Archivos de la Categoría 'Películas años 90'

Cuento de verano (Erich Rohmer 1996)

Cuento de verano Rohmer cartel películaDirección Eric Rohmer
Producción Françoise Etchegaray Margaret Menegoz
Guion Eric Rohmer
Música Philippe Eidel
Sonido Pascal Ribier
Fotografía Diane Baratier
Montaje Mary Stephen
Protagonistas Melvil Poupaud Amanda Langlet Gwenaëlle Simon Aurelia Nolin Aimé Lefèvre Aimé Lefèvre
Evelyne Lahana Yves Guérin
Año: 1996
País: Francia

Cuento de verano forma parte de la tetralogía de las estaciones de Rohmer. Es la tercera de ellas. Al igual que las anteriores el elenco lo integran cuatro personajes. Un hombre y tres mujeres. El hombre se llama Gaspard, y las mujeres Margot, Solene y Lena.
Gaspard es un joven veinteañero que llega en un ferry a un pueblo costero para pasar unos días de vacaciones alojado en la casa que le ha dejado un amigo, donde se encontrará con su novia Lena. Como ésta no acaba de llegar, hace Gaspard amistad con Margot que trabaja como camarera. En largos paseos Gaspard y Margot se irán conociendo. Entre ellos de inicio solo hay amistad. Mientras, inopinadamente entre Gaspard y la sensual Solene surge el chispazo amoroso. Solene acaba de dejar a dos chicos, está libre, y a bordo sube Gaspard, el cual no tiene claro si lo hace convencido o es una forma de hacer más agradable el advenimiento de su amada. Como buen marino, al menos en lo musical Gaspard, quien compone canciones naúticas, tiene un amor en cada puerto.

Lo interesante de la película es como Rohmer merced a un trabajado guion, con esas conversaciones que se traen los personajes -porque la película no puede ser más verborreica- donde no hay lugar para los silencios, los persojanes hablan sin parar, se cuentan sus cosas, sus desvelos, sus sueños, su pasado, su presente, su incierto futuro. Y se centra exclusivamente en esos momentos que preceden al noviazgo donde todo son dudas, donde uno teme dar un paso en falso, donde todo son incertidumbres, exaltaciones, donde como dice Gaspard, se ve obligado a actuar, a ser otro yo, con el cual cortejar a su idealizada amada, pero eso debe conciliarse a su vez con las parcelas de libertad que quieren preservar cada cual, con sus compromisos familiares, con el miedo a comprometerse, con aferrarse a alguien y dejar de lado a otros u otras. Porque Gaspard, nada afortunado en amores ve como de repente en su corazón hay dos mujeres dando codazos para quedarse, dos mujeres dispares, opuestas, cada una encantadora a su manera; una puro intelecto y mala leche y la otra carnal, decidida, más artista. Y es que Gaspard se ve prendado por las dos, porque le gustan mucho ambas, dado que no existe la mujer ideal que aglutine todos los dones, y lo que a una le sobra la otra adolece.

Pero más allá de este continuo deshojar la margarita, de ir de flor en flor, en esta continua incertidumbre, está Margot que escucha a veces en calma y otras enojada los devaneos amorosos de Gaspard, apoyándolo, sin juzgarlo en exceso, como un convidado de piedra, que no deja de ser finalmente juez y parte, al tiempo que amor platónico y por ende imposible. Rohmer plasma a mi entender con sumo acierto lo complicado que es racionalizar el amor, hacerlo físico y transparente, sacarlo de los corazones donde reside, ser capaz de verbalizarlo sin caer en la contradicción, en el patetismo, en lo irrisorio, porque en este campo ni tenemos todas las respuestas y nos sobran casi todas las preguntas.

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Capitan Conan (Bertrand Tavernier 1996)

Capitan Conan poster película
TÍTULO ORIGINAL Capitaine Conan
AÑO 1996
DURACIÓN 129 min.
PAÍS [Francia]
DIRECTOR Bertrand Tavernier
GUIÓN Jean Cosmos & Bertrand Tavernier (Novela: Roger Vercel)
MÚSICA Oswald D’Andrea
FOTOGRAFÍA Alain Cloquart
REPARTO Philippe Torreton, Samuel Le Bihan, Bernard Le Coq, Catherine Rich, François Berleand, Claude Rich, Christophe Calmel

Bertrand Travernier nos regala una película ambientada durante la I Guerra Mundial. Las tropas francesas reciben con alborozo el armisticio firmado en noviembre del año 1918. Tras cuatro años guerreando en los Balcanes ven la oportunidad los soldados de volver al hogar.

