cada vez que Cusack se para en un semáforo aparecen a su lado una pareja de orientales en un coche con unos altavoces en el techo, retándole a una carrera y retransmitiéndola por los altavoces uno de ellos. Al final él siempre acaba chocando contra el gordo de la película de Porky’s (el propio Porky), para quien además acabará trabajando.

Hay otras cosas que ya se pasan de poco creíbles, como la clase de geometría, en la que los alumnos la gozan con las complicadas explicaciones del profesor y las duras tareas que les pone. La escena acaba con el profesor diciéndole al protagonista que se ha enterado de que ya no sale con su novia, si le importa que salga con él. A partir de ese momento, todos le preguntan lo mismo, hasta el mismísimo Pablo Mármol de los Picapiedra desde la televisión (que en los ratos familiares tienen en la chimenea, retransmitiendo unos troncos quemándose).

Por cierto, que el actor que interpreta a ese profesor es el inconfundible fantasma del metro de Ghost que enseña a Patrick Swayze. El amigo del protagonista también es famoso como cómico, pero sobre todo por su papel posterior en la serie “Luz de Luna”.

La historia paralela que vive al principio la “francesita” de intercambio que vive en la casa de enfrente es para partirse. El hijo de la vecina es un apocado y obeso joven que no sale de casa. La madre le ha traído a la estudiante de intercambio con intenciones de que su hijo se la beneficie, y él se lo toma al pie de la letra, acosándola y tratándola como si fuese suya, mientras su madre le jalea para que lo haga.

Aparte a lo largo de la película también nos encontramos con una parodia de Frankenstein y las surrealistas escenas de animación salidas no se sabe muy bien de donde, empezando con los créditos iniciales.

Como siempre me gusta contaros alguna pequeña curiosidad de las que aparecen en la película, y en esta hay una muy curiosa que he leído. Hay un momento en el que la protagonista, Beth (Amanda Wyss), acude a una fiesta con el chulo de su nuevo novio y sus amigos. Si nos fijamos detrás de ella va un tipo con un jersey idéntico al de Freddy Krueger. Esto puede no parecer muy curioso, incluso habrá quien no se dé cuenta de que es el mismo jersey, pero está puesto ahí a propósito. La película de Pesadilla en Elm Street se había estrenado tan solo un año antes, con gran éxito del personaje en cuestión, no tanto como llegaría a conseguir con las posteriores y al parecer interminables secuelas. Pero es que la carambola va más allá porque la actriz Amanda Wyss participó en esa primera entrega de Pesadilla en Elm Street, y para colmo interpretaba a ¡la primera víctima de Freddy Krueger! Un pequeño homenaje.

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Título original: My Beautiful Laundrette
Año: 1985
Duración: 103´
País: Gran Bretaña
Director: Stephen Frears
Guión: Hanif Kureishi
Música: Stanley Myers & Ludus Tonalis
Fotografía: Oliver Stapleton
Reparto: Daniel Day-Lewis, Roshan Seth, Saeed Jaffrey, Gordon Warnecke, Shirley Anne Field
Productora: Channel Four Films / Working Title Productions

Llevaba ya un tiempo con ganas de ver esta película y la de Mi Pie izquierdo, ambas protagonizadas por Daniel Day-Lewis que ofrece un recital en su última interpretación Pozos de ambición (de la que os hemos hablado ya por partida doble). De momento me conformaré con haber visto Mi querida lavandería. En la portada del DVD se nos dice que se llevó el guión a la mejor película en 1985.

La temática para esos años es cuando menos transgresora. Se centra en la relación que mantiene Omar, un hombre joven Pakistaní criado en Reino Unido y un macarrilla de la zona llamado Johnny, enrolado en una banda de gamberros destrozadores. Ambos se conocen desde la época escolar y el ambicioso Omar logra a través de un tío empresario de trazos gangsteriles, regentar una lavandería. Los dos muchachos recién iniciados en la vida adulta, se desean y se aman, a su manera, dado que no hay bonitas palabras por medio, ni puestas de sol enternecedoras, sino edificios ajados, que vibran cuando pasan los trenes a escasos metros de los balcones y un cielo plomizo y acerado que escupe lluvia en sus rostros. Aunque a veces no sólo llueve agua sino también mamporros, y entonces es la sangre la que lame el bordillo con su hálitos viscoso.

La estética de la película es feísta tanto como lo es la fotografía (que pretende y lograr mostrar un paraje hostil, desapacible, urbano y barriobajero). Omar, verá cumplidos sus ambiciosos sueños de ser alguien, de triunfar, de conseguir dinero, desoyendo los consejos de su padre, con el que convive, aquejado éste de algún mal que lo tiene en la cama postrado, el cual quiere que su vástago estudie y se prepare, adquiera conocimientos y pueda llevar una vida decente y legal. Su tío a pesar de estar casado y tener varias hijas, y sin tener muy buen concepto de los británicos, no tiene reparos en retozar cuando puede y cuanto puede con una señora británica de piel blanca y finos modales, algo que no pasará desapercibido para su cornuda mujer y que finalmente se volverá en su contra.

Queda evidente el desarraigo que aqueja a los inmigrantes que tratan de labrarse un porvenir en tierra extraña, y el de las nuevas generaciones que a pesar de mantener su cultura y tradiciones, sin haber pisado curiosamente nunca su lugar de origen, van relacionándose ya desde pequeños, en el colegio con los lugareños. La relación homosexual que mantienen Omar y Johnny es un ligero esbozo, nada explícita, que tiene menos peso de lo que un principio se podría presuponer, ya que lo subyace y aflora es la desmedida ambición de Omar y la conciliación de la misma con su amor hacia Johnny al que tiene como ayudante. La dirige Stephen Frears creador de obras reseñables tales como The Queen, Alta fidelidad o The Van.

TITULO ORIGINAL One From the Heart
AÑO 1982
DURACIÓN 100 min.
PAÍS . USA
DIRECTOR Francis Ford Coppola
GUIÓN Armyan Bernstein & Francis Ford Coppola
MÚSICA Tom Waits
FOTOGRAFÍA Vittorio Storaro & Ronald V. Garcia
REPARTO Nastassja Kinski, Frederic Forrest, Teri Garr, Rebecca de Mornay, Tom Waits, Raúl Juliá, Lainie Kazan, Harry Dean Stanton, Allen Garfield
PRODUCTORA Columbia Pictures presenta una producción American Zoetrope

Francis Coppola siempre ha atendido a su corazón, tratando de superarse a sí mismo, de dar lo mejor de sí, de marcarse sus propios límites. Corazonada es una plasmación de todo esto. Para rodarla Coppola decidió traer sus estudios Zoetrope a Los Ángeles, tras comprar unos terrenos. Allí pensaba rodar sus películas como se hacía en los años cuarenta. Estaría todo bajo control, sin depender de las inclemencias climatológicas. Los actores y actrices serían de reparto y podrían colaborar en las siguientes películas que Coppola rodara. Todo esto se nos cuenta en los extras del DVD de más de dos horas de duración. El rodaje de Corazonada fue accidentado. Un pase ciego, que era visionado por los propietarios de los cines un par de meses de su estreno, se filtró y apareció una crítica de la película en un periódico de gran tirón poniéndola a bajar de un burro. Eso hizo que la productora se echara para atrás y Coppola tuviera muchos problemas para encontrar financiación. Se redujeron los sueldos a la mitad y finalmente fue un multimillonario empresario el que puso el dinero necesario sobre la mesa para poder acabar el film.

Se construyeron espectaculares decorados para la película, que recreaba Las Vegas. También se construyó un aeropuerto y un avión, se emplearon toneladas de luces de neón para generar el ambiente requerido. La película con todos estos antecedentes fue un rotundo fracaso y Coppola rodaría luego siete películas más con las que saldaría la deuda con el empresario a fin de que Zoetrope no cerrase (Peggy Sue se casó, Drácula…).