La historia se centra en la figura del teniente ascendido a Capitán Conan, quien junto a otros hombres, sacados de prisiones y llevados al frente, se encargarán de combatir cara a cara al enemigo, cuchillo en mano y granadas en ristre, trinchando al oponente como si de un animal a quien de abrir en canal se tratara. En esa locura de sangre y violencia es donde Conan se siente cómodo. Luego está por ver, si será capaz de sobrellevar una existencia pacífica, lejos del olor de la pólvora y del brillo de la sangre, perdido en una aldea rural esperando el advenimiento de la parca.

A esta visceralidad que encarna Conan se opone la de su amigo Norbert, el Acusador, quien al tiempo que alaba sus virtudes critica sus defectos, moviéndose entre dos aguas, admirando ciertas conductas y deplorando otras, sin tener muy claro como juzgar las faltas que cometen los soldados lejos del frente de batalla.

El alegato antibelicista que nos ofrece Travernier no puede ser más explícito. La guerra resulta chusca, cutre, nada espectacular (no tiene nada que ver con la épica de Salvar al soldado Ryan por ejemplo). Los hombres mueren sin el menor sentido, el número de bajas se cuenta por miles (recordemos que murieron 9 millones de personas en esta Guerra), mientras el alto mando, va reponiendo las filas diezmadas con sangre fresca, como peones de ajedrez que no tienen menor importancia, pero sin los cuales sería imposible lograr el jaque mate.

Conan y sus 3.000 hombres, está convencido que gracias a ellos ganaron la guerra, porque según él unos la ganaron y otros simplemente la hicieron.
Está brillante el actor Philippe Torreton (al igual que Hoy empieza todo) en la piel de Conan. Capitan Conan es un ejercicio de buen cine, una alegato contra la guerra que funciona por su cantidad de matices, de graduaciones, porque rehuye los topicazos, y ahonda en la compleja naturaleza humana, porque es en ese territorio de grises donde se mueve el héroe y el villano.

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Pesadilla antes de Navidad (Nightmare Before Chrismast, 1993)

Pesadilla antes de NavidadDirección: Henry Selick.
Reparto (Doblaje original): Danny Elfman (canciones de Jack Skellington/Barrel), Chris Sarandon (Jack Skellington), Catherine O’Hara (Sally), William Hickey (científico malvado), Glenn Shadix (alcalde), Paul Reubens (Lock), Catherine O’Hara (Shock), Ken Page (Oogie Boogie), Ed Ivory (Santa).
Guión: Caroline Thompson; adaptado por Michael McDowell; basado en el relato y personajes creados por Tim Burton.
Producción: Tim Burton y Denise Di Novi.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Pete Kozachik.
Montaje: Stan Webb.
Dirección artística: Deane Taylor.
USA 1993

Qué mejor para ver en estos días prenavideños que una película que tiene la palabra Navidad en el título (que llama mucho para los programadores televisivos) y que la tiene como fondo de una historia peculiar y diferente, como lo es el propio conjunto de la película.

Es un musical y una película de animación, no cabe duda, pero en ambos casos se sale de la norma, consigue una alta dosis de originalidad y resulta ser muy entretenida.

Nos cuenta una historia ambientada en la ciudad de Halloween, donde habitan extraños y horrendos seres que sólo piensan, de un año a otro, en celebrar esa fiesta, la de Halloween, con todos sus macabros elementos. Prácticamente todo el año es Halloween para ellos.

jack y SallyY en esta horrenda y oscura población hay un personaje que destaca sobre todos, Jack, el gran organizador, el rey del mambo en lo que a Halloween se refiere. Él es el que se encarga de todos los preparativos y el que consigue que todos los años la fiesta sea un rotundo éxito. Todo el pueblo lo alaba y lo idolatra, en especial Sally, una monstruita que está perdida por él.

El caso es que un día Jack descubre unas puertas que tienen diferentes símbolos que representan distintas fiestas: San Patricio, Acción de Gracias,… pero hay una que le llama la atención y que contiene un árbol de Navidad. Cruza esa puerta que le lleva a la Ciudad de la Navidad. Allí descubre gente feliz, niños riendo y jugando y un hombre, Santa Claus, que es el responsable de todo.

Eso le da una idea que se decide a llevar a cabo. Vuelve a su ciudad de Halloween con la idea de organizar él mismo la Navidad, secuestrando a Santa Claus. Con la ayuda de todo el pueblo realizan todos los preparativos y organizan la Navidad, pero a la manera del pueblo. La idea, como pronostica Sally, tiene visos de ser un auténtico fracaso, y eso es lo que acaba siendo.

pescadilla antes de NavidadComo digo la originalidad es uno de los puntos más destacables de esta película. La diversidad de los personajes le da también un punto a favor y el toque de Burton está más que presente, porque aunque aquí no dirige, sí produce y está detrás de la historia.

Como musical que es, la historia se guía por las canciones que se van cantando, y que en la versión española están por supuesto traducidas. Es excelente el apartado musical, esa Banda Sonora pegadiza firmada por el genial Danny Elfman.

También os decía que es una película de animación. Es de estas artesanales, de slow motion, figurillas que se animan manualmente filmando fotograma a fotograma.

Estas últimas semanas se ha reestrenado la película, 15 años después, en una versión 3D.

Enlace | IMDB

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Gattaca (Andrew Niccol, 1997)

GattacaDirección y Guión: Andrew Niccol
Reparto: Ethan Hawke, Uma Thurman, Jude Law, Gore Vidal, Elias Koteas, Blair Underwood, Ernest Borgnine y Tony Shalhoub
Producción: Danny DeVito, Stacey Sher, Michael Shamberg
Fotografía: Slavomir Idziak
Música: Michael Nyman
USA 1997

A pesar de haber transcurrido más de una década desde su estreno, lo que esta película nos propone sigue siendo una posibilidad para un futuro no muy remoto, como en el que transcurre la acción.

Gattaca nos propone un viaje a un futuro muy cercano y muy inquietante. En la sociedad que nos muestra los genes lo pueden todo. Nada más nacer un análisis genético determina cuales serán las posibilidades futuras de esa persona y posteriormente son sometidos a análisis diarios para determinar si siguen siendo aptos.

Es más, los embarazos naturales han sido desechados casi en su totalidad y la manipulación genética facilita el traer al mundo niños a la carta, con las características que los padres deseen, por supuesto siempre buenas.

Ethan y UmaPor esta razón se crean diferentes estratos sociales, determinados por sus condiciones genéticas. Así los que tienen un alto porcentaje de desarrollar algún tipo de dolencia, son degradados a realizar los trabajos menos cualificados, sin posibilidad de ascender.

Bueno, esto no del todo cierto, porque siguen existiendo mercados negros como al que acude el protagonista. Éste, que nada más nacer fue diagnosticado con una posibilidad de un fallo cardíaco del 99%, consigue hacerse pasar por otra persona, un joven parecido a él, pero genéticamente muy superior, que ha sufrido un accidente que lo ha dejado postrado en una silla de ruedas.

Al hilo de esto, la voz en off del protagonista, nos cuenta en un momento de la película: “Andaba buscando trabajo de aquí para allá como limpiador, pertenecía a una nueva clase baja ya no determinada por la clase social o el color de la piel. No, ahora es una ciencia la que automáticamente nos discrimina. Para los genéticamente superiores el éxito es más fácil de conseguir pero en absoluto está garantizado, al fin y al cabo no hay ningún gen que marque el destino. Cuando alguien de la élite cae en desgracia su identidad es utilizada. La ganancia de unos es la pérdida de otros

Diariamente tiene que someterse al ritual de eliminar todas las células muertas de su piel, para que en una inspección no lo identifiquen, así como recoger sangre y orina del hombre por el que se hace pasar, para usarlas en los controles que tiene que pasar cada día.

gattacaLos protas son Ethan Hawke y Uma Thurman, pareja desde este rodaje. De la relación tuvieron 2 hijos, pero no duraron mucho juntos. Sus actuaciones, son destacables a pesar de su (requerida) planicie interpretativa. En la sociedad en la que viven todo está controlado y determinado, los ciudadanos son como robots que han de hacer aquello para lo que están programados. Debido a eso vemos al protagonista seguir sus rutinas diarias en su afán por conseguir su sueño de viajar al espacio, sin desviarse, ya que el mínimo error puede frustrar sus esperanzas.

La relación que establece con una de sus compañeras de trabajo es también ñoña y sin un mínimo de emoción. Se acercan, hablan de forma casi metódica, se permiten algún ligero devaneo, pero parecen incapaces de entregarse a las pasiones más mundanas.

La ambientación musical y los decorados acompañan a la sensación de austeridad que tiene el conjunto de la película.

La historia es una fábula que nos muestra el camino que puede llevar la humanidad teniendo en cuenta únicamente los datos y no tomando a cada persona como una entidad capaz de cosas más allá de lo que los números nos puedan mostrar.