Corazonada es una historia de desamor, de una pareja que el día de su cuarto aniversario coincidiendo con el 4 de Julio deciden también independizarse, el uno del otro. Tras tirarse los trastos a la cabeza y cantarse las cuarenta, ella, Franny deja la casa de él y conoce poco después a un apuesto hombre con porte de galán (Raul Julia). Él, Hank, por su parte hace lo propio y queda prendado de una joven bailarina (una jovencísima Natassa kinski). Desde el momento de la ruptura las existencias de la ex-pareja corren senderos paralelos. Se enamoran de otros, con los que se besan, se rozan y acaban acostándose. En parte porque así lo desean y en parte para minar el ánimo del otro.

Corazonada no es un musical al uso, en el sentido de que los protagonistas no cantan (como en Molin Rouge, Cotton Club, Cabaret, Chicago) sino que a través de la banda sonora, Tom Waits (que la compuso íntegramente) y otra voz femenina a duo, ponen la voz y la música a las circunstancias que viven Hank y Franny, recreando su situación en cada momento: la ruptura, el nuevo enamoramiento, el perdón, la reconciliación, etc.

Coppola mezcla cine, televisión y teatro bajo un formato visual que trata de ser espectacular y novedoso. Se rodó en 1982 y Coppola sabía el riesgo que corría con el material que tenía entre manos. Más allá de los experimentos y de las vías que pudiera iniciar, la película debe juzgarse en tanto si logra emocionar o no con la historia de amor-desamor de su pareja protagonista.
Me ha gustado mucho la escena del baile en plena calle, con una bonita coreografía, el tango que se marcan en el salón, el uso de la fotografía del maestro Storaro, alternando rojos, naranjas y azules, según la situación, también las escenas entre bambalinas merced al uso, de nuevo, de la luz. Pero en cuanto a la historia está tan lastrada por su ñoñez que como el calabobos es una fina lluvia que para nada ha calado mi ánimo. La he visto interesado por las circunstancias que envolvieron su creación, por la ilusión y compromiso de tanta gente que puso su director en su confección, pero mi asombro pasados unos días desde su visionado no se ha convertido en reconocimiento, desgraciadamente.

AÑO 1987
DURACIÓN 104 min.
PAÍS: CHINA
DIRECTOR John Woo
GUIÓN John Woo
MÚSICA Joseph Koo
FOTOGRAFÍA Wong Hing Hung
REPARTO Chow Yun-Fat, Leslie Cheung, Ti Lung, Dean Shek, Emily Chu
PRODUCTORA Cinema City Film Productions

Nos dicen en el DVD que es una de las mejores películas de gangster de la historia. Quizá sea que uno está acostumbrado a ver cine occidental (El Padrino) y el oriental me suena a Chino. Podemos afirmar que es una película entretenida, pero para nada derrocha calidad. La historia no es nada nuevo. Dos hermanos tienen ocupaciones dispares. Uno se prepara para ser policía y otro trabaja para el Sindicato del Crimen. Cada uno sabe lo que hace el otro. El mafioso quiere dejarlo y en su último golpe lo trincan y va a para a la cárcel tres años. Cuando sale quiere llevar una vida normal. Pero hay gente que tiene el destino marcado con la voluntad de enmienda no basta. A resultas de la detención del mafioso el padre murió y el policía le echa la culpa a su hermano y una vez que ésta está fuera de la cárcel no quiere verle el pelo más.

John Woo busca la espectacularidad vía balística en sus películas, más allá de cualquier otra consideración. Por ello la hondura de sus personajes se matiza en su forma de disparar y en la cantidad de moretones y brechas que pueblan sus caretos. El ex-mafioso quiere ser bueno, ayudar a su hermano a acabar con el sindícato del crimen para el cual trabajaba y junto a otro compañero que está ahora también fuera de la organización criminal deciden tomarse la justicia por su mano, poner los puntos sobre las íes, y disparar a diestro y siniestro hasta no dejar ni uno con vida.