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Corre, Lola, Corre (Lola Rennt, 1998)

Corre Lola correDirección y Guión: Tom Tykwer
Reparto: Franka Potente (Lola), Moritz Bleibtreu (Manni), Herbert Knaup (Padre), Nina Petri (Jutta), Armin Rohde (Sr. Schuster)
Música: Reinhold Heil, Johnny Klimek, Tom Tykwer
Montaje: Mathilde Bonnefoy
Fotografía: Frank Griebe
Alemania, 1998

Qué mejor película para ver tras volver de vacaciones por la ciudad de Berlín (durante las que el blog ha estado algo desatendido), que esta Corre, Lola, Corre, en la que la protagonista se recorre una y otra vez las calles de Berlín a plena carrera de un lado para otro.

En realidad la película no está hecha para enseñarnos Berlín y por eso el que no conozca la ciudad probablemente no reconozca los monumentos más emblemáticos, como pueden ser los restos del muro o la puerta de Brandemburgo. De hecho, algunas de las tomas son muy cercanas a ambos lugares, pero en ningún momento llegamos a verlos. A los que hayan estado también les sorprenderá que en no llegue a verse otro de los edificios más emblemáticos de la ciudad, el enorme pirulí, siempre presente en el skyline de la ciudad y visible desde cualquier punto, pero efectivamente, tampoco aparece.

Aún así, la acción transcurre por algunos puntos conocidos de la ciudad, como la plaza del mercado de los gendarmes, el punte Oberbaumbrücke, junto a la East Side Gallery donde se puede ver el último tramo de muro en pie, decorado en su momento por varios artistas pero ensuciado con pintadas actualmente. También podemos ver el tren elevado de la ciudad (y el metro), la plaza de la Ópera, en la que los nazis realizaron una multitudinaria quema de libros que ellos consideraban prohibidos.

Corre Lola CorreVolviendo a la película, la trama es la siguiente: Lola es una activa joven que se dedica junto con su novio Manni a algunos oscuros negocios. En uno de estos él consigue una bolsa con 100.000 marcos (unos 50.000 euros actuales, la peli es del 98) que ha de entregar a su despiadado jefe, pero se la olvida en el metro, donde un vagabundo la recoge y desaparece con ella. Manni llama por teléfono a Lola, que siempre le saca de todos los apuros para exponerle la situación: tienen 20 minutos para conseguir los 100.000 marcos y entragárselos a su mafioso jefe.

Como a Lola le acaban de robar la moto tiene que partir a ayudar a su novio a plena carrera, algo inusual en Berlín, donde la gente vive con calma, donde la densidad de tráfico es ínfima y donde la mayoría de la gente viaja en el transporte público o en bicicleta (o ambas cosas). Por eso es gracioso encontrarse a un ciclista que avanzando en paralelo a ella le intenta vender su bici.

A la primera persona a la que intenta acudir Lola es a su padre, que a su vez tiene otros planes entre manos que le mantienen más ocupado que ayudar a su hija. Manni a su vez está esperando a la llegada de Lola con intenciones de atracar un supermercado si esta se retrasa, por eso la misión de ella es doble: conseguir el dinero y evitar el atraco, a todas luces desastroso.

Lola y las monjitasY ahí es donde entra la originalidad en el planteamiento de la película. Si ya de por sí tiene aspecto de videojuego, nos sorprende que con poco más de una hora de duración, antes de los treinta minutos ya hayamos llegado a lo que parece un desenlace de la historia… pero no, la protagonista tiene una nueva oportunidad y todo vuelve a empezar. Ella hace de nuevo lo mismo, pero los pequeños detalles hacen que la historia tenga diferente recorrido y un desenlace muy distinto. Hasta tres veces se nos cuenta la historia.

Como interpretar el hecho de que las cosas vuelvan a su origen, si es sólo una licencia del autor o si encierra algo más, es algo que cada cual tendrá que valorar. A parte de la historia de Lola y Manni también vemos pequeños retazos de lo que serán las vidas de la gente con la que ella se va cruzando. Es curioso ver como pequeños cambios producen que las cosas varíen en mayor o menor medida y aunque la historia siempre siga un curso similar, hay muchas diferencias en los desenlaces.

También hay que fijarse en el detalle de que cada vez que la historia se repite, los personajes parecen recordar de forma inconsciente algunas de las cosas que han vivido en las anteriores. Son como un pequeño “deja vu” que los deja pensando un momento.

Una Franka Potente que se iniciaba en el cine con esta película y con el pelo rojo es la que encarna a Lola. Su aspecto recuerda al de la protagonista de El 5º Elemento, que tenía el mismo peinado. A partir de aquí la actriz inició una exitosa carrera a nivel internacional que todos conocemos y sigue a buen ritmo. A su compañero de reparto, Moritz Bleibtreu, tampoco le ha ido nada mal. Protagonizó otra película alemana de renombre, El Experimento, y ha participado con papeles menores en algunas producciones americanas como Munich, la reciente Speed Racer, la coproducción española El Destino de Nunik o la también coproducción europea El Elegido. Coincidió de nuevo con Franka Potente en Las Partículas Elementales, donde ganó el Oso de Plata en Berlín como mejor actor.