La película data de 1987 y está rodada en Hong Kong.
A John Woo estas películas le dieron buenos dividendos, se hizo muy popular en su país y le permitió dar el salto a Hollywood. Debutaría con Blanco Humano al servicio del fornido Van Damme. Luego ha hecho otros films como Face Off, The Windtalkers, Paycheck, Misión Imposible II…
Chow Yun-Fat, al que vemos como un eccehomo, hizo lo mismo que Woo y lo hemos visto en películas como El Monje, Tigre y Dragón, Asesinos de reemplazo, Ana y El Rey, Piratas del Caribe 3, ….

Dirección: Steve DeJarnatt
Reparto: Melanie Griffith (E. Johnson), David Andrews (Sam Treadwell), Marshall Bell (Bill), Harry Carey Jr. (Snappy Tom), Laurence Fishburne (Glu Glu Lawyer), Pamela Gidley (Cherry 2000), Brion James (Stacy), Ben Johnson (Jake “Seis dedos”), Tim Thomerson (Lester)
Guión: Michael Almereyda, Lloyd Fonvielle (hitoria)
Fotografía: Jacques Haitkin
Música original: Basil Poledouris
USA 1987

Posiblemente esta sea una película poco conocida para el público en general y algo más para los amantes del cine de Serie B. En cualquier caso, su protagonista es una actriz muy conocida, la mismísima Melanie Griffith, actual señora de Antonio Banderas y por aquel entonces supongo que estaría pensándose si volver con Don Johnson, porque curiosamente Johnson es el apellido de su personaje.

La Griffith aparece bastante joven y guapa en esta película, con un color de pelo rojo fuerte y su sonrisa picarona. Debía estar a punto de cumplir los 30. Entre los actores conocidos que aparecen en la peli también está Lawrence Fishburne (el Morfeo de Matrix) en un pequeño papel. Dos rostros seguro conocidos, son los de Brion James y Robert Z’Dar. Fácil que los nombres no os digan nada, pero son 2 típicos malos que han hecho decenas de películas. Ambos tienen también unos papeles muy secundarios.

La película empieza con Sam llegando a casa, donde su joven, atractiva y sumisa mujer le está esperando con la cena preparada. Él come un poco y ve a ella un poco rara, todo parece que se va a arreglar con un revolcón en el suelo de la cocina, rodeados del agua espumosa que sale del fregadero y cubre las baldosas. Pero su gozo en un pozo, porque de repente salen unas chispas de la cabeza de ella y se queda inmóvil.

Efectivamente, en ese momento sabemos que ella era en realidad un robot, una Cherry 2000, con una “carrocería” excelente, de las que ya no se hacen y que ha quedado inservible, imposible de arreglar. Pero por suerte para Sam, todavía puede conservar el disco que contiene el programa que le hace a ella ser como es, que le da su personalidad, sus recuerdos y su forma de ser. Ese disco tiene gran valor, ya no hay software como ese. Si lograra un nuevo cuerpo, poniéndole ese disco recuperaría a su compañera.

También es difícil conseguir el “hardware” de un Cherry 2000. Difícil, pero no imposible, sólo tiene que encontrar a las personas adecuadas, por lo que tendrá que viajar para buscar a un “cazador” que le consiga una de esas chicas. Él lo hace, pero cuando encuentra al tal Johnson que le han recomendado, resulta ser una mujer.

Con ella se embarcará en el peligroso viaje hacia el “almacén”, un lugar donde guardan androides de todo tipo, entre ellos Cherrys 2000, pero por el camino se tendrán que enfrentar a varios peligros.

Con ese argumento parte Cherry 2000. Aunque pueda parecer banal, y de hecho lo es, también es crítico con el trato que las mujeres reciben, y algo irónico en cuanto, por ejemplo, a las relaciones sexuales, pues en la ciudad donde el protagonista vive, las relaciones se pactan delante de un abogado, con un contrato y diferentes cláusulas donde se especifican los pormenores.