El grito de LolaOtra película a la que Corre Lola Corre recuerda es a la irreverente Trainspotting, más por su aspecto y las carreras urbanas que por el tema tratado. En cuanto al tema, de las pequeñas variaciones que tienen grandes consecuencias, también podríamos asimilarla a El Efecto Mariposa. Pero el verdadero cinéfilo encontrará unas cuantas referencias a la película Vértigo, del maestro Hitchcock, repartidas a lo largo del film.

Dejando de lado la historia, que no deja de ser simplista, lo que más destaca de la película es su ritmo y el estilo narrativo que encierra, en cada una de las tres historias de forma individual y el conjunto que entre ellas encierran. Quizás como historia no hubiera dado para mucho más que un entretenido cortometraje, pero la forma elegida para llevarla más allá me parece la correcta. Los personajes tienen gancho y la hora y pico que dura no se hace para nada larga. Otra cosa sería tener que seguirle el ritmo a Lola

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La ceremonia crítica película

La ceremonia Claude ChabrolTITULO ORIGINAL La cérémonie
AÑO 1995
DURACIÓN 126 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Claude Chabrol
GUIÓN Claude Chabrol & Caroline Eliacheff (Novela: Ruth Rendell)
MÚSICA Matthieu Chabrol
FOTOGRAFÍA Bernard Zitzermann
REPARTO Isabelle Huppert, Jacqueline Bisset, Sandrine Bonnaire, Jean-Pierre Cassel, Virginie Ledoyen
PRODUCTORA Coproducción Francia-Alemania / MK2 Productions S.A. / France 3 Cinéma / Prokino Filmproduktion GmbH / Olga Film GmbH / ZDF

Pocas cosas asustan tanto como el hecho de que alguien aparentemente normal sea capaz de cometer actos atroces. Comentaba hace días como en la película Funny Games dos jóvenes ocupaban su tiempo torturando y matando a una familia como puro pasatiempo, jóvenes para los cuales matar era como respirar o comer, un acto natural exento de la mínima moralidad o connotación ética.

En La ceremonia, Sophie es una joven seria y adusta que consigue trabajo como sirvienta en la casa de una familia burguesa. Tras presentar sus credenciales, la mujer de la casa la contrata y Sophie comienza con sus tareas. El mismo día de su llegada al pueblo donde residirá, coincide en la estación con la empleada de una oficina de correos, Jeanne, con la compartirá un trayecto en coche.

Surge casi de inmediato entre las dos mujeres una relación especial. Ambas tienen en su currículo un acto criminal. Jeanne fue acusada de haber matado a su retoño y Sophie de haber matado a su padre. Ambas han sido exculpadas y no han pisado la cárcel al no haber pruebas en su contra, lo cual parece complacerlas y provocarles la risa tonta.

Sophie se dejará seducir por la bravuconería de su nueva amiga y confidente, la cual además de chismosa y entrometida está loca de atar. Sophie mudará su carácter frío y glacial por algo más cálido y jovial en contacto con su amiga la cartera. Sonreirá de nuevo y se verán metidas en un lío de los gordos al no ser capaces de prever el alcance de sus acciones, las cuales ejecutan con la inconsciencia de un descerebrado, a pesar de que ambas andan casi en la cuarentena y se presume en ellas algo más de sensatez.

Que el objeto del ataque sea una familia burguesa no es nada nuevo en la filmografía de Chabrol que suele emplear a este estrato social haciéndolo objeto de sus historias, como en su último film Una chica cortada en dos

El hogar lo integra un matrimonio donde ella es artista, y él, todo un melómano amante de la música, posee fábricas de conservas. Cada uno ha aportado un hijo a esa familia reconstruida donde las diferencias se liman y parece reinar una paz apacible. En la hija reconocemos el rostro de Virginie Ledoyen (Bosque de sombras), y en el par de psicóticas a Isabelle Huppert (que ha trabajado con Chabrol en obras como Borrachera de poder, Gracias por el chocolate, La dama de homor..) y Sandrine Bonnaire. Las dos actrices funcionan perfectamente en sus papeles. Sandrine se va deshelando según se roza con Jeanne y Huppert demuestra que es capaz de dotar a sus personajes de la profundidad o sinrazón requerida en cada momento.

El gran acierto a mi parecer de la misma es que sabemos casi desde el principio que hay algo turbio, que no alcanzamos a materializar, una violencia latente que en cualquier momento aflorará con consecuencias imprevisibles. Ese tratamiento del suspense y la angustia, en manos de Chabrol, con unas interpretaciones certeras generan una muestra muy interesante de la sinrazón humana, capaz de generar daño y muerte a su alrededor sin el menor atisbo de culpa, ni remordimiento, lo que confirma que el hombre es un lobo para el hombre.

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Expediente X Enfréntate al Futuro (The X-files: Fight the future, 1998)

Enfrentate al futuroDirección: Rob Bowman.
Reparto: David Duchovny (Fox Mulder), Gillian Anderson (Dana Scully), Martin Landau (Kurtzweil), Armin Mueller-Stahl (Strughold), Blythe Danner (Cassidy).
Guión: Chris Carter.
Música: Mark Snow.
USA 1998

Como ya hace tiempo que se canceló la serie, igual hay alguno que piensa que esta es una película subida de tono, por la “X” del final, o que es una décima parte. Pues no, ni mucho menos. De hecho, que nadie espere encontrar escenas calentorras entre sus dos protagonistas, los agentes del FBI Mulder y Scully, ya que a pesar de la tensión sexual que hay siempre entre ellos, no llegan a darse un achuchón en condiciones nunca.

Se trata de la versión en pantalla grande de la popular serie que duró 9 temporadas, entre el 93 y 2002, y cuya temática paranormal la convirtió en un gran éxito, así como a sus 2 protagonistas. La película es del 98 y es prácticamente un episodio más. De hecho la acción se situaría entre la 5ª y 6ª temporada. Este año, dentro de poco, se estrenará la segunda parte y volveremos a encontrarnos con estos personajes de nuevo.

Mulder y ScullyComo digo la trama viene a seguir lo que son los episodios de la serie, el tema de los extraterrestres, siempre presentes en la vida del agente Mulder, regado con un poco de ciencia para que Scully pueda aplicar su escepticismo.

No me ha parecido nada extraordinario, aunque hay que decir que después de tantos años desde que la serie concluyó, esta pareja ya no tiene tanto tirón como tuvo en su momento.

Una de las cosas negativas de llevar una serie de este estilo al cine es que como no seas seguidor de la misma, te pierdes, así que no te merece la pena verla. En realidad se hace para sacarle más dinero a los seguidores, no creo que esperen aumentar la audiencia para la tele con ello, pero me parece mal que si no conoces lo que mueve a los personajes, no te enteres de va la cosa.

Me ha llamado la atención ver que la escena final se desarrolla en Túnez, en Tatauine, precisamente el lugar donde se rodaron las escenas del planeta Tatooine de La Guerra de las Galaxias.

Que me pongo malitoNo me atrevo a hacer predicciones sobre la segunda entrega en cine de esta serie, viendo esta me ha parecido que quedan ya muy lejos las aventuras y desventuras de este agente empeñado en creer y su compañera que siempre pone la parte cabal en la pareja. El próximo 25 de Julio, dentro de 2 semanas, saldremos de dudas.

Por si a alguno le cabe alguna duda, en taquilla esta película fue un éxito.

Y otra cosa, no sé porqué, me da que el guionista de la última de Indiana Jones vio esta película.

Enlace | IMDB

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Sin reglas (Unruly) crítica película

Sin reglas cartel películaAño de producción: 1999
Dirección: Philippe Bérenger
Intérpretes: Vincent Cassel, Enrico Lo Verso, Monica Bellucci, Richard Bohringer, Luc Palun, Gilbert Melki.
Guión: Philippe Bérenger, Jacky Cukier
Música: Bruno Bertoli
Fotografía: Michel Sourioux
Duración: 100 min.
Género: Drama
Título original: Unruly – Méditerranées
País: Francia

Creo que fue en esta película donde surgió el amor entre el actor Vincent Cassel y la actriz Monica Bellucci, allá por 1999. Está rodada en Marsella. A Cassel se le dan bien los papeles de hombre problemático, inasible y pendenciero, siempre burlando la ley. Aquí da vida a Pitou, el cual ha pasado unos años el trullo. Este hecho dice él que le ha cambiado, así que cuando vuelve a casa, va a ver a su hermano el cual está felizmente casado, con la que antaño fue novia de Pitou, una mujer bellísima (Bellucci), y va a ser papá, y no quiere complicaciones existenciales.

No es nuevo que el que ha estado en la cárcel una vez fuera de ella se vea tentado a hacer cosas delictivas que le hagan reincidir. Pitou se reencuentra con un amigo de la escuela, que ahora es un pez gordo, y mueve los hilos del hampa en la zona. Una noche en el bar donde Pitou pone copas tiene lugar un altercado y éste en lugar de formar parte del tiroteo se escamotea y logra esconderse. Así pues todos quieren ver a Pitou muerto por si esta le da por irse de la lengua y los delata.