En cuanto a los valores morales que implican las relaciones con robots, supongo que es uno de los mensajes que la película quiere transmitir también. Al principio de la película vemos como los amigos del protagonista quieren llevarlo a un club a relacionarse con mujeres de verdad, pero él sólo puede pensar en su mujer robótica. Viendo el ambiente y las disputas en dicho club, no me extraña que prefiera a su Cherry en vez de a las víboras que por allí se mueven.

De todas formas al final se ve en el dilema de elegir entre su antigua novia (cuya aparición, de repente, no está muy justificada), que es una estirada y tiene menos sentimientos que un robot; la Cherry 2000, bella, perfecta, que lo ama y obedece, pero cuya inteligencia artificial cuando se sale de lo que tiene programado es bastante deficiente; y E. Johson, la “cazadora”, con la que ha vivido el peligroso viaje y… que es Melanie Griffith, leches, que tiene fácil la elección.

La ambientación es la típica de los decrépitos futuros que se imaginaban en los 70 y los 80, mezclando la cutrería de parte de los personajes con el Art Decó y los utensilios de diseño. El inicio de la película se desarrolla en la ciudad, donde se da más ese aspecto futurista y el resto en algo parecido al viejo oeste, donde hay algo de tecnología pero básicamente sus habitantes son los de una película de Clint Eastwood.

Esa parte de la película recuerda a Mad Max y el estilo general y el argumento con los robots casi humanos es un poco del estilo Blade Runner, aunque se queda lejos de ambas, ni en lo referente a la historia ni en lo que toca a la acción, ya que las escenas “movidas” son un poco sosas.

Curiosidad: al principio, cuando el protagonista lleva a su Cherry al “especialista” y él le muestra otras opciones de robots que puede elegir, al fondo se ven a 2 ilustres robots: uno es Robby de Planeta Prohibido y el otro es Gort, de Últimatum a la Tierra.

Por cierto, si entre los lectores hay alguien de Anaheim, que me explique el chiste. No entiendo porque todos se ríen y casi le desprecian al protagonista cuando les dice que es de Anaheim, como si él fuera un urbanita y ellos unos pueblerinos o algo así…

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Un parecido poco razonable, entre la realidad y la ficción. En el año 1982 el director especializado en cine de terror Tobe Hooper (La Matanza de Texas) dirigió una película de mucho miedo: Poltergeist.

Con el tiempo, 2 continuaciones, la muerte de la pequeña e inquietante actriz protagonista y más muertes entre los miembros del equipo, sobre la película se creó una leyenda negra: estaba maldita.

Como suele suceder en estos casos, las historias que se oyen son abundantes, cada uno cuenta lo que quiere y como quiere, pero aunque se empeñe el mismísimo Iker Jiménez en querer hacérnoslo creer, cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia.

Empezando por lo cierto, es verdad que la joven actriz que interpretaba a la niña protagonista, Heather O’Rourke, falleció a la temprana edad de 13 años, aunque por una afección intestinal que los médicos no lograron diagnosticar correctamente a tiempo.

A Dominique Dunne, que interpretaba a su hermana mayor, no la estranguló su novio al volverse loco. Desgraciadamente, y como seguimos viendo diariamente en los telediarios, era víctima de malos tratos desde hacía tiempo y un día sucedió lo que algunos ya venían viendo desde hacía tiempo.

Los actores Julian Beck (uno de los malos) y Will Sampson (el chamán indio), supuestamente muertos el primero por un cáncer fulminante y el segundo por una obligada y repentina operación de corazón de la que no salió, llevaban tiempo sufriendo estas afecciones. Llevaban condenados desde bastante tiempo antes de enrolarse en la saga.