El hermano de Pitou sabe bien la ralea de su hermano, pero no por eso deja de ayudarlo, con consecuencias fatales, como se verá. Los chorizos locales se la tienen jurada a los árabes de la zona, y se ven envueltos cada dos por tres en reyertas mortales.

La puesta en escena es austera, carente de todo tipo de artificio ni efectismo, rayando la cutrez, con unas escenas de acción que no permiten enterarnos de nada, por su mala planificación. Se ha rodado en el barrio de Bellevue en Marsella, una zona marginal, donde el director ha metido la cámara, adoptando ahí el aspecto de un documental al estilo Callejeros, sin juzgar ninguna acción. Es ahí donde Pitou se esconde bajo el amparo de una amigo árabe de su infancia.

El tema que se aborda; la posibilidad de enmienda, de quedarse definitivamente al otro lado de la línea es interesante, pero poco ofrece la historia para resultar atractiva. Cassel no está nada mal en su papel de pendenciero arrepentido (similar a su papel en El odio), lo mismo que Bellucci, que se pasea embarazada con la misma parsimonia y belleza serena que en Malena.

La violencia está muy presente en la cinta, ya sea con la inaugural muerte de un perro, los asesinatos múltiples e incluso con la buena puntería de un niño que dispara con el tino de Billy el Niño. La manifiesta violencia visceral se edulcora con la cotidianidad y los chistes, rebajando así la tensión, aliviando algo la presión de esa caldera en la que viven los protagonistas, con la parca bien cebada y las fauces chorreante.

Siempre queda la posibilidad de huir, como dice Momo, “me iré de aquí”. Ójala sea cierto.

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Funny Games de Michael Haneke crítica película

Funny Games cartel pelicula de Michael HanekePaís: Austria
Año: 1997
Género: Terror
Director: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Montaje: Andreas Prochaska
Fotografía: Jürgen Jürges
Reparto: Susanne Lotear, Ulrico Mühe, Arno Frisco, Frank Giering, Stefan Clapzynski, Doris Kunstmann, Christoph Bantzer, Wolfgang Gluck, Susanne Meneguel, Monika Zallinger.

En breve se estrenará el remake de Funny Games. La dirige también Haneke y según parece reproduce esta película plano a plano, así que los que la hemos visto no podemos albergar sorpresa alguna. Cambian las caras de los protagonistas en todo caso. Naomi Watts y Timothy Roth serán los sufridores en casa.

La gran virtud de Funny Games, de estos juegos divertidos, que tienen poco de divertidos y mucho de sádicos y macabros es la capacidad del director, Michael Haneke de desasosegar y angustiar al personal.

Ya de entrada, cuando la familia formada por un matrimonio y su hijo pequeño van a pasar unos días en un casa del lago y una vez instalados reciben la visita de un joven que viene a pedir a la mujer que está en la cocina unos huevos, mientras el marido y el hijo lanzan el barco al agua, ya notamos algo raro. El aspecto del joven, la forma de moverse, el sudor en su frente, los guantes en las manos, sus miradas huidizas.

De modo magistral, lo que podría ser un malentendido, hace sonar las alarmas en la cabeza de la mujer cuando otro joven, amigo del primero entra también en la casa, tomándose muchas confianzas.

Pronto se descubre que los dos jóvenes no son unos delincuentes comunes, de esos que se conforman con robar o incluso someter sexualmente a sus víctimas. No, lo suyo es un juego mucho más macabro, más elaborado, una guerra psicológica, donde lo que al principio se antoja como un juego, luego se descubre como el plan de dos mentes criminales que disfrutan haciendo daño, vejando y humillando a quienes tienen cerca. Sin el menor asomo de remordimiento en sus acciones, simplemente ejecutan.

Las interpretaciones tanto del duo psicópata como de los padres son soberbias y dan aún más verosimilitud a lo visto. El padre es Ulrich Mühe (La vida de los otros, Amen)

Haneke no pretende sólo mostrar una violencia irracional así sin más, sino también el espíritu juguetón de los humanos. Los asesinos en sus charlas se llaman entre ellos Tom y Jerry, o Beavis and Butthead. Incluso uno de ellos mira a la cámara en un momento dado para deshacer una escena y seguir así con su juego o al final de la película, donde quieren seguir jugando. Hay apuestas al espectador que versan sobre las posibilidades de supervivencia, pidiéndonos que nos posicionamos, por qué está claro quienes son los buenos y quienes los malos.