Hay algunas otras muertes relacionadas de miembros técnicos del equipo, incluso se inventó que la propia sede de la productora de la película, Amblin, perteneciente a Steven Spielberg (al que por cierto, no le ha ido nada mal, haya maldiciones o no), también estaba construida encima de un cementerio indio, algo más falso que un euro de Franco.

En fin, que de maldición nada de nada, pero la película da bastante yuyu, eso es verdad.

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Dirección: Michael Chapman
Reparto: Daryl Hannah (Ayla), Pamela Reed (Iza), James Remar (Creb), Thomas G. Waites (Broud), John Doolittle (Brun), Curtis Armstrong (Goov), Martin Doyle (Grod)
Guión: John Sayles (basado en la novela de Jean M. Auel)
Música: Alan Silvestre
Fotografía: Jan De Bont
Montaje: Wendy Greene Bricmont
USA 1986

Basado en el best seller de Jean M. Autel, que a su vez es la primera novela de una saga titulada “Los hijos de la Tierra”, esta película nos relata un momento de la prehistoria en el que se dio la curiosa circunstancia de que 2 ramas humanas de la evolución, el hombre de Cro-magnon (nuestro ancestro homo sapiens) y el de Neardenthal, llegaron a convivir juntas, aunque esta segunda estuviera condenada a la extinción (sí, no sólo las razas animales se extinguen ahora, lo han hecho siempre, y a los humanos también les tocó en su momento).

La historia nos remonta a 35.000 atrás en el tiempo. He querido ver la película porque me estoy leyendo a la vez el libro, y las diferencias entre ambos son obvias. Para empezar, la novela tiene unas 600 páginas, imposible de condensar en la escasa hora y media de metraje de la peli.

Debido al escaso desarrollo de una lengua hablada por parte de los Neardenthales y para explicar la situación inicial, en la película se hace imprescindible una voz en off para relatar algunos aspectos, incluso sutítulos para hacer comprensible sus formas de expresión, para que todo sea lo más realista posible.

Estando leyendo la novela, se hace difícil no comparar la una con la otra, en cuanto a situaciones, pero sobre todo a personajes. El deforme Creb, el Mog-ur, debería serlo mucho más o los aspectos de todo el clan bastante más “primitivos”, como el personaje de Iza, interpretado por una irreconocible y por aquel entonces bastante joven Pamela Reed, a quien ahora podemos ver como una de las protagonistas de Jericho, junto a James Remar, que es justo el actor que interpreta a Creb. Pero habrá que centrarse en la película.

Es la historia de Ayla, una niña Cro-Magnon a quien el Clan del Oso Cavernario recoge moribunda, después de haberse quedado sola en el mundo tras un terremoto que la alejó de su familia. La cuidan y vive con ellos, aunque en un principio le cuesta mucho adaptarse a la vida del clan, por su apariencia física tan diferente y por su mente mucho más avanzada, lo que crea recelos por parte del resto, que además la ven muy fea (no me extraña que acabaran por extinguirse, menudo gusto).

Ella cambiará muchas cosas en la vida del clan, sus peculiaridades harán diferentes algunas cosas y pondrán en tela de juicio los recuerdos y las tradiciones del clan, contraponiéndolo a la necesidad de supervivencia. Pero ella es uno de “los otros”, lo que la dejará marcada para siempre.

Su protagonista es Daryl Hannah, ya famosa por aquel tiempo después de haber intervenido en algunas películas como Blade Runner y sobre todo Un, Dos, Tres,… Splash y tanto en aquellas como en esta, se sigue explotando su sensualidad. La actriz que la interpreta siendo un poco más joven es Nicole Eggert, que después se acabaría convirtiendo en una turgente vigilante de la playa.

Dirige Michael Chapman, quien curiosamente casi toda su carrera ha sido como director de fotografía. Aquí de ese trabajo se encarga el holandés Jan de Bont, quien sólo unos años más tarde se pasaría a la dirección, debutando con Speed y añadiendo también a su curriculum la tarea de productor, en pelis como Minority Report.