No hay recreación explícita de la violencia. Las acciones criminales se llevan fuera de campo y lo que más angustia es la gestión de la maldad, la ejecución y divertimento que supone borrar del mapa una familia burguesa, hijo incluido, a manos, no de unos toxicómanos, unos choricillos de tres al cuarto, sino de jóvenes estudiosos, preparados, que no provienen de familias desestructuradas, ni nada parecido, para los cuales matar no es un problema moral sino un juego.

Funny Games es una película entretenida, aterradora, angustiante, que se aborrece por lo que vemos en la pantalla, gracias a la mano magistral de Haneke, a su dirección de actores, a la narración de la historia para pergeñar una película de terror psicólogico que asusta mucho más que cualquiera de las cientos de películas que he visto de terror estas últimas décadas.

Tenía ganas de verla desde hacía tiempo y me he quedado satisfecho. Lo que sucede cuando te dan lo que esperas y de Haneke, tras ver Caché y El tiempo del lobo espero mucho.

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El viento nos llevará de Abbas Kiarostami crítica película

El viento nos llevará cartel películaTITULO ORIGINAL Le vent nous emportera
AÑO 1999
DURACIÓN 115 min.
PAÍS Irán, Francia
DIRECTOR Abbas Kiarostami
GUIÓN Abbas Kiarostami
MÚSICA Peyman Yazdanian
FOTOGRAFÍA Mahmoud Kalari
REPARTO Behzad Dourani
PRODUCTORA Coproducción Irán-Francia

Quien conozca el trabajo de Abbas Kiarostami la película no le deparará sorpresas. De nuevo surge el cine contemplativo, la observación de lo cotidiano. Unos hombres llegan en un todoterreno a un pequeño pueblo a 700 kilómetros de Teherán para grabar el funeral de una de las habitantes. Esto lo llevan en secreto y al niño que les recibe y acoge dicen ser buscadores de tesoros.

Se inicia con un plano general del coche llegando al pueblo entre campos verdes y amarillos de cereal. Toda la película registra los movimientos de Behzadque se supone es el director del documental. Todo cuanto acontece lo vemos a través de sus ojos.

Se van desgranando escenas de vida cotidiana. Los jóvenes están el campo pues es tiempo de recolección, mientras los ancianos, los niños y las mujeres permanecen en el pueblo. Los niños van a la escuela, las mujeres laboran, faenan, se ocupan de sus múltiples hijos, los ancianos beben té y pasan las horas mirando el horizonte.

Behzad conocerá a las gentes de ese pueblo del valle negro, donde se respetan las tradiciones, donde no hay tele ni radio, sí alguna moto, trabará amistad con el niño, con un hombre que cava un pozo junto al cementerio y a poco muere asfixiado. Conocerá también a su joven amada, que ordeñará leche fresca para él, pues a todos les honra su presencia y le recitará una poesía de Forough Farrokhzad que da nombre a la película.

Behzad recibirá llamadas de su productora y cada dos por tres irá hasta el cementerio, al punto más alto del pueblo donde hay cobertura y pedirá más tiempo, el necesario para que la potencial difunta, de más de cien años, finalmente muera y puedan llevar a cabo su objetivo.

Como dice el doctor su tiempo libre lo usa para contemplar la naturaleza, su gama de colores, su equilibrio perfecto. Hay imágenes de tortugas y de escarabajos peloteros afanados en su tarea, que no se rinden.

No hay sobresaltos en el cine de Kiarostami, ni efectimos sino un cine directo, sencillo, naturalista, algo parecido a un documental donde registrar un trozo de vida humana, un ejemplo de arqueología visual que servirá en el futuro de documento histórico.

Kiarostami debe el nombre de su película a un poema de Forough Farrokhzad (1935 – 1967)

El viento nos llevará

En mi noche, tan breve, ¡ay!
El viento está a punto de encontrar las hojas.
Mi noche tan breve está llena de devastadora angustia
¡Escucha!¿Oyes los susurros de las sombras?
Esta infelicidad que siento ajena a mí
Estoy acostumbrada a la desesperación
¡Escucha!¿Oyes los susurros de las sombras?
Allí, en la noche, algo está ocurriendo.
La luna está roja e inquieta.
Y, agarrada a este tejado
podría derrumbarse en cualquier momento.
Las nubes, como una multitud de mujeres de luto,
esperan el nacimiento de la lluvia.
Un segundo, y luego nada.
A través de esta ventana,
la noche tiembla
y la tierra deja de girar.
A través de esta ventana, un extraño se preocupa por
mí y por tí.
Tú, en nuestro césped,
pon tus manos -aquellos abrasadores recuerdos-
en mis tiernas manos
y pon tus labios, llenos de calor vital
en contacto con mis tiernos labios.
¡El viento nos llevará!
¡El viento nos llevará!

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